death metal Archivi - The Elder's Orient

Pungent Stench: Rot Art

Marco Tripodi — Mon, 05 Jan 2026 15:04:24 +0000

La quintessenza del politicamente scorretto quando il politicamente scorretto nemmeno esisteva. Dalla periferia del pianeta metal, l’Austria, tre avanzi di obitorio se ne escono nel 1990 con un album che è marciume, putrescenza, eccesso e provocazione. “For God Your Soul… For Me Your Flesh”. Indecenza e oscenità, ci mettono appena 41 minuti a conquistare le membra e a fare strage di cuori borchiati. Da lì in poi si sviluppa una carriera cangiante ed eterodossa, della quale neppure i Pungent Stench sembrano avere il pieno controllo. Si impregnano di blues e di groove, inscenano parafilie e devianze sempre più abbiette e deprecabili, e infine si scompongono fino all’estinzione. Martin Schirenc da una parte, Alex Wank dall’altra, fratelli coltelli sempre in guerra e nel mezzo un album postumo (“Smut Kingdom”) che fotografa una band che non aveva affatto esaurito la propria parabola.

Contenuti:

1. Blood (1988 – 1990)
2. Pus (1991 – 1994)
3. Gastric juice (1995 – 2004)
4. The testament of Stench

1 – Blood

Adoro i Pungent Stench, lo dico subito, gioco a carte scoperte per evitare di fare il narratore esterno, terzo e asettico, che mette chirurgicamente in fila fatti cronachistici. Questo non significa che ogni mio giudizio non cerchi di essere il più obiettivo possibile, ma è pur vero che nutro simpatia per questi sciroccati austriaci. Terra particolare l’Austria, non esattamente l’epicentro dell’heavy metal, eppure ha dato i natali a band assolutamente atipiche ed eterodosse, penso ai Disharmonic Orchestra, agli Angizia, ai Belphegor, proposte decisamente peculiari, ricche di sfumature, estremismi concettuali e sonori, visioni musicali del tutto personali. Alla cricca vanno aggiunti i Pungent Stench che a partire dal 1990 piombano sul panorama death metal europeo come un attacco di ferale peste nera. Si tratta letteralmente di vapori mefitici e putridume nauseabondo, perché questo è il biglietto da visita del trio viennese quando irrompe nei negozi con “For God Your Soul… For Me Your Flesh”, titolo alquanto emblematico di per sé, praticamente un manifesto concettuale. Già dall’88 circolavano demo, split ed EP ma è questo il full-length che li segnala al grande pubblico (metal), grazie anche al contratto con la Nuclear Blast. E’ nell’88 infatti che Martin Schirenc (voce e chitarra), Jacek Perkowski (basso) e Alex Wank (batteria) danno vita al trio Pungent Stench, ma è in realtà già dall’87 che Schirenc e Alex Wank, fuoriusciti dai Carnage, concepiscono il progetto. All’88 ci arrivano con una decina di pezzi già scritti ed elaborati, e infatti ad aprile di quell’anno viene inciso il primo demotape “Mucous Secretion” (riedito nel 2020 e del quale trovate una mia recensione su True Metal) con cinque di quelle canzoni e un po’ di sample da La Casa di Sam Raimi. 250 copie su cassetta mettono agli atti il primo vagito ufficiale dei Pungent Stench. La cassetta diventa virale tra i tape traders. Appena un anno dopo firmano con Nuclear Blast, estasiata dai loro delicatissimi live set, e la prima pubblicazione sotto etichetta è uno split con i connazionali Disharmonic Orchestra (già trattati su Elder’s Orient). Quindi un EP e infine ad aprile 1990 (a casa Stench aprile è il mese fortunato) esce “For God Your Soul… For Me Your Flesh”.

L’album si impone per la sua sfrontata rozzezza. La prima impressione è molto venomiana, nel senso che questi tre brutti ceffi non fanno alcun mistero di saper maneggiare moderatamente gli strumenti ma ci costruiscono sopra ugualmente un’epopea dell’orrido e del gore. Efferati, financo un po’ strafottenti ma con un’urgenza espressiva che va oltre la perizia strumentale. I testi sono adeguati alla musica, cannibalismo, bassa macelleria, necrofilia, devianze psicotiche e tanto umorismo nero, anzi giallo-verde, lo stesso colore della bile e dei vari succhi gastrici che colano lungo la scaletta (che ha tra i suoi pezzi pregiati un brano intitolato proprio “Blood, Pus And Gastric Juice”). Schirenc alle vocals mugugna e fa versi da subumano, ma forse il climax assoluto lo si raggiunge a mio avviso nella title-track, pezzo parossistico e surreale che si concede persino dei mini assoli strumentali nel finale, i quali evidenziano tutta la pochezza esecutiva dei Pungent Stench. Ma loro sono come quel calabrone che non sa di non avere un fisico aereodinamico inadatto a volare, dunque se ne frega e vola lo stesso, calabrone 1 – fisica 0. Nel caso degli Stench, loro sono a 1 ed è la musica a rimanere a 0. L’artwork di “For God Your Soul… For Me Your Flesh” è tutto un programma (si chiama “From A Collection Of Relics and Ornaments”) e colleziona arti mutilati e ciò che rimane di un teschio. Il tutto ha un’aria quasi museale, macabra, clinica, documentaristica, fin troppo ovvia l’eco di Repulsion, Autopsy e Carcass su Schirenc, Wank e Perkowski. L’album ha una dimensione tutta sua, è poveristico, diretto ed essenziale, direi proprio scarno nella sua messa in scena del death metal, tuttavia c’è qualcosa di sinistro, di misterioso e insondabile che va oltre l’impressione iniziale, e che lo spinge “altrove”.

II – Pus

Parallelamente all’attività in studio la band si esibisce copiosamente dal vivo a fianco di Carcass, Entombed, Napalm Death, Extreme Noise Terror, Atrocity, Prong, Master. Nel 1991 (stavolta ottobre) Nuclear Blast e Pungent Stench pubblicano il secondo capitolo, rispondente al titolo di “Been Caught Buttering”. Stessa formazione, stesso sarcasmo mortifero, copertina altrettanto schifida e provocatoria (una parodia del bacio tra Leonid Brezhnev e Erich Honecker alle celebrazioni del 30° anniversario della nascita della Repubblica Democratica Tedesca del 1979) e una certa evoluzione del sound che si fa più maturo, solido, articolato e comincia a transitare dal death metal verso altri lidi. Gli Stench non sono mai stati monolitici nei loro gusti e nelle loro influenze, mescolando interessi alternativi, industrial, doom, hardcore, blues rock, fino a capricci perversi come i Mentors. “Been Caught Buttering” viene generalmente ritenuto un passo vanati rispetto all’esordio, e probabilmente lo è su di un piano assoluto, ma rimane il fatto che “For God Your Soul…” ha quella marcia in più, quell’effetto sorpresa (o “sconcerto”), quella follia iconoclasta e provocatoria che lo rende a mio avviso irraggiungibile.

Bisogna aspettare il 1993 per avere altro materiale. Si tratta di un EP, “Dirty Rhymes And Psychotronic Beats”, annunciato da una delle copertine più orrende, temerarie e di cattivo gusto che la storia della musica ricordi (che ovviamente ebbe problemi in diverse parti del mondo). Sette tracce, tra le quali due cover (Warning e Mentors), due remix spericolati e una intro chiamata “Praise The Names Of The Musical Assassins” (immagino gli stessi Stench), dunque di fatto appena due inediti: “Viva la Muerte” e “Horny Little Piggy Bank”. Il primo in particolare prefigura dove andranno a parare gli Stench del futuro, molti interessati ad un blues rotteggiante (avete letto bene), in continuo flirt con il death e con l’umorismo macabro. I remix illustrano bene il giocherellare della band con elementi elettronici, alternativi e industrial, coerentemente con le sfere di interesse degli Stench. Ad un anno di distanza dall’EP, Nuclear Blast dà alle stampe il full-length numero 3 del gruppo, “Club Mondo Bizarre” – For Members Only”, un club esclusivo al quale si accede a patto di avere uno stomaco forte e un gusto per l’eccesso. L’attenzione dei Pungent Stench si concentra sempre più sulla sfera sessuale, ovviamente intesa sui generis, dunque pratiche BDSM e pornografia weirdo. Uscito nello stesso anno di “Heartwork” dei Carcass e “Wolverine Blues” degli Entombed, c’è chi ha voluto gettare un ponte tra queste release, nelle quali le rispettive band addomesticano ed edulcorano un po’ le proprie influenze graniticamente death metal per aprirsi a suggestioni e contaminazioni anche diverse. Questo si evidenzia ad esempio attraverso strutture della forma-canzone più lineari, qualche traccia di melodia e un generale rallentamento delle ritmiche. Nel caso degli Stench poi c’è il prosieguo di influenze bluesy e boogie, ovviamente sempre in chiave Stench, dunque alquanto estrose; “Klyster Boogie”, “Choked Just For A Joke”, “I’m A Family Man”, “Rape – Pagar Con La Misma Moneda” sono un chiaro esempio di questa attitudine “and roll”.

III – Gastric Juice

Tutte le belle storie metal a un certo punto inciampano. Nel 1995 la band inaspettatamente splitta. Dissidi interni? Mancanza di interesse? Sollecitazioni musicali diverse? Quel che sappiamo è che lo stile Pungent Stench è piuttosto variato nel tempo. Seppur sempre riconoscibile per attitudine nera e sporcizia, la band è partita da uno death-gore per poi approdare quasi ad un blues ‘n’ roll, e a questo va aggiunto che la metà degli anni ’90 erano un periodo complicatissimo per stare a galla e tenere la barra dritta, musicalmente parlando. Nuclear Blast non si arrende all’evidenza o comunque cerca di spremere la mucca finché ha latte, nel 1997 pubblica così la raccolta “Praise The Names Of The Musical Assassins”, con estratti dallo split con i Disharmonic Orchestra, dai demotape, dagli EP, dalle compilation; chicche varie insomma diventate pure di difficile reperibilità, e infatti la release ottiene un discreto consenso. Nel frattempo Schirenc mette in piedi gli Hollenthon, ennesima variazione/contaminazione di atmosfere di base death metal col symphonic, il folk e la melodia. Pubblicherà tre album e un EP tra il 1999 ed il 2009. Per poi passare agli Zombie Inc. (due album, 2011 e 2013) più prettamente death, anzi zombie metal. Bisogna invece attendere il 2001 perché l’entità Stench riprenda corpo e forma. Perkowski nel frattempo ha lasciato e il basso viene preso in carico da Mario Klausner dei cugini satanici Belphegor.

“Masters Of Moral – Servants Of Sin” riprende il discorso da dove gli Stench si erano interrotti, anche se un certo rinvigorimento del sound si nota. Non è più il death metal delle origini ma i Pungent Stench non sono neanche diventati una cover band di Eric Clapton, il gusto sferzante della provocazione, dell’orrido e del sarcasmo più cinico e violento rimane inalterato e musicalmente le frustate ci sono eccome. I tre si presentano vestiti da preti, il booklet è pieno di foto sotto i crocifissi e circondati da bambini. Basta fare uno più uno per capire chi stanno accusando e di cosa. L’album è un manuale di anticlericalismo militante, con titoli inequivocabili, ma soprattutto è un gran bel disco dei Pungent Stench tornati “alive and kicking“. Che la situazione non sia facile comunque si vede, non solo passano tre anni prima di un nuovo album, ma il ruolo del bassista è nuovamente cambiato, stavolta c’è Fabio Testi (non l’attore), ma è solo sui crediti del booklet perché in studio in realtà suona tutto Schirenc.

“Ampeauty” (2004) spinge ancora un passo oltre il concetto di cattivo gusto e indecenza, praticamente l’alfa e l’omega dei Pungent Stench. Si tratta della coerente prosecuzione di “Masters Of Moral – Servants Of Sin”, magari leggermente meno spumeggiante, ma anche più cupo e perverso, con tematiche che ora si spostano sul fetish e sulle parafilie collegate alle amputazioni. La traccia d’apertura è intitolata a Lynndie Rana England, militare americana e criminale di guerra, l’aguzzina di Abu Ghraib, carcere nel quale torturava i prigionieri iracheni come bestie e verso i quali poi dichiarò di non provare alcun rimorso. Il titolo di “Lynndie (She-Wolf Of Abu-Ghraib)” fa il verso a Ilsa, She-Wolf Of The SS (da noi Ilsa La Belva Delle SS), film fondamentale della cosiddetta nazisploitation del 1961 con la bombastica Dyanne Thorne, humus perfetto per le visioni marce dei Pungent Stench. Come il disco precedente, “Ampeuty” alterna sfuriate grezze e zozze con momenti più aperti, bluesy e melodici, dando origine ad una mistura tutta peculiare e ascrivibile alla band nel suo stadio di maturità (per quanto ciò possa suonare come un ossimoro).

IV – The testament of Stench

Gli Stench si trascinano dilaniati da dispute interne ed esterne (con label e perbenisti) fino al 2007, poi implodono per una seconda volta. Schirenc tuttavia promette che non sarà la fine dei Pungent Stench, un altro all’album era stato registrato e prima o poi in qualche forma o modo verrà pubblicato. Si riattiva nel 2013 assieme a Danny Vacuum al basso e Mike G. Mayhem degli Hollenthon alla batteria, mettendo in piedi il progetto The Church Of Pungent Stench, col quale si esibisce dal vivo cercando di scansare le prevedibili frecce legali legate al parziale utilizzo del monicker, ancorché modificato. A Wank però l’aggiunta della Chiesa accanto al nome Pungent Stench non convince granché e annuncia scontri tribunalizi. A suo dire Schirenc gioca col vecchio nome degli Stench alludendo e ammiccando ad una sorta di reunion, cosa non vera per la mancanza stessa di Wank. Nel bel mezzo della guerra i due litiganti devono perlomeno aver trovato il tempo di fare una tregua e lasciare che Dissonance Productions pubblicasse “Smut Kingdom”, il famoso album postumo degli Stench registrato nel 2007. Al basso altra faccia nuova, Gregor Marboe, pure lui transitato dagli Hollenthon. “Smut Kingdom” è un caso rarissimo di album di una band che formalmente non c’è più e che è clamorosamente bello. Ascoltandolo viene da chiedersi perché diavolo questi bambini dell’asilo non abbiano trovato un modo per sotterrare i ciucci di guerra e non si siano dedicati unicamente alla musica, se il livello di creatività ed ispirazione era ancora così alto, quasi 40 anni dopo il loro debutto con “For God Your Soul…”. Dai sacrifici umani aztechi ai mille riferimenti sessuali, dalla reincarnazione in forme bestiali alla pornografia conclamata (che fa da titolo al disco), dalle sexy jihadiste con le cinture di esplosivo al posto dei reggiseni push up all’Opus Dei, dai traditori multiculturali e interrazziali al consumismo che ci trasforma tutti in zombie, i testi dei Pungent Stench sparano contro tutti ad alzo zero, con la consueta ironia crassa e impietosa, conditi da una vera e propria ossessione per il sesso (malato). Ciò che rimane oggi degli Stench è questa manciata di strampalati album fatti di estremismo sonoro e concettuale, sarcasmo, ironia e volgarità, nonché l’opportunità di vedere dal vivo Schirenc esibirsi come Schirenc Plays Pungent Stench, per altro assieme al figliol prodigo Jacek Perkowski.

Questi austriaci mi hanno dato da riflettere, oltre a molte ore di musica tanto perversa quanto accattivante e genialoide. A loro ho concesso molto di più di quanto abbia concesso ad altri. Ho sempre trovato di una cretineria sesquipedale i testi (e gli atteggiamenti) di band come i Manowar o i Deicide, la misantropia narcisistica di molto black metal, il machismo del glam, indirettamente proporzionale alla quantità di make-up; eppure, a ben vedere, molte delle liriche scritte dagli Stench sono di una imbecillità colossale. Umorismo oro-genitale, nero e spietato quanto si vuole, ma anche puerile e abbastanza agghiacciante se letto ad esempio dalla prospettiva di una donna. Pare di leggere il diario di uno squilibrato serial killer e delle sue marce imprese fuori e dentro da un set porno. Eppure il verbo degli Stench non mi è mai risuonato così irritante, perché per qualche motivo tra le righe percepivo altro, esattamente come nei trattati di patologia clinica dei Carcass intravedevo un’ironia macabra, una forma di rivolta verso certa ipocrisia, la voglia di scioccare per scuotere le coscienze, o forse anche solo di non prendersi realmente sul serio e gridare che divertirsi non è mai stato un peccato capitale. Ma tutto questo potrebbe essere un gigantesco alibi creato dalla mia testa per giustificare la simpatia verso i Pungent Stench a fronte di una spiccata antipatia verso Joey De Maio o Glen Benton, a cui non ho perdonato una virgola. Un doppiopesismo che ammetto senza infingimenti. Capita solo a me?

Discografia Relativa

1990 – For God Your Soul… For Me Your Flesh
1991 – Been Caught Buttering
1993 – Dirty Rhymes And Psychotronic Beats (EP)
1994 – “Club Mondo Bizarre” – For Members Only
1997 – Praise The Names Of The Musical Assassins (compilation)
2001 – Masters Of Moral – Servants Of Sin
2004 – Ampeauty
2018 – Smut Kingdom

Link e Social

L'articolo Pungent Stench: Rot Art proviene da The Elder's Orient.

Benediction: Benedetto Sia Lo Slow Death

Marco Tripodi — Fri, 06 Jun 2025 10:00:51 +0000

E’ esistito lo “slow death”, costola del death metal, sua variante, è fluito potente a Birmingham, già patria dei Black Sabbath, che sulla lentezza hanno costruito una fama e una carriera, ma si è poi arrestato al cospetto del Rubicone. Attraversarlo ha cambiato tutto, il groove si è mangiato lo slow e quel sogno (o quell’incubo se preferite) si è interrotto, sebbene altrove in giro per il globo altri sognatori ne abbiano raccolto le ceneri “benedette” e portato testimonianza.

Contenuti:

1. Questa non è un’esercitazione (1990)
2. Slow death (1990)
3. Il Rubicone è alle spalle (‘1991 – 1993)
4. Oblio e minestre riscaldate (1993 – 2025)

1 – Questa non è un’esercitazione

Questa non è un’esercitazione, non è un articolo di approfondimento su di una band come sovente mi capita di fare, non è esattamente una monografia o una retrospettiva, e non è neanche una riflessione a seguito della quale si scolpisca sul marmo cosa sia giusto o sbagliato, cosa dobbiate pensare o meno; è solo il frutto di considerazioni personali, mie constatazioni, pertanto come tali le si può ricevere come rispedire al mittente. E’ una occasione di confronto e discussione, accettatela o chiudetela in un cassetto, come preferite. I Benediction di Birmingham sono a mio modo di vedere una tra le più significative espressioni del death metal, se non la più significativa in assoluto, la più pura, perlomeno per quello che è il mio concetto di death metal. Non sto dicendo siano la miglior band di sempre, quel titolo a mio gusto probabilmente spetta agli Obituary (pur con tutti i loro passi falsi in carriera), tallonati – sempre a mio parere – dai Nocturnus e dai Morbid Angel. Qui piuttosto si tratta di altro, mi riferisco a ciò che i Benediction hanno incarnato e rappresentato, perlomeno per un breve periodo. Segnatamente dagli esordi fino al 1992, facciamo fino all’EP “Dark Is The Season” e chiudiamola lì, affare fatto.

Esattamente al trentesimo secondo di “Subconscious Terror” Mark “Barney” Greenway ruggisce: “slooooooooooooooow!!!!” Un marchio che si fa manifesto della band e di un preciso filone musicale, che chiameremo giustappunto lo “slow death metal”. I Benediction, come i Bolt Thrower (sempre di Birmingham, come i Black Sabbath, come i Sacrilege di quel molosso doom che è “Turn Back Trilobite”), gli Asphyx, gli Autopsy, i Desecrator, anche buona parte della discografia degli stessi Obituary, sono espressione di quel death metal che si affida ad una costruzione narrativa fatta di atmosfera e riff iconici, anziché farsi sventrare da continui blast beats, velocità ipersonica, tecnica ipertrofica, testosterone in eccesso, cattivismo un tanto al chilo e ultra violenza spettacolare. Personalmente adoro “quel” death metal, andando per analogia per quanto possa sembrare strampalata, è un po’ la stessa differenza che Tinto Brass faceva tra il (suo) cinema erotico e la pornografia. Da una parte c’è immaginazione, fantasia, lavoro intellettuale, speculazione, dall’altra c’è la macelleria apparecchiata sul banco, devi solo scegliere quale pezzo di carne vuoi, ma non c’è nulla da scoprire, da indagare, nulla che possa farti realmente emozionare. Se volete, per rimanere più aderenti al genere, è la differenza che passa tra un buon film horror concettuale, spesso e volentieri datato, ed uno slasher ultra gore e ultra splatter. Non è il “quanto” ma il “come” a fare la differenza. Quando “Subconscious Terror” uscì nel 1990 non fu accolto da un tripudio generalizzato, uniforme ed incondizionato, piovvero anche tante critiche, dovute ad una produzione ritenuta eccessivamente scarna e penalizzante, a una velocità per l’appunto troppo modesta e calmierata, tanto che qualcuno si chiedeva se si dovesse effettivamente parlare di death metal, al netto del growl di Barney. I Cannibal Corpse di “Eaten Back To Life”, i Deicide del debutto omonimo, i Morbid Angel di “Altars Of Madness” e nella vecchia Europa gli Entombed di “Left Hand Path” o i Carnage di “Dark Recollections” proponevano altro, altri bpm per metro quadrato, altra intensità, altri grovigli, pur ognuno con le sue diverse sfumature.

II – Slow Death

Ciò che ad alcuni non andava a genio dei Benediction era esattamente ciò che mi ha fatto innamorare seduta stante della loro proposta musicale. Quel suono ancestrale, proveniente da un’era che non è “vecchia”, antica o datata, è proprio fuori dal tempo, scorre parallelamente al tempo, se ne astrae per diventare immanente. Sembra di assistere a giochi di ombre proiettate sulle pareti delle caverne degli uomini di Neanderthal, creature deformi e mostruose danzano scomposte, come nelle pagine di Lovecraft, silhouette incomprensibili, troppo lontane dalla nostra capacità di leggerne il significato, la provenienza, il senso. Come la stessa intro suggerisce, l’album spalanca le porte delle nostre fobie (“Portal To Your Phobias”) e ci investe con tutta la sua furia primitiva. Ogni nota, ogni colpo di cassa, di rullante, ogni linea di basso, ogni colata lavica della trachea di Barney ci percuotono e ci posseggono fin nel profondo delle viscere, come fa un burattinaio con i propri burattini, ne è in completo dominio e li agita al proprio volere. Siamo come Jessica Lange imprigionata nel pugno di King Kong. I Benediction non vanno in cerca dell’effetto wow, non smaniano per il colpo di teatro o lo shock ad ogni costo, la loro è tutta sostanza, minuto dopo minuto, una densità pazzesca, un peso specifico pari alla gravità di Giove quasi tripla di quella terrestre. “Subconscious Terror” ti mastica pezzo a pezzo e ti annienta in un’estasi di emozioni e potenza.

Il tupa-tupa di Ian Treacy alla batteria è qualcosa di orgasmico, la velocità perfetta, mai frenetico, trattenuto quel tanto che basta per essere un metronomo dell’orrore e fare sì che la tensione arrivi in modo esasperante, carica come un treno merci grosso, pesante e inarrestabile, al quale non occorre chissà quale velocità supersonica poiché è la sua stazza, la sua pachidermica inesorabilità a non lasciare alcuno scampo al malcapitato che giace inerme sui binari. Se ascoltate con la dovuta attenzione, molte delle soluzioni ritmiche di Treacy hanno del geniale. Non stiamo parlando di Neil Peart, sia chiaro, ciò che contraddistingue Treacy è l’estremo gusto per i suoi filler, i suoi raccordi, le sue micro trovate all’interno di un pezzo (anche banalmente il susseguirsi degli affondi di cassa senza accompagnarli con i crash, creando così una specie di colpo sordo che evoca delle aritmie cardiache), che contribuiscono a dare qualità sublime al songwriting dei Benediction.
Tutto il resto dell’orchestrina gira attorno a quei colpi di batteria nel modo più perfetto possibile, una macchina da guerra gargantuesca. Chitarre scarne ma al contempo grondanti melma e liquido amniotico, un basso che è il battito dell’inferno, Barney che declama l’apocalisse.

Ho sempre adorato il fatto che i Benediction avessero avuto l’ardire di scrivere un testo ad esempio come “Artefacted Irreligion”, è futurista ancora oggi, figuriamoci nel 1990 quando discettare di diavoli, satanassi e belzebù in ambito death metal era il minimo sindacale per essere ammessi nel circolo dei cattivi. Una “irreligiosità artefatta” per convenienza, per moda, per stupidità. Tanto bastò a tacciare la band di cristianità ovvero un malus (come fosse un’offesa), ma non c’era alcuna velleità evangelica o dottrinale, puro e semplice buon senso e lucidità di analisi. Maturità, un concetto spesso sfuggente nel pianeta borchiato. “Subconscious Terror” – la cui copertina è una sorta di rielaborazione horror della locandina del film Calma Piatta (Dead Calm), di Phillip Noyce, con Nicole Kidman e Sam Neil, uscito l’anno prima al cinema – è a mio modo di vedere un album eccellente, senza un solo filler in scaletta, conciso (34 minuti), dannatamente efficace, incisivo, poderoso. E soprattutto definisce un canone, quello dello slow death, qui canonizzato al suo meglio. Questa sarà la formula e il copyright spetta ai Benediction di Birmingham, figli dei Black Sabbath.

III – Il Rubicone è alle spalle

Quelli erano gli anni nei quali Nuclear Blast era una vera fucina di talenti, una label procacciatrice di novità, di musicisti e band che stavano aprendo nuove strade, inventando generi e sottogeneri. Ai Benediction bastano 11 mesi per dare un successore al “Subconscious Release”. La formazione perde Barney, come è noto trasmigrato nei Napalm Death. Al suo posto arriva Dave Ingram, ottimo growler, assolutamente adeguato per i Benediction, anche se a mio gusto e parere Barney era insostituibile e la band perde qualcosa in questo avvicendamento. Nei negozi si affaccia “The Grand Leveller”, degnissima prosecuzione di quanto intrapreso col debutto. Per anni sono vissuto nel dubbio amletico su quale fosse il miglio platter della band, se il primo o il secondo, questo per dire di che livelli celestiali stiamo parlando. Col tempo ho maturato l’idea che l’oro debba aggiudicarselo “Subconscious Release”, perché ha dalla sua l’effetto sorpresa e perché la produzione così raw e primitiva aggiunge quel quid in più, ma stiamo parlando di una lotta al fotofinish. “Vision In The Shroud” si candida tra le miglior canzoni d’apertura di un album di tutti i tempi. Solo quella vale l’intera scaletta, sebbene non sia affatto l’unica nota positiva del disco, anzi. I rintocchi di campana stabiliscono subito l’humus nel quale veniamo scaraventati. La processione funerea ha inizio, d’ora in poi sarà tutto nero. Il drumming di Treacy mantiene inalterate tutte le sue preziose caratteristiche. I riff di Peter Rewinski e Darren Brookes aggiungono fluidità e groove, non siamo ancora i livelli di “Transcend The Rubicon”, ma qui ci sono i prodromi di quella svolta. Penso ad esempio a “Graveworm”, “Opulence Of The Absolute”, “Senile Dementia”. “The Grand Leveller” è incredibilmente compatto, un album solido e ugualmente potente rispetto al suo predecessore, anche se forse manca quell’aspetto un po’ allucinato e weird che caratterizzava “Subconscious Release”; ora c’è maggior consapevolezza. L’album si chiude nientemeno che con la cover di “Return To The Eve” dei Celtic Frost, un tributo gradito e dovuto, perché molto del pentagramma dei Benediction deriva anche dalla magia degli elvetici.

I Benediction continuano a battere il ferro caldo e nel 1992 è la volta di un EP, “Dark Is The Season”. Copertina favolosa, cinque tracce, due inediti (“Foetus Noose”, “Dark Is The Season”), due recuperi (“Jumping At Shadows”, “Experimental Stage”), una cover (“Forged In Fire”), per 24 minuti di durata. La riproposizione degli Anvil è semplicemente magnifica, concorre con l’originale, accade molto raramente con le cover. I due nuovi pezzi sono eccellenti, lo stato di forma dei britannici è superlativo, anche se la line-up perde un altro pezzo, Darren Brookes si occupa sia della chitarra che del basso perché Paul Adams ha lasciato per andare negli Absolution (dalla Benedizione alla Assoluzione), dove durerà lo spazio di un demotape. “Transcend The Rubicon”, che arriva puntuale a distanza di un anno, è una rivoluzione in casa Benediction. Intanto la formazione cambia ancora, al basso subentra Frank Healy direttamente dai connazionali Cerebral Fix (nonché ex Sacrilege, e partito come chitarrista negli embrionali Napalm Death del 1987). La produzione cambia sensibilmente, gli strumenti sono molto compressi e liquidi, il suono è metallico, ma è soprattutto il songwriting ad evolvere sensibilmente. Intanto la velocità media si alza di qualche bpm, certo i Benediction non diventano i Terrorizer ma non c’è più quella lentezza calcolata e angosciosa del 1990, già l’etichetta di slow death vacilla. Ciò che più colpisce è il guitar working, spintosi ampiamente in territori groove, un elemento che caratterizza fortemente l’album. Non è più l’atmosfera a caratterizzare il sound dei Benediction ma è la canzone nella sua accezione più classica, ora i nostri sono una “tipica” band death metal, normalizzatasi. Il che non inficia affatto la qualità del disco, “Transcend The Rubicon” è un bel lavoro, di qualità, ma ha sottratto personalità e peculiarità ai Benediction, ora non sono più fuori dal tempo bensì perfettamente calati nel loro tempo.

IV – Oblio e minestre riscaldate

Il disco in realtà ottiene un riscontro generosissimo, viene accolto a braccia aperte dal pubblico e molti imparano a conoscere la band a partire proprio da “Transcend The Rubicon”. Io comprai il vinile, un gatefold apribile con un artwork oggettivamente di una bellezza sopraffina, la produzione bombastica spaccava le casse e il battage pubblicitario messo in atto dalla Nuclear Blast fu di primissimo ordine. Non c’è da stupirsi dunque che molti ancora oggi considerino questo capitolo il migliore della discografia della band. Per me invece segna l’inizio di una inversione di tendenza. Qui i Benediction operano una scelta precisa, accantonano il sound degli esordi e ne adottano uno nuovo, che non stravolge ogni cosa, ma lo lima, lo arrotonda, lo ridefinisce ottenendo un risultato d’insieme finale che cambia le carte in tavola. Ribadisco l’assoluto valore di “Transcend The Rubicon” come album in sé, ma se inserito all’interno della storia dei Benediction rappresenta croce e delizia almeno per quanto mi riguarda. Con qusta release nel 1993 la band cambia direzione, inforcato una sliding door che farà procedere le cose diversamente. Una traccia come “I Bow To None” con la sua struttura quadrata, il suo ritornello anthemico e martellante, diventa quasi la “I Wanna Rock” dei Benediction, qualcosa di parecchio distante dalla psichedelia orrorifica di una “Grizzled Finale”, ad esempio. E non è un caso se Treacy lascia i Benediction dopo la pubblicazione di questo landmark, per divergenze musicali.

Nel 1994 esce un altro EP, “The Grotesque”, contenente i due inediti “The Grotesque”, “Ashen Epitaph” e tre pezzi live. Oggettivamente un buon lavoro, la title-track è eccellente. Il peggio arriva dopo. A partire da “The Dreams You Dread” (che porta il titolo del primo demo della band di 6 anni prima), la qualità dei Benediction cala vistosamente. Il gruppo si infila in un lungo periodo corrispondente a ben quattro uscite discografiche di valore modesto, con poche idee (ed un altro cantante, visto che a partire da “Grind Bastard” Dave Hunt prende il posto di Ingram). Certo, se i ’90 non sono anni facili per il metal, a partire dai 2000 c’è invece una evidente ripresa ma i Benediction stentano fino al 2020, quando riemergono dalle secche con “Scriptures”, il tutto senza mai essere stati mollati dalla Nuclear Blast. L’ottavo lavoro della band viene presentato come un ritorno alle origini, lo è persino nella copertina e nei suoi cromatismi. Già ma quale origini? Al microfono è tornato Ingram, questo è già un indizio. Le origini sono quelle più celebrate (nonché convenienti) di “Transcend The Rubicon”. E’ esattamente quello il sound al quale i Benediction dicono ai propri fans di guardare. Un suggerimento che si rivela corretto, non una falsa promessa, la band torna effettivamente a bazzicare lì, “Scriptures” è una credibile ripresa di quel clima, anche se sono passati 27 anni e, laddove “Transcend” fu una scelta spontanea, oggi “Scriptures” si mette semplicemente in scia. Per altro senza la stessa creatività di allora, è un album ben fatto ma che non solo non aggiunge nulla alla discografia dei Benediction, anzi finisce col risultare fine a se stesso, un esercizio di stile, nostalgico, un po’ vuoto, autoreferenziale e privo di grandi guizzi, se non lo sforzo determinato di ammantare le composizioni con la giusta veste cronologica.

Recentemente, appena 2 mesi fa, “Scriptures” è stato bissato da “Ravage Of Empires”, stessi colori, quasi la stessa copertina, verrebbe da dire stessa musica. Sicuramente stessi intenti, rimanere ben posizionati nella presunta golden age di “Transcend The Rubicon” per cercare di scontentare meno fans possibili. Non una scelta esattamente all’insegna del coraggio quella degli odierni Benediction, dei quali sono sopravvissuti Peter Rewinsky, Darren Brookes (entrambi membri fondatori) e Dave Ingram, affiancati da nuovi gregari, tra i quali l’italiano Giovanni Durst alla batteria (con un curriculum di tutto rispetto alle spalle fatto di militanza, tra gli altri, nei White Whizzard e nei Monument).

Discografia Relativa

1990 – Subconscious Terror
1991 – The Grand Leveller
1992 – Dark Is The Season (EP)
1993 – Transcend The Rubicon
1992 – The Grotesque/Ashen Epitaph (EP)

Link e Social

L'articolo Benediction: Benedetto Sia Lo Slow Death proviene da The Elder's Orient.

Out of the Grave: i Grave 1994 – 1996

Marco Tripodi — Tue, 25 Feb 2025 14:41:30 +0000

Nelle tormentate tombe di Svezia a metà anni ’90 c’era molta irrequietezza, un periodo dimenticato o addirittura misconosciuto che invece portò novità e sperimentazione, come al solito poi accantonate in favore di un più rassicurante (e proficuo) “ritorno alle origini”.

Contenuti:

1. Dei Sepolcri (1990 – 1993)
2. To ride, shoot straight and speak the Grave! (‘994 – 2002)
3. Alle origini delle origini (‘2004 – 2024)

1 – Dei Sepolcri

Spesso scrivo articoli riepilogativi delle carriere di qualche band che trovo interessante, a cui sono particolarmente legato o semplicemente che apprezzo. Approfondisco e squaderno, mi soffermo su qualche punto, un momento saliente, una parentesi, un determinato lasso temporale che secondo me merita di essere raccontato e messo in evidenza. In questo caso mi preme molto accendere una luce sui Grave di metà anni ’90, esattamente la metà, quel triennio che va dal 1994 al 1996, tutto fuorché un periodo facile per chi suonava heavy metal, figuriamoci death metal. Non che il genere fosse in stagnazione, anzi tante band cercavano di proporre la propria musica, anche andando a cercare e sperimentare soluzioni diverse dal passato, inevitabilmente influenzate dai grandi cambiamenti all’interno del panorama borchiato e oltre. La scena svedese, il cosiddetto swedish death metal, è già in fermento alla fine degli ’80 grazie ai vari Morbid e Nihilist, ma è con l’uscita del debut degli Entombed (cioè i Nihilist) – “Left Hand Path” – che si può convenzionalmente battezzare la nascita del movimento, perlomeno discograficamente parlando. Da quel momento in poi di band con la chitarra a zanzara in friggitoria ne arrivano parecchie dalle varie città e province della Svezia, Carnage, Dismember, Unleashed, Grave, i Tiamat di “Sumerian Cry”, i primissimi Dissection, solo per citare le più quotate

I primi due capitoli discografici degli Entombed rimangono probabilmente ineguagliati per bellezza ed importanza capitale, ognuno ha i suoi gusti e ci sarà sicuramente chi preferirà altri titoli di altre band, magari per poche incollature di distanza, ma fatto sta che credo sia giusto dare a Cesare quel che è di Cesare. Sempre a mio parere s’intende, segue un’altra doppietta, quella dei Grave di Visby. “Into The Grave” e “You’ll Never See…” valgono il prezzo del biglietto, sono certamente due album “derivativi” se si vuole attribuire perlopiù agli Entombed tutta la paternità dello swedish sound, ma nel loro riproporre quelle sonorità compiono un lavoro egregio attraverso due album che sono eccellenti e offrono alcune soluzioni davvero interessanti, come ad esempio il peculiare uso delle tastiere in diversi brani. Non credo occorra soffermarmi troppo a tesserne le lodi, quali che siano le vostre preferenze mi pare indubbio che si tratti di due album fondamentali e necessari nella discografia di qualunque amante del death, dentro e fuori dai confini svedesi.

Intanto però siamo abbondantemente entrati nella decade dei ’90 ed i cambiamenti perforano le armature delle band come proiettili d’acciaio. I Grave in via interlocutoria nel 1993 pubblicano l’EP “…And Here I Die… Satisfied”, che con i suoi puntini di sospensione sembra una risposta a “You’ll Never See…” pure quello lasciato in sospeso dai puntini. Si tratta di una riproposizione di vari brani, compresi tre che risalivano addirittura all’epoca Corpse, quella pre Grave. Il nuovo studio album si rivela essere “Soulless” nel 1994, cosa è successo nel frattempo? Beh, non solo i Metallica hanno pubblicato il famigerato black album, cosa che in fin dei conti ai Grave poteva tangere relativamente, un po’ come quando alla tv annunciano un disastro naturale che si è verificato dalla parte opposta del pianeta, ok dispiace ma siamo fuori pericolo. Il punto è che nel 1993 gli Entombed si inventano “Wolverine Blues” ed anche il mondo dello swedish death metal non sarà più lo stesso. Tanto “Soulless” quanto “Hating Life” due anni dopo sono figli diretti di Wolverine. In questo senso i Grave stanno un po’ agli Entombed come gli Xentrix stavano ai Metallica, con una sostanziale differenza però, che alla lunga gli Xentrix sono diventati preferibili ai loro padri putativi, infognati in dischi orrendi uno dietro l’altro, e a dirla tutta persino il black album degli Xentrix (“Kin”) mi è sempre piaciuto di più di quello originale americano.

I Grave non arrivano a superare gli Entombed ma comunque pubblicano due lavori che purtroppo critica e pubblica non hanno mai dimostrato di amare granché. Con gli Entombed andò diversamente, le vedove di “Left Hand Path” e “Clandestine” furono numerose e veementi, ma ciò nonostante in qualche modo il corso 2.0 degli Entombed trovò dei sostenitori, anche grazie al valore concreto degli album successivi. Intendiamoci, a me “Wolverine Blues” non ha mai fatto impazzire, ho sempre avuto un rapporto di amore-odio con quel disco e l’ho già raccontato nell’articolo sugli Entombed di “To Ride, Shoot Straight And Speak The Truth” (che addirittura gli preferisco), tuttavia riconosco che non si può parlare di un lavoro maldestro o di scarso valore, tutt’altro, bensì di un capitolo che semplicemente sgombrò il campo (e per sempre) dai vecchi Entombed per offrire una visione nuova della band. In questo seguendo lo stesso excursus dei Metallica.

II – To Ride, Shoot Straight And Speak The Grave!

Accade qualcosa di molto simile anche in casa Grave. Jonas Torndal se n’è andato tra “Into The Grave” e “You’ll Never See”, per il resto il terzetto Lindgren, Sandström, Paulsson sembra rimanere solido, coadiuvato al solito dal produttore Tomas Skogsberg, da sempre in sala prove con la band, nonché artefice del sound di Entombed, Carnage e Dismember. Cosa cambia concretamente? Che anche per i Grave la stretta aderenza al death viene contaminata dalla contemporaneità. C’è meno asfissia nel sound, meno riff a spirale, meno tenebrosità; spunta un po’ di groove, il sound si fa più scarno, sempre veemente ma in maniera diversa, con un taglio quasi più acido e hardcore, sempre massiccio ma meno rotondo e più spigoloso. E’ tutto assai più diretto, essenziale, conciso, c’è del malessere ma non è dato da diavoli, tombe e retaggi lovecraftiani, bensì da una società del tutto insoddisfacente, avvelenata di tossine e disumanità. L’odio prende il posto dell’orrore. “Soulless” e “Hating Life” sono due album compatti, ascoltabili in sequenza come fossero il primo ed il secondo tempo di un film intitolato “Out of the Grave: i Grave di metà anni ’90 “, anche se contestualmente va messa agli atti la perdita di Sandström nel passaggio tra i due, segno che qualche discussione in seno alla band presumibilmente sulla direzione da intraprendere ci deve essere stata. Ridottisi ad un duo i Grave compattano e il timone rimane saldamente nelle mani soprattutto di Lindgren.

Non si capisce bene a chi possano essere rivolti questi due dischi perché i Grave perdono mordente sul proprio pubblico e più in generale su quello metal largamente inteso. Ciò che viene in parte condonato agli Entombed a loro non viene abbuonato, i Grave sono andati nei campi a cogliere le cipolle e si sono persi da qualche parte all’orizzonte. Tempi più lenti, atmosfere sempre cupe ma cariche di frustrazione, sperimentazione (basti vedere la foto psichedelica della band di “Hating Life”, echeggiante le pose di altri “estremisti” sui generis come Disharmonic Orchestra e Afflicted, ex Afflicted Consulsion). Una contaminazione che mescola uno slancio più rock ‘n’ roll a sentori industrial, e tuttavia sarebbe ingiusto dire che c’è una frattura netta tra i primi Grave e questi, poiché le track-list di “Soulless” e “Hating Life” sono all’insegna di uno sviluppo coerente (e per me convincente) del Grave sound, oltre a mantenere anche una coerenza interna tra di loro. Interessante come in “Hating Life” in particolare si ritrovino alcune reminiscenze di “Blut” (1994) degli Atrocity e come la somiglianza con “Willenskraft”, uscito lo stesso anno, sia ancora più accentuata, segno che le band stavano individualmente compiendo un percorso davvero parallelo. Per entrambe in sede di recensione venne evocato lo spettro dei Pantera, soprattutto a causa dei riff carichi, grassi, stoppati e boriosi. “Hating Life” venne accolto ancora peggio di “Soulless” (ritenuto paradigmaticamente un disco “senz’anima”), perché se sul primo ancora si nutrivano speranze che si potesse trattare di una fase momentanea, “Hating Life” giunse a confermare lo stato dell’arte, anzi spingendo ancora più in là (ovvero lontano dal death metal) la voglia di sperimentare dei Grave.

Non a caso passano sei lunghissimi anni prima che la band si riaffacci sul mercato discografico. A sorpresa rientrano Torndal e Sandström, c’è anche il fidato Skogsberg in consolle, ma pure un quarto membro, Fredrik Isaksson al basso, già con Therion e Excruciate. Come si chiama il nuovo album? “Back From The Grave”. Non occorre aggiungere altro, vostro Onore. Il disegno è da subito chiaro, i sofferti ’90 sono finiti, si sono chiusi, già tra la fine di quella decade e l’immediato inizio dei 2000 il metal più tradizionale pare risollevare la testa e tornare a respirare ossigeno senza bombole di supporto. Le band hanno fatto esperienza, sperimentato e metabolizzato errori e orrori, sempre che tali li si voglia identificare. C’è un bisogno epidermico di tornare alle origini ma forti della maturazione intrapresa in anni complicati. Gli Entombed con “Uprising” e “Morning Star” non hanno affatto rinnegato il loro death ‘n’ roll ma hanno smesso di inventarsi cose troppo astruse, “Same Difference” era un album che aveva gettato nello sconforto un po’ tutti (benché a mio parere abbia i suoi momenti). Dunque era in corso un processo di riavvicinamento e riappacificazione con i vecchi fans. I Grave stavolta doppiano gli Entombed e fanno un passo che supera, “Back From The Grave” più che farli tornare dalla tomba li fa tornare nella tomba, esattamente da dove erano venuti. Il loro quinto titolo diventa la cosa più prossima ai Grave 1991-’92. Il lavoro svolto da Lindgren e compagni è filologico, calligrafico, viene ricreata la scena del crimine in maniera che ognuno possa sentirsi a casa, in famiglia, corroborato dal calore di una nostalgica “comfort zone” abbandonata proprio malgrado.

III – Alle Origini Delle Origini

“Back From The Grave” non è affatto un brutto album, anzi è piacevole. Una volta condonata la totale mancanza di novità a favore della determinata e cocciuta volontà di ricreare una fotografia vecchia di un decennio, ci si può serenamente lasciar andare alla messe di riff e filo spinato tessuti dalla band, decisamente in palla ed entusiasta di ripresentarsi al proprio pubblico con il vestitino della prima comunione. Manco a dirlo, l’album viene salutato urbi et orbi come la rinascita dei Grave, il ritorno, un nuovo inizio, “Soulless” e “Hating Life” vengono rapidamente e volentieri consegnati agli archivi, chiusi a chiave in un cassetto e se possibile dimenticati come una sorta di errore giovanile da non ripetersi. Cosa succede dopo “Back From The Grave”? Che gli svedesi iniziano a girare in tondo. Album dopo album la band sta molto attenta a non deragliare dal binario dell’ortodossia, concedendosi solo qualche capriccio qua e là, ma sempre accettabile, vedasi un album come “As Raptures Comes” dove i Grave a tratti sembrano i Morbid Angel. E’ lì che ho smesso di comprare i Grave e da quel momento mi sono limitato ad ascoltare online ogni nuova uscita prima di aprire il portafoglio.

Tendenzialmente il pubblico ha premiato il ritorno alle origini cimiteriali della band, gli album dei 2000 sono stati molto più elogiati di quelli di metà anni ’90, che tuttavia io continuo a preferire a questa bulimia di canzoni spesso molto simili tra loro e inchiodate alla paura di deludere qualcuno (e quindi di non vendere cd, magliette e biglietti dei concerti). Senza la minima esitazione direi che “Soulless” e “Hating Life”, pur con tutti i loro difetti e le loro incertezze, rimangono due dischi più sinceri e genuini di quanto partorito dopo da Lindgren e della sua congrega di becchini. Ammetto per stanchezza di aver perso un po’ di vista i Grave più recenti, quelli di “Out Of Respect For The Dead”, pure quello oramai vecchio di dieci anni. Già da “Fiendish Regression” (2004) sparisce di nuovo Sandström, Torndal resiste un altro album (“As Rapture Comes”), Isaksson arriva fino a “Burial Ground” poi getta il basso pure lui. Da “Endless Procession Of Souls” in poi Lindgren si circonda di stipendiati che mettano in pratica il suo spartito, e così facendo per ora ha pubblicato due album ma, come detto, la band manca perlomeno in studio già da un decennio. Nel 2024 arriva l’annuncio del primo show della ricompostasi formazione originale, seguirà anche un futuro nuovo album di ennesimo ritorno alle origini? A i posteri l’ardua sentenza.

Discografia Relativa

1991 – Into The Grave
1992 – You’ll Never See
1994 – Soulless
1996 – Hating Life
2002 – Back From The Grave

Link e Social

L'articolo Out of the Grave: i Grave 1994 – 1996 proviene da The Elder's Orient.

Entombed Unchained: 1993 – 1997

Marco Tripodi — Tue, 10 Oct 2023 14:49:00 +0000

A metà anni ’90 gli Entombed, padri del death svedese, idoli di platee di fedeli cuori borchiati, hanno perso la testa ed hanno cominciato a pubblicare album sempre più lontani dall’ortodossia e sempre più incomprensibili. E’ andata esattamente così o la lettura può essere diversa? Ancorché incompresi e rifiutati con sdegno, quei lavori sono stati l’espressione sincera, autentica e genuina di una band che stava cercando una nuova strada, stava esplorando e sperimentando, e che quasi a forza è stata poi ricacciata sulla via vecchia perché quella nuova non poteva e non doveva essere. Non era tutto giusto e meraviglioso, in musica per fortuna esistono le sfumature, tuttavia sembra alquanto plausibile che la sensazione di libertà respirata a cavallo di quella decade sia stata strozzata in gola agli svedesi, avviatisi poi disciplinatamente su un binario che non avrebbe previsto più deviazioni.

Contenuti:

1. To ride… (1990 – 1992)
2. …Shoot straight… (1993)
3. …And speak the truth! (1994)
4. But life goes on (‘997)
5. Lights out

1 – To ride…

Troverete online e su carta stampata dotte e approfondite biografie sugli Entombed, la loro nascita, la loro formazione musicale, il loro ruolo all’interno della scena death svedese dapprima, e mondiale poi, la loro discografia non priva di capolavori, scossoni, cambi di direzione e purtroppo anche seppellimenti di propri membri storici (il pensiero va al buon Lars-Göran Petrov, che riposi in pace), esito beffardamente coerente per una band di “intombati”. Il punto qui semmai è un altro, preciso e focalizzato, gli Entombed di “DCLXVI: To Ride, Shoot Straight And Speak The Truth!”, anno di grazia 1997, quello nel quale escono album “sbandati” come “Jugulator” dei Judas Priest, “Carnival Of Souls” dei Kiss, “Kill Fuck Die” degli Wasp, “Hear In The Now Frontier” dei Queensrÿche, “Generation Swine” dei Mötley Crüe, “Shadowlife” dei Dokken, “Cryptic Writings” dei Megadeth, “ReLoad” dei Metallica. Ma anche quello nel quale determinate band riaffermano con determinazione ortodossia e tradizione a colpi di “Unleash The Beast” (Saxon), “Absolutely No Alternative” (Anvil), “Back From The Dead” (Obituary), “The Wake of Magellan” (Savatage), “Glory To The Brave” (Hammerfall), “Death Metal” (Dismember), “Somewhere Out In Space” (Gamma Ray), mentre tutto intorno realtà come Body Count, Clawfinger, Sevendust, Deftones, Coal Chamber, Hatebreed, Creed, Godsmack, Rollins Band, Limp Bizkit e Rammstein contribuivano con i loro album a creare un panorama completamente diverso, cangiante e mutevole.

Oltre ad aver creato un meraviglioso album death metal come “Left Hand Path”, averlo bissato con un secondo lavoro assolutamente all’altezza come “Clandestine” (per alcuni addirittura superiore all’esordio, sicuramente ancora più ricco e maturo sebbene io continui a preferirgli “il sentiero della mano sinistra”), gli Entombed si portavano dietro anche il carico da novanta di aver originato un vero e proprio filone musicale, quello del suono “buzz saw” delle chitarre, una scelta produttiva che vede protagonista Tomas Skogsberg in consolle e che ha finito con il marchiare ed identificare indelebilmente la band di Stoccolma e in larga parte il cosiddetto death svedese. Essere i detentori di un canone è un gran merito, una responsabilità e persino un onere, perché se per qualche motivo non sei nato con l’indole di Angus Young o dei (finti) fratelli Ramone e ad un certo punto decidi di guardarti intorno per esplorare nuove strade, il mondo ti si potrebbe ritorcere contro. Le prime avvisaglie arrivano con “Wolverine Blues” (1993) un disco che sta al death come il Black Album dei frisconi sta al thrash, ed è innegabile che l’eco della scelta dei Metallica, del loro azzardo, del loro pionierismo, si siano riverberati più o meno consapevolmente sugli Entombed così come su decine e decine di altre band che in quel fazzoletto di anni decidono di prendersi lo stesso rischio, alcuni assecondando un sentimento di vero e genuino anelito di cambiamento, altri odorando una nuova possibile via per mantenere stabile e possibilmente persino ingrossare il proprio conto corrente.

II – …Shoot straight…

Io sono tra quelli che corse ad acquistare il vinile di “Wolverine Blues” al momento della sua uscita, con le orecchie ancora impastate da quel monito sinistro che scivolava lungo “Sinners Bleed” e generava autentica inquietudine (“death…the final frontier“). Ricevetti una bella sberla non appena la puntina iniziò a mangiarsi i solchi. Erano loro, le chitarre erano sempre quelle, era tornata pure la voce di Petrov (su “Clandestine” cantava Nicke Andersson perché Petrov era in pausa “coatta”). Gli Entombed però non c’erano o meglio, risultavano alquanto trasfigurati. Si poteva ancora parlare di death metal? No, anche se lì per lì, contestualizzata nel flusso del tempo, la percezione non era così chiara. “Wolverine” era semplicemente un altro passo nell’evoluzione degli Entombed, come accade a qualsiasi band; la portata di quanto quel cambiamento fosse epocale non poteva essere compresa a pieno sul momento, sebbene la percezione ci fosse. Più avanzava il minutaggio più quegli afflati rock ‘n’ roll, gli assoli con lo wah wah, la voglia di svaccare, risultavano evidenti spie di un cambio di pelle. Agli Entombed il coraggio non è mai mancato, perché la consapevolezza che un album del genere avrebbe spaccato a metà l’audience c’era sicuramente, la devono aver respirata ogni singolo giorno in studio di registrazione, ciò nonostante non sono arretrati, non si sono fatti intimorire.

E’ vero, le basi death nel songwriting ancora permangono, siamo ad appena due anni di distanza da “Clandestine”, anche se musicalmente due anni nei ’90 equivalgono ad almeno venti in un’altra decade, un po’ come la differenza tra chi attraversa un buco nero o compie un viaggio nello spazio alla velocità della luce e chi invece nello stesso lasso di tempo rimane ad aspettare sulla Terra. Tuttavia tra indole hardcore punk, un tuffo con rincorsa nell’hard rock ed una certa suggestione per le sonorità groove e crossover che stavano emergendo soprattutto grazie a Pantera e Corrosion Of Conformity, gli svedesi confezionano la rivoluzione in 35 minuti. La Earache ci mette del proprio, stringendo un accordo con la Marvel senza informare la band e pubblicando una versione alternativa dell’album con Wolferine in copertina, un fumetto all’interno ed espungendo incomprensibilmente dalla track-list “Out Of Hand”. Pure nel videoclip promozionale della title-track c’è Wolverine. Pare che gli Entombed non fossero contenti dell’artwork in combutta con la Marvel, tuttavia dopo aver intitolato il disco così stupirsi dell’associazione col lupo in calzamaglia appare persino ingenuo. Marvel o non Marvel era ovvio che chiunque avrebbe fatto due più due e quell’ombra avrebbe inevitabilmente ammantato di sé il disco. Quali erano le intenzioni della Earache? Rendere “Wolverine Blues” più appetibile per il mainstream? Quali erano le intenzioni degli Entombed? Anche da parte loro c’era l’obiettivo di scalare il mainstream? Difficile dirlo, l’album nasce senz’altro da una sincera esigenza di sperimentare quelle sonorità, di esplorare; basta ascoltarlo e quella verità, quell’urgenza, sono autentiche e palpabili. D’altra parte si può nutrire pure un ragionevole dubbio che oltre a questo bisogno gli Entombed volessero allargare la base del proprio pubblico, desiderio legittimo e fisiologico; è più che comprensibile che un qualsiasi artista aspiri a raggiungere il più alto numero di persone possibili.

III – …And Speak the Truth!

“Wolverine Blues” almeno in parte ottiene lo scopo che (forse) la band si era prefissa, è un album di cui tutti parlano, molti lo comprano e molti lo apprezzano, nonostante sia divisivo e per qualcuno risulti indigeribile a prescindere. Personalmente ho sempre avuto un rapporto di amore/odio con quelle dieci fatidiche tracce. Per quanto mi riguarda, la differenza sostanziale tra un “Wolverine Blues” e il Black Album dei Metallica (l’alfa e l’omega di tutte le fregole di cambiamento) è che il primo ha comunque smantellato una band che adoravo e ha contribuito d’autorità alla scorticatura di un intero genere (che pure amavo), tuttavia non posso non dire che non sia un disco molto buono. Tre negazioni che tradiscono la complessità di emozioni e sensazioni verso “Wolverine Blues”, tre negazioni che alla fine riescono miracolosamente a generare un segno “+”. In aggiunta a ciò, gli svedesi hanno ulteriormente pubblicato altri album che, sebbene “diversi”, “scapestrati”, cocciutamente lontani dalle origini, si sono distinti per personalità e diverse buone intuizioni, non sempre, non tutti, ma un po’ si. E per quanto il cuore mi sanguini ogni volta che riprendo in mano il vinile di “Wolverine”, di tanto in tanto ho voglia di riascoltarlo, cosa che non accade affatto con l’altro compare nero, men che mai con i suoi (persino imbarazzanti) successori.

Giustamente gli Entombed del mio stato d’animo se ne sono fregati e, fatti passare tre anni e messa assieme nuova ispirazione e nuove canzoni, tornano con un lavoro altrettanto provocatorio e sfacciato, “DCLXVI: To Ride, Shoot Straight And Speak The Truth!”. Un titolo che è un guanto di sfida, un manifesto d’intenti con tanto di punto esclamativo. Un anno prima i Morgoth avevano pubblicato “Feel Sorry For The Fanatic” nel quale si intravede suppergiù la stessa attitudine, al netto di un sound non necessariamente sovrapponibile tra le due band. “You won’t believe your ears – but you’ll never forget what you hear!” recita la frase stampigliata in copertina, un artwork molto cinematografico con uno scheletro mascotte accovacciato in bella mostra, è quello di Mictlantecuhtli, dio azteco dei morti e re di Mictlan, la parte più profonda degli inferi. Quell’asserzione è un attacco senza quartiere alle convinzioni e alle speranze dei fans di “Left Hand Path” e “Clandestine”. Pareva la pubblicità dei televisori Telefunken (i più vecchietti se la ricorderanno): “potevamo stupirvi con effetti speciali e colori ultravivaci, ma noi siamo scienza, non fantascienza“. Gli Entombed nel 1997 si mostrano per quello che sono in quel momento, una band proveniente dal metal estremo, che lo ha ancora nelle vene e nel dna, ma che si è spinta altrove, parecchio spinta, parecchio altrove. Se “Wolverine Blues” ancora manteneva tracce e scorie death, “To Ride” le ha completamente riassorbite e diluite in un nuovo sound che guarda prevalentemente a stoner e hardcore ma con un timbro di chitarre talmente sporco da rischiare di essere smaltibile unicamente in un inceneritore, data l’alta concentrazione di tossine ed agenti inquinanti. Il livello di acidità delle chitarre di Hellid e Cederlund è urticante, dai solchi gronda rancido liquame giallo, Petrov si sgola fino a disintegrare le proprie corde vocali e la sezione ritmica di Sandström e Andersson sembra uscita fuori da quei vicoli malfamati dei ghetti dove percussori metropolitani prendono ossessivamente a mazzate dei bidoni vuoti.

Siamo già un passo oltre il death ‘n’ roll, siamo in un territorio vergine, inesplorato e che farà incazzare molte persone. Se qualcuno ancora considerava “Wolverine Blues” un mezzo passo falso dal quale si poteva retrocedere, “To Ride” è la certificazione che i ponti sono stati bruciati e che il punto di non ritorno è stato oltrepassato. Fatto il salto, gli Entombed hanno smesso di avere paura e di cercare di rimanere col piede in due staffe. “To Ride” è il caos, anarchico, hardcore punk, vada come vada, facciamo casino e che le vedove piangano. Gli Entombed gridano il loro “…e ora qualcosa di completamente diverso!“. Un album massimamente libero, decisamente poco preoccupato dal dover mantenere salde e visibili le radici di provenienza. Se proprio bisognava svaccare tanto valeva farlo alla grande, questo sembra il pensiero degli Entombed all’altezza del 1997.

IV – But life goes on

Asserragliati nel loro garage, con parecchie pernacchie ricevute per gli ultimi due dischi, gli svedesi perdono Andersson (che vola verso gli Hellacopters), il suo posto viene assegnato a Peter Stjärnvind. Non ci stanno a leccarsi le ferite e recitare la parte delle vittime, la miglior difesa è l’attacco e stavolta in appena un anno la band confeziona il successore di “To Ride”. Miracolosamente Music For Nations continua a dar loro credito e oplà, il 16 novembre 1998 esce “Same Difference”. Sin dall’artwork l’impatto non è felicissimo, il concept ricorda parecchio il terzo omonimo album degli Alice In Chains, uscito per altro nel ’95, quindi è assolutamente possibile che l’ispirazione derivi da lì. Molti organi di stampa ci mettono poco a fare l’associazione e a liquidare sbrigativamente il disco come “il passo nel grunge” degli Entombed. Per la verità l’argomento non è neanche del tutto campato per aria, perché volendo dei rimandi per esempio agli Helmet ci sono pure, vedi “High Waters” (ma anche agli stessi Alice In Chains). E del resto, per paradosso, è assai più probabile che un fan dei Sonic Youth potesse gradire “Same Difference” anziché uno dei Dismember o degli Unleashed, per dire. Il quinto capitolo discografico degli Entombed è irricevibile per chi li ha scoperti ed amati con “Left Hand Path” e poi “Clandestine”, ed è incredibile che Cederlund (il principale compositore) e soci ritenessero che “Same Difference” sarebbe potuto passare indenne attraverso le forche caudine di un pubblico e di una critica che aspettava la band al varco con i fucili spianati e le cassettate di uova e pomodori marci comprati per l’occasione. I 43 minuti di una scaletta declinata in ben 13 tracce sono completamente fuori portata per un deathster, gli Entombed si dimostrano totalmente scollati dalla realtà, calati in tutt’altra ottica e non sembrano minimamente porsi il problema come tale, ovvero: un problema. Lo avevano a Houston ma non a Stoccolma. Non esiste più un idem sentire tra la band e la propria fan-base, sono due entità distinte ed inconciliabili, e tutto ciò è avvenuto nel giro di pochissimi anni. Molti faticano ad assegnare quella musica agli stessi Entombed, un po’ come accaduto ai Destruction di “The Least Successful Human Cannonball” o ai Celtic Frost di “Cold Lake”.

“Same Difference” è l’opposto di ciò che gli Entombed avrebbero dovuto fare, un suicidio artistico prima ancora che commerciale e questo li rende meravigliosi. Non l’album ma la band, adorabili nel loro totale disinteresse per le conseguenze di una simile scelta, quella di fare esattamente ciò che sentivano di dover e voler fare, dar corso alla propria volontà senza la minima zavorra ad ancorarla al suolo della real politik. Se invece parliamo strettamente di “Same Difference”, il discorso si fa complesso. Se vi aspettate un disastro totalmente fallimentare, si rivelerà decisamente meno peggio di come vi è stato descritto; di contro, se pensate che sia un piccolo gioiello da riscoprire che ha sempre e solo goduto di pessima pubblicità…. beh, non lo è, ha diverse pecche, alti e bassi piuttosto marchiani, un orientamento incerto sulla direzione da prendere (cosa che non si avvertiva affatto su “Wolferine” e “To Ride”), ma ospita anche una manciata di buone idee in “Addiction King”, “Kick In The Head”, “High Waters”, “Jack Worm” e la title-track. “Same Difference” è come l’uovo sulla pizza bismarck, un ingrediente avulso da tutto il resto, piazzato nel bel mezzo di una pizza che non c’entra assolutamente niente con quell’uovo. Allo stesso modo “Same Difference” non c’entra granché con la discografia (prima e dopo) della band e non c’entra assolutamente niente col death e con la Svezia; ciononostante l’anima degli Entombed lì dentro aleggia, si respira, pulsa. C’è il dito medio alzato al mondo, c’è la voglia di sperimentare, ci sono le loro chitarre garage, c’è Petrov che urla in continuazione, incessantemente. In un mondo “what if” se ad esempio l’album avesse avuto un altro cantante, più accorto a modulare la propria interpretazione e a calarsi dentro l’atmosfera delle canzoni invece che sventrarle sempre e comunque, “Same Difference” sarebbe risultato decisamente più tridimensionale, pur con tutte le sue pecche ed incertezze strutturali. Mi vengono in mente i Prong, autori di splendidi album ed altrettanto splendide canzoni, ma non di rado fiaccati dall’ostinato e persistente cantato monotono di Tommy Victor, che non canta, urla incazzato 24h come fosse alla testa di un corteo di ultras. Alla lunga stanca e soprattutto appiattisce suo malgrado un tappeto sonoro ricco invece di sfumature e contrasti, che lui stesso come songwriter ha brillantemente contribuito a creare.

V – Lights Out

Col senno di poi Petrov si rimangerà l’anelito di libertà espresso su “Same Difference”, inquadrandolo come il passo falso della band, il disco più debole degli Entombed. Il ritorno all’ovile sarà palese con “Uprising” (2000), rassicurante sin dall’artwork scarno ed essenziale, stavolta mutuato dai Danzig. Una decade dopo “Left Hand Path” non si poteva certo recuperare quelle sonorità talis qualis, ma perlomeno il passo di riavvicinamento a “Wolverine Blues” è significativo, il death riaffiora sullo sfondo e una fetta di audience può tornare a far pace con gli Entombed. Per la verità da quel momento in poi non saranno tutte rose e fiori, le scalette dei dischi che verranno non saranno esenti da cali di tensione, passaggi a vuoto e scarsa ispirazione, ma porteranno sempre in dote la cenere sulle teste penitenti della band, intenzionata a mantenersi nel solco dell’ortodossia senza (più) giravolte. Non dico che “Same Difference” fosse necessariamente migliore degli album venuti dopo, anzi ritengo che certamente non sia così, ma buttare via il bambino con l’acqua sporca sarebbe un errore. C’è del buono in quel disco e soprattutto c’è qualcosa che poi è andato progressivamente affievolendosi nella produzione degli Entombed – con e senza A.D. – una sincera e genuina voglia di rischiare. Ovviamente è anche una questione di gusti ma l’encefalogramma dava qualche sussulto in più nel ’98 rispetto ai 2000. Album dopo album il mestiere ha preso il sopravvento e se “Uprising” o “Morning Star” erano ancora mediamente molto pregevoli, col progredire della discografia il songwriting ha finito con l’avvitarsi sempre più se stesso. Se invece che con gli ultimi tre lustri il paragone si pone con “To Ride” beh, allora è tutto un altro paio di maniche, per il sottoscritto non c’è partita. Posto che i primi due album sono “la storia” della band e del death metal, nonché due capolavori, “To Ride” è il disco degli Entombed post 1991 che ho più ascoltato e posso affermare senza tema di smentita che gli assegnerei il bronzo in un ipotetico podio entombediano. “To Ride” si è rivelato più longevo di “Wolverine Blues”, forse proprio perché più spoglio e diretto. Riff, batteria e ammuina, non c’è complessità, solo l’urgenza di arrivarti dritto in faccia e spaccare tutto in nome della catarsi. E “Wreckage” è il manifesto perfetto di un tale stato d’animo punk. I Venom jammano con i MC5, i Blue Cheer prendono a cazzotti i Black Sabbath in quei solchi, ed il risultato è un album attaccabrighe e selvaggio, anche se lo è in modo diverso rispetto ai primi passi degli svedesi. Coraggio, incoscienza e verità, ecco cosa significava quella frase sibillina stampata in copertina: “You won’t believe your ears – but you’ll never forget what you hear!“. Io cari Entombed non me lo sono affatto dimenticato, semmai ve lo siete scordato voi!

Discografia Relativa

1993 – Wolverine Blues
1997 – To Ride, Shoot Straight, And Speak The Truth!
1998 – Same Difference

Link e Social

L'articolo Entombed Unchained: 1993 – 1997 proviene da The Elder's Orient.

Disharmonic Orchestra – Il dogma dell’imprevedibilità

Marco Tripodi — Wed, 04 May 2022 15:06:26 +0000

Ogni anno a Capodanno nella sala dorata del Musikverein di Vienna si tiene il tradizionale concerto della Filarmonica cittadina, uno degli avvenimenti musicali più seguiti al mondo, trasmesso dai canali televisivi di 90 paesi e con un pubblico stimato in almeno un miliardo di spettatori. Il programma si basa prevalentemente sulle musiche della famiglia Strauss (Johann padre, Johann, Josef e Eduard figli), la conclusione è affidata a tre brani “fuori programma”, due dei quali fissi: il primo è una polka veloce, il secondo è “Sul Bel Danubio Blu”, il terzo è la “Marcia di Radetzky”. Ecco, provate a immaginare se per una volta l’Orchestra Filarmonica di Vienna venisse sostituita dall’Orchestra Disharmonica di Klagenfurt….

Contenuti:

1. L’Orchestrina di paese (1987 – 1989)
2. Misure di profilassi (1990 – 1992)
3. La seduzione della mente (1993 – 1999)
4. Avanti tutta (2000 – 2016)
5. Innamorati

1 – l’orchestrina di paese

Ad oggi, quante band austriache vi vengono in mente che hanno lasciato un segno indelebile nel firmamento borchiato? Oggettivamente i nomi non sono molti. Qualcuno magari azzarderà i Vision Of Atlantis, gli Harakiri For The Sky, gli Abigor, i Summoning, i più arditi si spingeranno fino ai Russkaja (che a dispetto del nome sono viennesi), tutte realtà che hanno un proprio seguito ed anche una piccola/grande rilevanza, ma nessuna di queste ha tracciato un solco nella storia del metal piantandoci la bandiera a strisce biancorosse. Per lungo tempo, soprattutto negli anni ’80, l’Austria era una provincia sperduta e desolata dell’impero con la acca e la emme separate da una saetta nel mezzo; oscurata dalla Germania e persino dalla Svizzera, capace di sfornare realtà enormi come i Celtic Frost o i Coroner. Sostanzialmente si può cominciare a parlare di Austria (in termini di feedback e visibilità oltre confine) con i Pungent Stench (Vienna), prima che arrivassero follie sonore e concettuali come Angizia (Vienna) e Belphegor (Salisburgo), poche band ma in grado di pettinare parecchie altre nazioni quanto a intensità ed estremismo. Ora spostiamoci a Klagenfurt, anno 1987, il chitarrista Patrick Klopf ed il batterista Martin Messner (due fans della NWOBHM conosciutisi su di un pullman, entrambi diretti ad un concerto degli Iron Maiden) fondano un’orchestrina, a loro si unisce un altro chitarrista, Harald Bezdek; nasce l’Orchestra Disarmonica. Il primo demotape (“The Unequalled Visual Response Mechanism”) è del febbraio dell’anno dopo, quattro tracce (delle quali una è strumentale) più intro in cui Klopf e Bezdek si spartiscono chitarra, basso e microfono. Nome della band e titolo del demo (“l’impareggiabile meccanismo di risposta visiva”) tradiscono immediatamente un approccio al metal alquanto peculiare, originale e diverso, più “intellettuale”, derivante anche dalla preferenza accordata dai nostri alle suggestioni voivodiane (alle quali si aggiungevano pure ripetuti ascolti di Celtic Frost, NoMeansNo, Possessed, Master, Death, Slaughter, D.R.I.). Atteggiamento speculativo e filosofico che non deve essere scambiato per contegno compassato, poiché spesso una sensibilità ed una intelligenza più spiccate celano un altrettanto pronunciato senso dell’umorismo, ed a scorrere i titoli di questo come del successivo demotape “Requiem For The Forest” (sempre dell’88) risulta evidente come i Disharmonic Orchestra al momento opportuno sapessero non prendersi granché sul serio (“Onset of Serious Problem”, “Fucking Chicken Town”, “Chilli Fart”).

Al netto di queste prime prove su nastro, è un concerto di spalla agli eroi nazionali Pungent Stench (in Germania) a mettere sotto attenzione l’Orchestra da parte della Nuclear Blast, un marchio che diventerà presto il simbolo del successo, di chi ce l’ha fatta (perlomeno ad avere una carriera nel metal in Europa). La prima release ufficiale sotto quelle insegne destinate all’alloro cromato è proprio uno split con gli Stench nel giugno dell’89, 7 tracce dei Disharmonic Orchestra e 5 di Schirenc, Wank e Perkowski, per un totale rispettivamente di 16 minuti contro 15 circa. Si narra che che le canzoni dei Disharmonic Orchestra non sarebbero state stampate su vinile con un adeguato processo di missaggio, ma tant’è… il nome circola e lo split serve a gridare “Austria über alles!” al resto del continente. La copertina versante “disarmonico” è molto insolita, evidenzia un gusto che la stacca di netto rispetto al panorama della musica estrema del periodo. Surrealismo ed astrattismo sono i leit-motiv del concept grafico, diversamente dai cadaveri, gli sbudellamenti e le varie macellazioni dei compagni d’arme del filone death/grind nel quale i Disharmonic Orchestra vengono collocati. Tempo 3 mesi ed arriva un Ep 7” tutto loro, “Successive Substitution”, 3 pezzi che anticipano quello che sarà il primo full-length ufficiale (figurando tutti e tre nella sua tracklist). Si tratta appena di 10 minuti ma, come si dice, l’acquolina sale in bocca. E finalmente eccolo… all’inaugurazione del nuovo decennio, quello che porta dritto verso il nuovo millennio, i Disharmonic Orchestra si presentano forbici in mano, pronti a tagliare il variopinto nastro di “Expositionsprophylaxe”, aprile 1990. Per dirla alla maniera dei Monty Python: e ora qualcosa di completamente diverso!

L’artwork fa immediatamente capire che il viaggio sarà sorprendente e tutto da decriptare. C’è tensione, minaccia, calma apparente in quell’immagine, che al contempo trasmette anche un senso di quiete e serenità (solitamente quella dopo la tempesta quando tutto di acquieta); una capannone industriale abbandonato e fatiscente, rischiarato dalla luce solare che entra dalle finestre e con un inspiegabile ombrello aperto al proprio interno, il dettaglio di una presenza umana che un tempo lo ha popolato. “Misura di profilassi (prevenzione) attuata dopo un’esposizione a un agente patogeno al fine di prevenire l’insorgenza di una possibile infezione dovuta ad esso“, così recita la definizione esatta di “profilassi post-esposizione” – nota anche con l’acronimo “PEP” – il titolo scelto dal trio per il proprio biglietto di presentazione. Ci stanno proteggendo dal malevolo agente patogeno o essi stessi sono l’agente patogeno che intende aggredirci? Di certo quell’ambiente industriale va ripulito con olio di gomito e grandi macchinari, quale miglior colonna sonora per la bonifica se non i Disharmonic Orchestra?

II – Misure di profilassi

Death metal e grindcore sono la base di partenza, gli ingredienti preponderanti del piatto, ma gli chef di Klagenfurt vanno a pescare ulteriori spezie anche altrove. Gli acquirenti deathster del disco si ritrovano comunque abbastanza agilmente in “Expositionsprophylaxe”, sebbene il vero segno distintivo della band appaia essere da subito una totale, feroce imprevedibilità. Il vestito sonoro calato sulle canzoni suona indubbiamente familiare, metallo estremo ed aggressivo, ma è impossibile ad un primo ascoltato indovinare dove il songwriting andrà a parare. Una sensazione di aleatoria precarietà, come stare in equilibrio su di un’asse poggiata su una palla, il tutto a ridosso di un precipizio. La forza dei Disharmonic Orchestra è esattamente quella, un orizzonte di possibilità di 360 gradi scaraventato in faccia all’ascoltatore con la virulenza del death-grind (e molto altro). C’è della lucida follia nell’operato della band, la sfrontatezza ed il coraggio di chi è consapevole che una proposta così ostica e bizzarra può suscitare più fastidio che interesse. Tutto sommato però la scommessa è vinta dato che, pur rimanendo un nome fondamentalmente underground, i Disharmonic Orchestra si conquistano una palma di riconoscibilità in mezzo a tanti.

L’amalgama strumentale ha una sua divina perfezione, un congegno ad orologeria caotico ed anarchico ad una lettura superficiale ma in realtà rodato fino al millesimo di secondo atomico. Ascoltare i Disharmonic Orchestra è come assistere a delle anguille in sala prove. I drum patterns di Messner risultano fondamentali nel plasmare il carattere della band, ne costituiscono l’anima, l’intelaiatura, lo scheletro; un altro batterista avrebbe reso l’Orchestra qualcosa di totalmente differente (e probabilmente più ordinario). Messner suona a modo suo, quasi incurante dei compagni d’arme, costretti ad inseguirlo; sudano le proverbiali sette camicie per stare al passo, tentano di spalmare riff e accordi sopra le percussioni del cappellaio matto. E’ questa urgenza di sbilenca compresenza a generare lo stravagante ed eccentrico teatro dell’assurdo e del grottesco che è il tipico stile dei Disharmonic Orchestra. C’è la violenza belluina (ci sono esplosioni di blast beats), eppure non di rado è possibile cogliere un marcato sense of humor, l’ironia di fondo di un project che prende assai sul serio ciò che fa ma non pensa di star salvando il mondo con i suoi plettri, le sue bacchette ed i suoi amplificatori. Come spesso accade ai terzetti, in tre i Disharmonic Orchestra abbattono palazzi come una palla demolitrice, sono in grado di sferragliare più di gruppi con formazioni a 4 e a 5 elementi. La produzione esalta la distinguibilità dei singoli strumenti e trova il suo centro di gravità permanente nelle batteria di Messner, allo stesso tempo sembra mancare un po’ di quella spinta che molti album death metal coevi sono stati in grado invece di avere; ma non è affatto una resa dei suoni immonda, a suo modo crea “atmosfera” e fa il gioco della band.

Passano due anni e Klagenfurt rincara la dose, “Not To Be Undimensional Conscious” è un passo avanti e spedito nel delirio, nell’anomalia, nell’alienazione, per certi versi un enorme passo avanti per i Disharmonic Orchestra che mollano gli ormeggi di stretta pertinenza death metal e veleggiano spavaldi in mare aperto (incuranti degli accidenti che il conservatorismo borchiato gli indirizzerà d’ora in poi in misura esponenziale). L’artwork di copertina è quanto di più antitetico si possa immaginare legato all’heavy metal, infilato negli scaffali del pop o della new wave di un negozio di dischi si mimetizzerebbe perfettamente (per non parlare del retro copertina, con la band sommersa di peluches)… come non adorarlo? La band registra l’album a Stoccolma, 35 minuti di sperimentazione illuminata da dare in pasto alla propria audience (e si spera anche un gradino oltre la propria audience). Siamo già tracimati nell’avantgarde metal. Oltreoceano gli Atheist con un anno di anticipo avevano pubblicato “Unquestionable Presence”, in qualche misura “Not To Be…” può essere letto come una sorta di cassa di risonanza europea non necessariamente di quelle specifiche sonorità quanto di quel medesimo atteggiamento, di quella predisposizione, di quella prospettiva ad ampio raggio. Il groove di “Not To Be…” è clamoroso, lo era già nel precedente album, ma qui si eleva a potenza. Naturalmente il groove semanticamente inteso alla maniera della vecchia Europa – ovvero il groviglio, la stratificazione di suoni, livelli e strumenti tutti tesi come una corda di violino sempre sul punto di spezzarsi – non la “volgarizzazione” texana dei Pantera e più in generale del -core americano, che negli anni ’90 ci bombarderà senza la minima clemenza.

III – la seduzione della mente

In mezzo agli spigoli delle loro geometrie impossibili i Disharmonic Orchestra gettano improvvisi ponti melodici, per permetterci di scavallare abissi di logica e sovvertimenti spiroidali dello spaziotempo. L’armamentario tecnico-esecutivo dispiegato da Messner tiene fede al suo cognome, è come scalare il Nanga Parabat. La cosa meravigliosa della band è che quando cambia spartito non si limita a cambiare tempo, cambia proprio scena, ambientazione, panorama. Un gargantuesco circo bizzarro, e tanto più l’ascoltatore rimane stordito e stupefatto tanto più gli austriaci si appuntano medaglie al petto. Quello dei Disharmonic Orchestra è metallo che osa e spariglia senza rete di protezione, un flusso di coscienza di viti e bulloni scagliati da un macchinario sovraccarico ed impazzito. Si ha l’impressione di essere come Charlie Chaplin in Tempi Moderni ma tutto sommato la sensazione finale non è di straniamento bensì di appagamento. “Not To Be Undimensional Conscious” è innovazione pura, messa in atto con un gusto ed un’eleganza sovraumani. Death metal, grind, thrash, hardcore, avant-garde e ora anche progressive. “Perishing Passion” (tra le gemme dell’intera carriera della band) viene introdotta dal lavorio di pulegge e meccanismi, dopodiché è futurismo conclamato. Un guitar working vorticoso, un drumming letteralmente impenetrabile, la percussività del basso e delle linee vocali incredibilmente acide (ma sempre perfettamente intellegibili) sono i punti di forza di una falange armata che strangola l’ascoltatore e gli frantuma le giunture una per una. Nonostante l’approccio (minimamente) più ragionato e razionale della furia berserk di “Expositionsprophylaxe”, e nonostante l’effetto sorpresa si sia fisiologicamente attenuato, non si può certo dire che “Not To Be” sia meno intenso, è semplicemente più fuoco del suo predecessore. Livree funky e jazz imbrattano senza timore il metal dei Disharmonic Orchestra, soprattutto da un punto di vista ritmico. La bellezza “poetica” di un pezzo come “Groove” ad esempio, tanto potente quanto malinconico a tratti, ti si stampa in testa per non abbandonarti mai più dopo un solo ascolto.

Il decennio va avanti e nell’universo metal piovono sconquassi e terremoti, la vecchia guardia viene fiaccata e annichilita, le nuove leve guardano a Seattle e alle catene di montaggio, l’edonismo lascia il campo ad una dolorosa introspezione, al minimalismo intimista, e anche in ambito estremo tante realtà ripensano e riassemblano le proprie fisionomie. C’è chi resiste tetragono (e viene tacciato di dinosaurismo), chi vive o sopravvive e chi prova a cambiar pelle con alterne fortune. Sin dagli esordi i Disharmonic Orchestra non hanno mai rispettato un canone netto e prestabilito, dunque proseguono sulla propria strada, pur risentendo del contesto circostante come qualsiasi altro abitante del pianeta. Il contratto con Nuclear Blast si è chiuso e il nuovo album esce per Steamhammer (label della quale la band avrà poi di che lamentarsi, ritenendosi sfruttata e mal distribuita). “Pleasuredome” arriva nel 1994, segnando un’altra tacca sulla barra della progressione che i Disharmonic Orchestra tengono affissa in salotto. L’appartenenza al death-grind è oramai una nota biografica, il sound sembra tagliar via le sue ali più estreme, l’album si muove su territori progressivi e avantgarde; anche il cantato di Klopf, per quanto rude e scartavetrato, non è minimamente imparentato con il growl (ma in senso assoluto non lo era di fatto mai stato). L’album è perlopiù male accolto e ricevuto, gli integralisti del metal lo rifiutano, le “menti aperte” degli anni ’90 non sanno che farsene, “Pleasuredome” non ha nulla a che fare con le invenzioni dei Cynic, dei Death, dei Pestilence, non è né carne né pesce, è in tutto e per tutto Disharmonic Orchestra, troppo o troppo poco. Il coraggio non manca agli austriaci che immagino fossero ben consapevoli di reazioni di questo tipo, “Pleasuredome” è uno di quegli album che lì per lì non ha nessuna speranza di essere afferrato, ci vorrà la sedimentazione di anni, la contestualizzazione del periodo, la visione col senno di poi per comprendere che anche quella tessera si inseriva perfettamente nell’ordito di insieme, caratterizzando a suo modo gli anni ’90, risultando coerente con il percorso dei Disharmonic Orchestra e rivelandosi – per l’ennesima volta – un lavoro solido e convincente sebbene – per l’ennesima volta – diverso dai precedenti. Sicuramente il più difficile da digerire, sotto molti punti di vista.

IV – avanti tutta

Per tutto il resto degli anni’90 non sentirete più parlare dei Disharmonic Orchestra, formalmente il combo cessa di esistere. Bisogna aspettare 8 anni, ovvero il 2002, ed un nuovo management per salutare un quarto capitolo discografico, “Ahead” (… avanti, sempre e comunque avanti), sorprendentemente di nuovo su Nuclear Blast. I contatti con la label tedesca riprendono a seguito della ristampa di “Expositionsprophylaxe”, da quella alla proposta di occuparsi di nuovo materiale il passo è (fortunatamente) breve. A livello di artwork stavolta l’Orchestra punta maggiormente sull’ironia, differentemente da “Plasuredome”, che era più in linea con le copertine di “Expositionsprophylaxe” e “Not To Be…”. Del resto il titolo, oltre al suo significato letterale, gioca anche con le teste dei musicisti ben visibili in copertina (a-head). Se prima la durata media della tracklist si assestava sui 36 minuti, ora si rasenta quasi sempre la cinquantina; i Disharmonic Orchestra sono diventati più logorroici? Un po’ si, è vero, viene forse a mancare il dono della sintesi. “Ahead” a suo modo prosegue dove “Pleasuredome” si era interrotto ma è infinitamente più scorbutico e allucinato. La prima metà di scaletta può forse trarre in inganno, a parte due introduzioni strumentali (per un totale di circa 4 minuti) e “Grit Your Teeth” e “Keep Falling Down” che hanno addirittura un ritornello (non è un unicum, era già accaduto, ad esempio con “Where Can I Park My Horse”, ma certo è merce rara con i Disharmonic Orchestra), il minutaggio pare scorrere relativamente tranquillo. Il secondo tempo dell’album fa esplodere una vena di sconclusionatezza pazzoide e provocatoria che ribalta in toto le previsioni. La strumentale “Dual Peepholes” si intinge di elettronica (elemento che in questo album i Disharmonic Orchestra sfruttano di più), “If This Is It, It Isn’t It, Is It?” (con il titolo più lungo del pezzo, appena 45 secondi) pare uscita dalle session infoiate di Napalm Death o Nuclear Assault, “Idiosyncrated” gioca con continui blackout nei quali i Disharmonic Orchestra si divertono a mascherarsi da languido gruppo indie rock, ma soprattutto anche i più attenti avranno faticato non poco a riconoscervi i tratti di “Idiosyncrasy” (originariamente contenuta in “Not To Be”), di cui è una sorta di rilettura/sconquasso. “Pain of Existence” è una scudisciata violenta che ricorda gli esordi e “Mindshaver”, oltre ad essere un pezzo dal tiro pazzesco, a metà si inventa l’impossibile, perfettamente in linea con lo spirito goliardico e “situazionista” della band. “Pleasuredome” e “Ahead” sono due lavori che il pubblico non gradisce e non accetta, sono il canto del predicatore nel deserto che si è spinto talmente in là da non trovare più nessuno alle proprie spalle quando si volta indietro. Non che i Disharmonic Orchestra avessero mai avuto folle oceaniche ad acclamarli, ma certo ora diventa tutto più difficile.

E infatti dopo il 2002 Nuclear Blast aveva un’opzione per un altro album con la band ma non se ne avvale. Come mi è capitato di leggere, con un album come “Ahead” (e prima ancora con un album come “Pleasuredome”) i Disharmonic Orchestra avevano solo da perdere, niente da guadagnare. Non meriterebbero solo per questo? L’intera loro carriera è stata una sfida, un campo minato, una specie di scommessa persa in partenza, se lo avessero fatto per gli altri avrebbero fallito, l’unica spiegazione è che innanzitutto i Disharmonic Orchestra abbiano fatto musica per i Disharmonic Orchestra. Ogni release va inquadrata dunque come una conquista, una vittoria. Sebbene trascorra un tempo inenarrabile da “Ahead”, il 2016 saluta il compiersi di un nuovo miracolo, ancora un album con quel marchio stampato sopra. Qualcuno si è commosso in quei giorni, io ad esempio. Inizialmente solo per l’avverarsi dell’evento in sé, poi anche per ciò che le casse dello stereo mi hanno regalato, “Fear Of Angst” (letteralmente “la paura della paura”) è un lavoro magnifico, insperato, fermamente “disarmonico”. Grazie al crowdfunding il trio si autoproduce l’album (in appena 500 copie fisiche e qualche vinile colorato). Per la prima volta c’è un cambiamento in formazione, Herwig Zamernik ha lasciato, ora il basso è di pertinenza di Hoimar Wotawa; non è una variazione da sottovalutare, vuoi perché non era mai accaduto in 30 anni di esistenza, vuoi perché in un trio l’avvicendamento anche di un solo membro ha un peso ancora più marcato, infine vuoi perché la sezione ritmica in una band come i Disharmonic Orchestra è dirimente. Poteva mettersi male ma, detto nel massimo rispetto di Zamernik, tutto è bene quel che finisce bene, l’Orchestra non perde mordente, potenza, fascino.

V – innamorati

Dopo decadi di onorato servizio e milioni di band nate nel frattempo, non può non stupire quanto i Disharmonic Orchestra anche vecchiarelli (con figli e famiglie a carico, e con dei “veri” lavori a sottrarre tempo alla musica) si trovino ancora al fronte, in posizione di avanguardia, ingegnosi, creativi, visionari, davanti a parecchi. Dentro “Fear Of Angst” c’è tutta la loro essenza, aggiornata all’oggi, strappata dal futuro e consegnataci nel presente, perché ne possiamo godere e rallegrarci dello stato dell’arte di un ensemble veramente irriducibile. “Innamorato” (citazione ovviamente de Il Barbiere Di Siviglia), “Proton Radius”, “The Venus Between Us”, “Rascal In Me” sono autentiche gemme che evidenziano una forma smagliante; label intelligenti e lungimiranti dovrebbero sgomitare per mettere sotto contratto una band così viva ed attuale ma, come potete immaginare da soli, dal 2016 Klagenfurt è tornata sotto silenzio. In verità nel 2017 la band pubblica un Ep live (e nel 2021 partecipa ad uno split con una versione dal vivo di “The Love I Hate”) ma nessun nuovo album di inediti (sin qui). Non mi sorprenderei più di tanto se nomi come Primus, Tool o Meshuggah dicessero di aver fatto tesoro della musica dei Disharmonic Orchestra per cementare una propria personalità e spingersi sempre oltre. Sarà sempre troppo poco il tributo e l’omaggio pagato a questo trio di scapestrati creatori di tessuto sonoro unico ed inconfondibile anche a distanza di decenni. Tra Nuclear Blast e Metal Mind Productions il grosso del catalogo dei Disharmonic Orchestra è stato per fortuna ristampato, “Fear Of Angst” è tutt’ora reperibile direttamente presso la band; rimane “Pleasuredome”, il calimero giallo della loro produzione, ristampato nel 2017 da Dmusick unicamente su vinile (giallo opaco) in tiratura limitata. Perlomeno intanto pagategli qualche euro se non lo avevate già fatto prima.

Discografia Relativa

1989 – Pungent Stench / Disharmonic Orchestra (split)
1990 – Expositionsprophylaxe
1992 – Not to Be Undimensional Conscious
1994 – Pleasuredome
2002 – Ahead
2016 – Fear Of Angst

Link e Social

L'articolo Disharmonic Orchestra – Il dogma dell’imprevedibilità proviene da The Elder's Orient.

I Carcass tra il 1996 ed il 2013

Marco Tripodi — Sun, 20 Feb 2022 18:02:20 +0000

Tra la fine dei Carcass e il ritorno dei Carcass, quattro chirurghi di chiara fama hanno avviato carriere parallele scoprendosi freakettoni con i camici a zampa d’elefante!

Contenuti:

1. Tra mucopurulenze intestinali verrucose e fiumane di altri liquami corporali si andava poco a poco diffondendo del patchouli. C’era di che sospettare…
2. Una stella nera in un cielo azzurro
3. Pierino Amott una ne pensa e cento ne fa
4. Il distillato di seventies rock puro al 99,99% di Steer
5. Country n’ roll!

1 – Tra mucopurulenze intestinali verrucose e fiumane di altri liquami corporali si andava poco a poco diffondendo del patchouli. C’era di che sospettare…

Una delle cose più divertenti dell’ascoltare musica metal è stato assistere al post Carcass, alla diaspora dei musicisti della band più corrotta, marcia e incrostata dell’intera scena, dopo essersi liquefatta come i tanti cadaveri divorati dai vermi descritti nei testi dei dissezionatori di carogne di Liverpool. Dal 1987 al 1996 la Carcassa ha esplorato tutti i manuali di patologia clinica esistenti nelle biblioteche ospedaliere del globo, ha descritto ogni possibile processo flogistico, dermatologico, ematico, neurologico, allergologico, ginecologico, otorino-laringoiatrico esistente in natura, sviscerandolo in ogni senso, letteralmente. Le loro trattazioni hanno rasentato la laurea honoris causa e i loro album quella in Metallo Estremo l’hanno guadagnata con un 110 e lode assegnato dal popolo borchiato, con tanto di applauso accademico, standing ovation e stretta di mano.

Che le cose potessero maturare in una direzione diversa lo si era già capito strada facendo (…il patchouli). Passi “Necroticism” (1991), che pur traghettando la band dal grind al death e con un tasso tecnico decisamente in crescita, era pur sempre una mazzata colossale; passi “Heartwork” (1993), che aggiungeva ulteriore personalità alla proposta del combo e ammantava il sound di una cupezza, di una disperazione e di un cinismo pari solo allo spirito gigeriano riportato in copertina. Ma “Swansong” (1996) non è passato, è stato un semaforo rosso sbattuto in faccia ai die hard fans con le borchie e i bisturi fin dentro le mutande. Un album decisamente “contro”, contro la casa discografica (la Columbia, per la quale i Carcass avevano firmato subito dopo “Heartwork”) che non lo voleva, perlomeno non con le vocals sempre abrasive di Walker (e il diniego a tale richiesta costrinse la band a far uscire il disco per Earache), contro la critica che lo accolse a pallettoni, contro il metal, il cui codice comportamentale al capitolo 127 comma 2 barra bis recita testuale: “se indurisci sei figo, se alleggerisci sei un poser, vuoi fare i soldi, scalare le classifiche, avere le fighe col perizoma nella Jacuzzi e i macchinoni in garage. Muori!“. In pratica un disco contro il muro. E infatti è stato l’epitaffio dei Carcass. Glorioso? Secondo alcuni si (io sono alcuni). Il canto del cigno? Beh, oddio, Walker un cigno… si fa fatica eh.

II – Una stella nera in un cielo azzurro

Tempo di pubblicare una raccolta di chicche ed amenità varie con Kennedy scoperchiato in primo piano (“Wake Up And Smell The…Carcass”) che i nostri sciolgono la tribù e scalpitano per intavolare ognuno i rispettivi progetti alternativi. Ah, sospirata libertà…essere i Carcass era speciale ma tante cose non le potevi fare e invece adesso si dischiudeva un universo di infinite possibilità. La salma in putrefazione intraprende tre strade diverse. Walker, Owen e Regadas (un Carcass per il rotto della cuffia, avendo acciuffato la band solo su “Swansong”) sono quelli che proseguono più coerentemente la strada che stava portando la band madre lontano, troppo lontano, rispetto ai rancidi lidi di partenza. Reclutano l’ex Cathedral Mark Griffiths come seconda chitarra e mettono in piedi il progetto Blackstar (dal titolo dell’omonima canzone contenuta in “Swansong”).

Che roba è? Beh, si tratta di una possibile rilettura dei Carcass sfrondati dall’estremismo sonoro e calmierati all’insegna del rock n roll col retrotreno saldamente ancorato nei Seventies. Walker finisce col fare quello che la Columbia gli aveva insistentemente chiesto appena un anno prima, ripulire le corde vocali e provare a cantare “clean”. Sui Carcass non ci poteva stare, ma adesso si, quel monicker non opprimeva più col suo portato badass. Il blues compare prepotentemente nel tessuto ordito dai quattro e ci si concede persino il lusso del sassofono. “Barbed Wire Soul”, per ironia della sorte, sembra proprio il disco che la Columbia aveva chiesto a Walker e compagni, qualcosa di più radiofonico, alleggerito, meno minaccioso e più modaiolo. Pare un dispetto, fatto sta che i Blackstar vogliono essere padroni del proprio destino e si prendono (ora) tutte le responsabilità del caso.

L’album non riesce ad andare oltre lo status di “carino”, è assolutamente gradevole e sfizioso all’ascolto – soprattutto se inquadrato nel contesto del “oddio, prima questi erano i Carcass!” – tuttavia lascia un senso di indefinitezza, di incompiutezza, di incertezza sulla reale consapevolezza di sé da parte della band. Sembra il primo passo verso qualcosa, il primo mattone di una nuova e futura creatura da mettere a fuoco con più precisione e incisività. Quel futuro però non si concretizzerà mai, anche perché nel ’99 Ken Owen viene devastato da un’emorragia cerebrale che lo tiene per 10 mesi in coma e gli toglie per sempre la possibilità di tornare dietro una batteria (crudissima ironia della sorte se si pensa a quante emorragie hanno cantato i Carcass). Agli atti, l’ultima testimonianza dei Blackstar rimane la cover dei Thin Lizzy di “Running Back” apparsa su una compilation di cover di artisti della Peaceville. I Thin Lizzy, non so se mi spiego… per dire dove si stava andando a parare.

III – Pierino Amott una ne pensa e cento ne fa

Michael Amott dai Carcass se ne era già andato nel ’93, all’indomani di “Heartwork”. Un anno dopo, mentre i Carcass non hanno ancora deciso cosa fare da grandi, sta già pubblicando il primo album degli Spiritual Beggars, anticipando di fatto quello che sarà il trend in casa Carcass dopo lo split. Il debutto omonimo è quello che più focalizza quale doveva essere il sentire nella band di Liverpool, passata l’ubriacatura adolescenziale per il gore, lo splatter e la macelleria; roots rock, anni ’70, psichedelia, flower power, persino variazioni jazzy sul tema hard rock. Amott d’improvviso pare uno svedese trapiantato a Woodstock, a tal punto che “Yearly Dying”, che apre la scaletta, pare una sorta di rilettura di “Foxy Lady” di Hendrix. L’album è pur sempre un esordio, distante dalle raffinatezze che poi sbocceranno lungo la discografia della band, ma nonostante tutto detta già le regole, mostra la via, fa intuire quale sarà il cammino. Assai diverso dal death grind dei Carcass.

Il problema di Amott è che è posseduto dal demone del presenzialismo, è un tarantolato della performance, un pubblicatore seriale compulsivo di album, e così, solo considerando i pochi anni che ci separano dal volgere del millennio, arrivano altri tre dischi a firma Spiritual Beggars, tre come Arch Enemy, oltre alle ospitate sui lavori degli Armageddon del fratello Christopher e dei brutalissimi Deranged. 6 anni, 7 dischi, 2 band diverse, ed una qualità che in questo periodo sembra non conoscere battute d’arresto. E’ il magic moment di Amott, quello in cui ogni cosa che fa va bene, ogni riff che tocca sa di grandioso, ogni scelta che compie a livello di band members è azzeccata (Spice e Johan Liva saranno veramente tanta roba nelle rispettive line-up). I guai arrivano con gli anni 2000, quando sia gli Spiritual Beggars che gli Arch Enemy conoscono una inevitabile flessione, dovuta in primis al calo di radicali liberi di Amott, in secundis a scelte scellerate di formazione (la Gossow al posto di Liva, e Spice sostituito dal Grand Magus JB Christofferson).

Lasciamo gli Arch Enemy al proprio destino (costellato di pessime produzioni sempre più plasticose, spuntate e di maniera, culminate con l’approdo della fata turchina Alissa White-Gluz in formazione) e rimaniamo ai Beggars, dei quali il capolavoro viene comunemente individuato in “Ad Astra” (’00), ultimo platter con Spice dietro i microfoni. Personalmente gli preferisco “Another Way To Shine”, vera vetta creativa della band a mio giudizio ma, tralasciando le preferenze soggettive, quello che accade un po’ più oggettivamente alla band è che pure nel loro caso Amott si avvita in una serie di produzioni a nastro (seppur subordinate agli Arch Enemy, ritenuto il progetto primario dal chitarrista) che non sempre corrisponderanno ad una reale ispirazione di fondo. Non che escano delle vere e proprie schifezze a nome Spiritual Beggars (come invece accaduto con gli Arch Enemy) ma, soprattutto dopo il 2000, le release iniziano a differenziarsi poco l’un l’altra, inanellando un po’ pigramente una serie di cliché sempre più omogenei e ripetitivi, e svuotandosi progressivamente di contenuti. La via è quella di uno stoner corposo, denso e grumoso, a tratti davvero massiccio, ma i riff di Amott dicono sempre meno, creano sempre meno atmosfera e la sensazione è quella di uno stoner rock fine a se stesso, quasi “tanto per” tenere un piede negli anni ’70 mentre con l’altro si martella ai limiti del (bubblegum) death metal.

IV – Il distillato di seventies rock puro al 99,99% di Steer

E Bill Steer? Che fa il pennellone in tutto questo? Dopo Napalm Death e Carcass – due molossi di brutalità che pochi possono vantare nel proprio curriculum – il chitarrista di madre scozzese e padre inglese parte per gli antipodi, a cercare il blues con l’armonica e la slide guitar in Australia. Quando fa ritorno ai bastioni di Albione fonda i Firebird, forse l’espressione più genuina di aderenza al verbo anni ’70 tra tutte quelle partorite dagli ex Carcass. Se i Blackstar erano un ibrido tra l’anima carcassiana e un nuovo possibile corso, se gli Spiritual Beggars all’ascolto restituivano quel non so che di posticcio e artefatto che Amott ha sempre avuto, i Firebird di contro trasmettevano un sentore di cristallina sincerità che rendeva il loro sound il più verace fra tutti quelli proposti dagli ex Carcass. Tutti fulminati sulla via dei ’70, ma Steer con i suoi Firebird (assieme ad un altro ex Cathedral, Leo Smee, e a Ludwig Witt, già batterista dei Beggars e poi anche dei Grand Magus) pareva venir fuori proprio da quel decennio; l’omonimo debutto del 2000 (già uscito nel ’99 in Giappone) ricorda a tutti gli effetti una produzione di quegli anni e non una rivisitazione ex post.

Pure Steer comincia ad assommare dischi su dischi, pubblicandone 6 nell’arco di un decennio, e ad oggi non è chiaro se la band sia “disbanded” o semplicemente in pausa criogenica. Analizzando nel complesso il corpus dei Firebird si nota un pregevolissimo blues rock sanguigno ma delicato al contempo, con vibrazioni ancestrali e suggestioni che rimandano direttamente a band come Humble Pie, Cream, Free e Grand Funk Railroad. Personalmente non sono mai rimasto convintissimo della voce di Steer e ho sempre avuto il dubbio che con un altro cantante più robusto ed istrionico il sound ne avrebbe potuto guadagnare ulteriormente, ma fatto sta che la ideale battaglia nell’arena del rock anni ’70 sulla distanza l’ha vinta Steer; i Blackstar hanno gettato la spugna e i Beggars di Amott sono stati travolti come accadrebbe ad un Palmigiano Leggiano di Nanchino contro un DOP prodotto tra Parma e Reggio Emilia.

V – Country n’ roll!

Ma c’è ancora tempo per un’ultima svisata in chiave rock n roll, anzi country n roll. Perso tra i tour dei Brujeria con lo pseudonimo di El Cynico, ospitate su album di deathsters e grinders, e artwork creati per altre band in attività, Walker nel 2006 trova il tempo per un progetto estemporaneo che sa molto di divertissement, i Jeff Walker Und Die Fluffers, con i quali rilegge in chiave estrema brani celebri del repertorio blues e country. Lo sostengono nell’impresa Owen e Steer, ma anche Billy Gould dei Faith No More, Ville Valo degli Him, Nicke Anderson degli Hellacopters, Nick Holmes dei Paradise Lost, Shane Embury dei Napalm Death (già sodale nei Brujeria) e Danny Cavanagh degli Anathema, un bel circo variopinto per un album altrettanto sgangherato (a partire dalla scanzonata copertina fumettosa disegnata da Larry Welz, celebre negli States per la biondona Cherry Poptart). Il disco non è nulla di serio ma neppure vuole essere una carnevalata, Walker apprezza il materiale che rispolvera (fra gli altri Johnny Cash, Hank Williams, Kris Kristofferson, John Denver, Neil Young), lo coverizza con amore e rispetto pur apportando la sua personale firma sopra, fatta di un background inequivocabilmente “estremo”.

Il resto è storia, tranne Amott oramai troppo innamorato dei suoi giocattoli gommosi per abbandonarli, i Carcass si riuniscono a furor di popolo. Owen è fuori gioco per le conseguenze della malattia e si limita a fare da mascotte alla band, mentre Steer e Walker hanno ripreso a girare il mondo accolti come degli eroi ovunque. Pubblicano musica che è un piacere sentire, anche se, per adesso, è poco più che un copia/incolla di quanto già ascoltato a metà anni ’90. Di certo la fregola Seventies sembra aver conosciuto una battuta d’arresto ma è lì nel cassetto, silente e sorniona, pronta ad essere rispolverata qualora le cose dovessero (ri)mettersi male.

Discografia Relativa

1994 – Spiritual Beggars (Spiritual Beggars)
1996 – Another Way To Shine (Spiritual Beggars)
1996 – Swansong (Carcass)
1996 – Black Earth (Arch Enemy)
1997– Barbed Wired Soul (Blackstar)
1998 – Stigmata (Arch Enemy)
1998 – Mantra III (Spiritual Beggars)
1999 – Burning Bridges (Arch Enemy)
2000 – Firebird (Firebird)
2001 – Deluxe (Firebird)
2003 – No. 3 (Firebird)
2006 – Welcome To Carcass Cuntry (Jeff Walker Und Die Flüffers)

Link e Social

L'articolo I Carcass tra il 1996 ed il 2013 proviene da The Elder's Orient.