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I Megadeth secondo me

Marco Tripodi — Wed, 20 Aug 2025 09:56:05 +0000

Prima che vi mettiate a leggere, un avviso ai naviganti: come sempre e in questo caso in particolare, ho scritto una riflessione personale su Dave Mustaine e i suoi Megadeth che non ha alcuna pretesa di dire cose giuste, oggettive o di evangelizzare le masse. Non sono un giornalista, non sono un critico musicale, non sono nessuno, ho solo ascoltato migliaia di volte i dischi dei Megadeth nelle ultime tre decadi e mezzo. Ogni parola è il frutto di un’opinione personale, nulla di più, nulla di meno. Non c’è torto e non c’è ragione, c’è un punto di vista. Prendere o lasciare. In ogni caso: viva i Megadeth!

Contenuti:

1. One thousand times goodbye
2. So far…
3. So good…
4. …So what!
5. Crush ’em

1 – One thousand times goodbye

Dave Mustaine ha annunciato al mondo la fine dei suoi Megadeth, è iniziato il countdown to extinction, ultimo album, ultimo tour, poi l’oblio. Se così sarà… poiché il metal è pieno di ultimi album a cui sono seguiti ultimi tour d’addio e poi altri ultimi album dopo i quali sono arrivati altri tour d’addio, in loop. Qualcuno va avanti ancora oggi nonostante ci abbiano salutato anni fa. Dopo 17 titoli in studio e oltre 4 decadi di carriera sarà una pensione meritata, frutto di una scelta molto saggia e avveduta. Ci sono band che non riescono a capire quando arriva l’ora di deporre le armi e continuano imperterrite, talvolta annaspando anche nel ridicolo involontario. Dave ha messo un punto e a parer mio ha fatto benissimo. C’è molto orgoglio e consapevolezza in una decisione del genere. I Megadeth non suonano liscio revival, ci vuole fisicità a reggere i palchi con il thrash metal, ci vuole ispirazione e creatività e nessuno può averla ininterrottamente per quasi mezzo secolo. Nonostante l’accoglienza alquanto positiva tributata anche ai più recenti album come “Dystopia” (2016) o “The Sick, The Dying … And The Dead!” (2022), vado controcorrente e dico che in tutta franchezza non mi pare che i Megadeth abbiano ancora grandi frecce al proprio arco da spendere. Dipende sempre quale è il termine di paragone, se pensiamo a cosa sono i Metallica oggi – da sempre i diretti competitor dei Megadeth secondo Dave – beh, allora i Megadeth stanno alla grandissima; se pensiamo a quegli album in rapporto alla carriera stessa dei Megadeth, allora credo ci sia un vuoto siderale e incolmabile.

Non ho mai capito quanto “Dystopia” sia stato salutato come un disco fenomenale anche e soprattutto per il fatto di essere venuto dopo “Super Collider”, episodio decisamente rifiutato dalla fan-base. Non trovo negli ultimi capitoli il genio e la sregolatezza dei migliori Megadeth, nella produzione dei 2000 non sono mai riuscito a scovare un solo riff, un chorus o un assolo che potessero rivaleggiare (seriamente) con quanto già espresso a cavallo tra gli ’80 e i ’90, a mio parere la golden age dei Megadeth. Non discuto sui gusti, ognuno ha i suoi, legittimi e sacrosanti, ma su qualcuno degli album più recenti sono state spese parole di elogio tali da risultare financo imbarazzanti se pensiamo a quale sia il mirabolante retroterra dei Megadeth.

II – So far…

Per celebrare Mustaine e il suo addio alle scene ho pensato di dedicare qualche riga in particolare al mio album prediletto della band, “So Far, So Good… So What!”, che poi è anche il primo vinile dei Megadeth mai entrato in casa mia. Spesso è così, la musica che ci introduce all’artista, con la quale lo si conosce, è quella che poi rimane nel cuore, che dà l’imprinting e diventa la cosiddetta “preferita”, a prescindere dalla sua oggettiva collocazione all’interno di una intera discografia. “So Far, So Good… So What!” non è il miglior album dei Megadeth, è quello a cui sono più affezionato. Molti direbbero che l’apice della loro discografia sia “Rust In Peace”, che è sicuramente un grandissimo lavoro, ma è sempre stato troppo perfettino per me, tutta quella bulimia di iper tecnicismo, di note suonate al metronomo e di cambi di tempo, lo ha reso un monumento per i virtuosi dei rispettivi strumenti, ma in qualche maniera ha anche finito con l’anestetizzarne l’ascolto. In “So Far, So Good… So What!”, dentro la sua sconclusionatezza, il suo livore, la sua sporcizia, la sua estemporaneità (venne scritto in appena 6 sei settimane), la sua limacciosità, c’è vita, c’è una pulsione che per quanto ancorata a sentimenti prevalentemente negativi, torbidi e foschi, lo rende incredibilmente palpitante e febbrile.

E’ un disco fuori controllo, a cominciare dalla strana scaletta, così come all’epoca era totalmente fuori controllo Mustaine. Appena 8 tracce, una lunga intro strumentale (“Into The Lungs Of Hell”), che è molto più di una intro ma è una sorta di canzone a sé stante, un’incompiuta che non ce l’ha fatta a diventare canzone a tutto tondo, ma fa la sua porca figura come biglietto da visita per un album che farà morti e feriti. Poi “Set The World Afire”, che si annuncia con un sample della quasi omonima “I Don’t Want To Set The World On Fire” dei The Ink Spots (1941), un contrasto fortissimo, letteralmente incendiario, visto che tra l’altro l’originale è una canzone d’amore. Trattasi della prima composizione che Dave scrisse una volta cacciato dai Metallica (anche se all’epoca si intitolava “Megadeth”), è facile immaginare il livello di filo spinato che la caratterizza. Quindi è già tempo di una cover, non una qualsiasi, forse la canzone più iconoclasta e distruttiva che si possa e si potesse immaginare anche nel 1988, “Anarchy In The UK” dei Sex Pistols, ricollocata per l’occasione negli U.S.A. La sottolineatura della rilevanza del punk per Mustaine è pregnante e qui riveste di un senso completamente nuovo il “vecchio” classico dei Pistols, tanto che la rendering dei Megadeth diventerà un vero e proprio landmark dell’album pur non essendo farina del loro sacco. I Megadeth ci torneranno sopra con la splendida “Problems” nella scaletta della compilation “Hidden Treasures” (1995). Ennesimo cambio di scenario con “Mary Jane”, la cosa più vicina ad una ballad che una band come i Megadeth potessero concepire in quegli anni (per fortuna siamo ancora parecchio lontani dalle lagne dei Metallica). E’ un pezzo la cui composizione risalirebbe addirittura al 1983 e in realtà parla del destino di una povera strega sepolta viva dal padre. Mustaine ha poi raccontato di essere stato addentro a questioni occultistiche all’epoca e che una canzone come “Mary Jane” era il suo modo di flirtare con quella dimensione (che poi lo turberà al punto da allontanarsene e ritenerla pericolosa). “502” è il codice con lui la Polizia della California classifica la guida in stato di ubriachezza, il perché Mustaine ne fosse così esperto non sfuggirà ai più. E’ noto che da ubriaco Mustaine fece un incidente proprio con un’auto della Polizia, a seguito del quale venne arrestato. “In My Darkest Hour” è il ricordo che Mustaine dedica al compianto Cliff Burton, una ferita aperta anche per lui, non sono per gli ex compagni dei Metallica. Quindi “Liar”, che pare sia dedicata a Chris Poland, in forze nei Megadeth per i precedenti album, licenziato da Mustaine per la sua tossicodipendenza ingestibile (esatto, “licenziato da Mustaine per la sua tossicodipendenza ingestibile…”) e accusato di aver venduto la strumentazione per procurarsi la droga. Infine “Hook In Mouth”, sostanzialmente un vaffanculo ai censori e a tutti coloro i quali giocavano con i diritti costituzionali e la libertà di espressione.

III – So good…

“So Far, So Good… So What!” venne rapidamente certificato disco di platino, l’accoglienza fu assai positiva, il che a mio parere non era affatto scontato poiché oltre ad essere un album dalla fortissima personalità, spigolosa, ostica, riottosa, suonava indubbiamente diverso dal pluri acclamato “Peace Sells… But Who’s Buying?” e dunque non era granché prevedibile quanto il cambio repentino di formula e di postura avrebbe portato buoni frutti. Invece il pubblico dei Megadeth sposò l’album senza esitazioni. C’è un senso di verità, di autenticità, di genuinità in quei solchi che conquista, anche se si viene investiti da una sorta di apocalisse nichilista e distruttiva che non lascia speranze. Mustaine si godette poco la festa poiché quelli erano i suoi peggiori anni in termini di dipendenze. Poland e Samuelson erano stati cacciati per lo stesso motivo, come se il leader della band non condividesse il problema delle droghe, ma in quanto leader era lui a mettere gli altri alla porta e non viceversa. Pure Jeff Young e Chuck Behler vennero allontanati apparentemente per la stessa causa. Young ha sempre negato, indicando Mustaine come quello messo peggio riguardo all’eroina, cosa affatto lontana dalla realtà di quei giorni. Per la loro inaffidabilità i Megadeth persero anche la loro posizione nel bill del festival itinerante Monsters of Rock dopo appena uno show. Sicuramente la nave dei Megadeth era una imbarcazione abbastanza allo sbando da questo punto di vista tant’è che, annullate le date australiane del tour, Mustaine fece ritorno alla base e si dette alla disintossicazione.

L’approccio di “So Far, So Good… So What!” è disturbante, è un lavoro amaro, disilluso, negativo, intriso di pessimismo e rancore. Col senno di poi il critico Steve Huey di All Music ha scritto che mancherebbe di una sua omogeneità concettuale rispetto al predecessore, cosa che in qualche maniera è anche vera, si può essere d’accordo. La scaletta è più sfilacciata, episodica, fatta di aggressione e urgenza, ma in fin dei conti non lo vedrei affatto come un difetto, semplicemente come una sua peculiarità. Inoltre sempre secondo Huey l’impatto che “So Far, So Good… So What!” vuole avere è minaccioso, attaccabrighe, ma tutto ciò sarebbe solo il risultato di un’impostazione un po’ forzata e dell’ardore giovanile. Critica sulla quale dissento totalmente, l’album è oggettivamente minaccioso, irrequieto, angosciante più di qualsiasi altro episodio nella discografia dei Megadeth, perché era Mustaine ad essere tormentato, arrabbiato ed angosciato, inevitabile che trasferisse il proprio stato d’animo nella musica. Anche l’artwork va in quella direzione. Nonostante l’ottimo lavoro di Ed Repka su “Peace Sells…”, Mustaine vuole comunque cambiare, ha bisogno di andare altrove visivamente. La composizione che troneggia sulla copertina di “So Far, So Good… So What!” ha un che di pacchiano ma è al contempo inquietante e sinistro. Trasmette disperazione e ineluttabilità, come del resto la musica che arriva dai solchi.

IV – …so what!

Dopo “So Far, So Good… So What!” sarà il turno di “Rust In Peace”, come detto, una sorta di rinascita dell’uomo e della band, un cambio di coordinate sonore, una ripulitura generale, tanto del sound quanto dell’approccio emotivo in casa Megadeth. Da lì in poi partirà un altro film, Dave più che misurarsi da pari a pari con i Metallica, i suoi arci nemici, li inseguirà come un segugio. Loro pubblicano un album ultra tecnico, pieno di riff e cambi di tempo come “And Justice For All…”? E allora Mustaine si inventa “Rust In Peace”. I Metallica ingentiliscono e guardano al mainstream? E allora Mustaine tira fuori “Countdown To Extinction”, e poi “Youthanasia” e “Cryptic Writings”, fino addirittura a “Risk”, l’album che più lo fa odiare dalla sua comunità perché è sostanzialmente un disco di hard rock, senza più metal al suo interno. Io sono tra quelli che non solo sul finire dei ’90 non si è schifato, ma anzi ha persino apprezzato i lavori più light dei Megadeth. Ho sempre riconosciuto a Mustaine un grandissimo senso melodico (come a Jeff Waters) e quando ha avuto il coraggio di tirarlo fuori senza l’ossessione di deludere i fans più integralisti e ortodossi, ha realizzato pregevolissimi album rock, per altro ottimamente prodotti, assai meglio di altri. Ma Fu proprio al producer Dann Huff che Mustaine cercò di addossare tutte le colpe per lo sfiguramento della band quando con “The System Has Failed” cercò di rifarsi una verginità e tornare con la cenere sulla testa in senso alla comunità del thrash metal senza compromessi. Infatti lo stenterello “The World Needs A Hero” Mustaine se lo produsse da solo, pur mostrando ancora una certa confusione ed indecisione sulla strada da prendere (occhio però perché alcuni pezzi in scaletta, soprattutto nella prima parte, sono davvero killer).

La fase della confusione e dello scimmiottamento pedissequo dei Metallica era finita, era tempo di rimettersi l’uniforme di ordinanza. E’ il bello è che (per me) tanto erano interessanti e pieni di idee album come “Cryptic Writings” e “Risk”, tanto non ne aveva “The System Has Failed”, adeguatissimo quanto a vestitino thrash, ma totalmente privo di mordente ed ispirazione. Probabilmente l’album più noioso di tutta la carriera dei Megadeth. Le cose sono poi leggermente migliorate con “United Abominations” ma il punto è che da quel momento in poi Mustaine ha solo avuto l’ansia di ricollocarsi, suonare iper tecnico e quanto più vicino possibile al thrash, in maniera che i Megadeth tornassero ad essere “quelli di prima”. “Endgame” e “Thirt3en” sono dischi impeccabili formalmente, ma che giunto alla fine del minutaggio io trovo sterili e financo noiosi, non aggiungono una virgola ai Megadeth e anzi, semmai ne appiattiscono le quotazioni. “Super Collider” torna a rimescolare le carte, facendo riemergere quella vena melodica e hard rock che tanti aveva fatto incazzare. E infatti puntualmente quei tanti si incazzano di nuovo. Non è un album perfetto, anzi è piuttosto altalenante, ma oltre ad avere una title-track che ti entra in testa al primo ascolto, dal sapore arioso, solare ed accattivante, piazza almeno una manciata di altri pezzi discreti (“Kingmaker”, “Built For War”, “Beginning Of Sorrow”, “Forget To Remember”). Mustaine e i vari comprimari che entrano ed escono dalla band come le porte girevoli di un albergo stanno esaurendo le scorte creative. Il rosso di La Mesa ha sempre meno cartucce da sparare. Il colpo di coda di “Dystopia” impressiona parecchio e, come detto, quell’album ed il suo successore rimettono in piedi la reputazione della band, che nuovamente abbandona ogni velleità di variare un po’ la ricetta, per tuffarsi nel genere che gli è congeniale, anche se io continuo a non vedere chissà quale ispirazione in quelle composizioni.

Vedremo cosa e come sarà il fatidico ultimo capitolo della storia quarantennale di questa band, magari Mustaine si è tenuto le cartucce migliori per ultime, magari vuole chiudere con dignità, sarò il primo ad essere felice se l’ultimo album dovesse essere un buon album. Quel che è certo è che dal vivo Dave non regge più, la sua voce è completamente andata, il tumore alla gola che lo ha colpito anni addietro ha maledettamente fatto il suo lavoro. Non è mai stato un usignolo, anzi il suo incaponirsi a voler stare dietro il microfono ha sicuramente penalizzato i Megadeth in un’ottica macroscopica e mainstream, ma indubbiamente sono sempre stati una sua idea, la sua band, un suo prodotto, casa sua, e dunque anche quella cornacchia sgraziata che declamava i testi è finita col diventare un marchio di fabbrica riconoscibile tra mille. Ora però Mustaine non ha proprio più voce e stare sui palchi portandosi il fardello di 16 album più il prossimo diventa oggettivamente insostenibile, oltre al fatto che nel 2026 Mustaine spegnerà sessantacinque candeline.

V – Crush ‘Em

Mustaine tuttavia può dormire sonni tranquilli e godersi la meritata pensione, è riuscito nel principale obbiettivo che si era prefissato, battere i Metallica sul loro stesso terreno, a cominciare dallo scontro diretto tra il Black Album e “Countdown To Extinction”. A mio giudizio infatti, se stendiamo su un tappeto le discografie delle due band, i Megadeth si aggiudicano la vittoria ai punti. Non solo il numero di buoni album pubblicati in carriera è tutto a vantaggio di Vic Rattlehead; né i Megadeth hanno mai dati alle stampe abomini come “Lulu” o St. Anger” per i quali doversi imbarazzare a distanza di tempo; anche i più modesti album dei Megadeth rimangono tali, modesti ma non nefandi. Né esistono foto session dei Megadeth come quelle dei Metallica di “Load” e “Reload”. Di stupidaggini dette da Mustaine nelle interviste invece ce ne sono a bizzeffe, lì se la giocano al foto finish con Ulrich. Ma soprattutto i Megadeth hanno dimostrato assai più continuità, buoni album in modo costante nel tempo, un tempo più lungo, mentre i Metallica dopo il 1988 ci hanno portato sulle montagne russe, dal paradiso all’inferno e ritorno, senza soluzione di continuità. E pensare che Mustaine ha realizzato tutto ciò che ha realizzato da antipatico, tossico e astioso, questa la percezione pressoché universale nei suoi confronti; e pensare che non ha mai beneficiato di formazioni stabili (per colpa sua, s’intende), diversamente dai 3/4 dei Metallica che sono rimasti immutati e tetragoni dal 1983 ad oggi. Questo se possibile accresce ancora di più il suo valore come musicista e songwriter, anche se umanamente non ha brillato. Mustaine si è nutrito di pane e rivalsa, probabilmente è un complessato, un paranoico, sicuramente divorato dal desiderio di vendetta (da lui stesso ammesso) nei confronti di chi lo aveva umiliato e si era mangiato il suo successo. Mustaine ha vissuto una vita tormentata e si è riempito di fragilità mascherate dall’aggressività, con lo scopo preciso di abbattere i Metallica. In più la sua svolta in età matura in termini d rinascita cristiana e simpatie pesantemente destrorse non lo ha certo reso più digeribile, anzi. L’essersi negato per lungo tempo la performance di “Anarchy In The UK” dal vivo a causa del verso “I am an antichrist” è risibile e fa il pari con Blackie Lawless che non cantava più “Animal (Fuck like a Beast)”, ritenuta politicamente scorretta. Io però lo confesso, appartengo anima e cuore al team Megadeth, se guardo cosa ha combinato quest’uomo e come si sono autodistrutti i Metallica non posso che schierarmi nella sua metà campo.

Ho letto che l’album dei Megadeth preferito da Mustaine è “Killing Is My Business” in quanto è quello per il quale ha avuto più tempo a disposizione e che ha potuto elaborare e creare come desiderava, senza il minimo ostacolo. Dopo tutto si è complicato, le cose sono sempre andate più di fretta, i musicisti che suonavano con lui spesso non erano il frutto di una scelta ponderata ma di una necessità stringente, c’erano contratti da onorare, spacciatori da pagare e demoni da esorcizzare. Detto ciò, a me pare che Mustaine abbia spesso dato il meglio di sé quando era sotto pressione, come in “So Far, So Good… So What!”, ma è indubbio che “Killing Is My Business” sia uno dei titoli migliori all’interno della discografia dei Megadeth, senza contare il generoso contributo dato agli anni migliori dei Metallica, perlomeno in termini di riff importati su “Kill’em All” e “Ride The Lightning”, oltre a qualche frattaglia recuperata anche su “Master Of Puppets” (i riff nella parte centrale di “Leper Messiah”).

Discografia Relativa

1985 – Killing Is My Business
1986 – Peace Sells, But Who’s Buying?
1988 – So Far, So Good… So What!
1990 – Rust In Peace
1992 – Countdown To Extinction
1994 – Youthanasia
1995 – Hidden Treasures (compilation)
1997 – Cryptic Writings
1999 – Risk
2001 – The World Needs A Hero
2004 – The System Has Failed
2007 – United Abominations
2009 – Endgame
2011 – Thirt3en
2013 – Super Collider
2016 – Dystopia
2022 – The Sick, The Dying … And The Dead!

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Zombie Di Provincia: “Make Them Die Slowly”

Marco Tripodi — Tue, 22 Jul 2025 14:20:39 +0000

“Make Them Die Slowly” è il mio disco dei White Zombie. Dopo c’è “La Sexorcisto”. E quelli per me sono i White Zombie. La band ha prodotto altro? Certamente. Io lo ascolto? Preferibilmente no. Perché? Succede come la meringata, al primo boccone è appetitosa, al secondo già stucca. Fate prevenzione contro il diabete, leggete di seguito.

Contenuti:

1. Cinquanta e cinquanta
2. L’America di Russ Meyer e di Tobe Hooper
3. Lightning zombies
4. Glamour zombies

1 – Cinquanta e cinquanta

Il mio primo incontro con i White Zombie avvenne nel 1989, forse addirittura 1990, non ricordo con esattezza. Quello che ricordo è che ero alla ricerca di qualcosa da comprare, in uno dei miei soliti sabato pomeriggio vinilici in giro per i negozi fiorentini. Una delle mie mete saltuarie era Dischi Ghost in piazza delle Cure, saltuaria perché era perlopiù specializzato in roba goth/punk/new wave, sonorità alternative, sebbene avesse anche un po’ di metal e solitamente a prezzi non troppo esosi. Amara considerazione a margine, ovviamente anche Dischi Ghost, come il 90% dei negozi che ho frequentato in età adolescenziale, non esiste più in città. Insomma, fu lì che mi imbattei in questo album stralunato, la copertina era veramente qualcosa. Concettualmente nulla di nuovo, la band stava in posa in primo piano a farsi osservare dal potenziale acquirente, ma c’era un certo non so che che la rendeva magnetica, ipnotica, mesmerizzante. Il cromatismo innanzitutto, artefatto, posticcio, quasi alieno. I quattro zombie avevano l’aria sfatta, quattro brutti ceffi non esattamente raccomandabili se incontrati nel famoso vicolo buio ad orari improbabili. Che poi, a ben guardare, uno di loro sembrava una ragazza, e lo era (Sean Yseult aka Shauna Reynolds), ma sulle prime si confondeva perfettamente col resto della sua gang tossica. Dubito che in quella cricca fossero mai circolati shampoo e bagnoschiuma. L’unica maglietta riconoscibile era quella dei Misfits, indossata da quello che poi scoprirò essere Ivan De Prume, il batterista. Il titolo dell’album era sufficientemente truce ed in linea con l’immagine del gruppo: “fateli morire lentamente”, pareva la battura di un cannibal movie di Ruggero Deodato… e invece è di Umberto Lenzi, visto che il suo Cannibal Ferox è circolato a livello internazionale con il titolo alternativo di Make The Die Slowly. Passando al retro copertina, tutto si faceva ancora più cupo ed aggressivo, una morte secca ma con la testa simile ad un critter (gli “extra roditori” di Joe Dante) digrignava i denti minacciando l’osservatore, con sotto una fila di teschietti e ai lati i titoli delle canzoni. Una botta di acido notevolissima, un’immagine piuttosto hardcore punk. Ora, siccome io non avevo la più pallida idea di chi fossero questi White Zombie, ma ciò che vedevo mi stava piacendo da morire anche se non avrei saputo dire il perché, mi convinsi che di quello si trattasse, hardcore punk. Senza che neanche me ne rendessi conto, ero alla cassa a sborsare le mie 25 mila lire dell’epoca per un disco che sarebbe potuto essere tanto orrendo quanto splendido. Cinquana e cinquanta.

II – L’America di Russ Meyer e di Tobe Hooper

All’altezza del 1989 la band aveva già prodotto materiale, un Ep nel 1985 (“Gods On Voodoo Moon”) e il debutto “Soul-Crusher” nel 1987, entrambi su Silent Explosions Records. Ma io non lo sapevo, e come il calabrone che è anatomicamente inadatto a volare eppure vola lo stesso, io stavo per mettere sul piatto il secondo full-lenght dei White Zombie che per me stavano debuttano in quel preciso istante. L’impatto fu altrettanto efficace, coerente con quanto tutto l’aspetto grafico ed il mistero che (per me) gravitata su “Make The Die Slowly” avevano apparecchiato. Venivo dal metal e dall’hard rock, ed ero anche relativamente giovane come ascoltatore di quei generi poiché avevo cominciato con gli Iron Maiden nel 1988; i White Zombie andavano da tutt’altra parte rispetto a ciò a cui erano abituate le mie orecchie al tempo. Quello non era metal, non lo era nella misura in cui i White Zombie non erano una band strettamente metal, anche se in rapporto agli esordi avrei poi scoperto che un certo processo di metallizzazione era in corso.

La produzione di “Make Them Die Slowly” è molto low profile, la chitarra di John Ricci suona slabbrata, di cartavetro, aspra, bisbetica, esprime livore e voglia di attaccar briga. Il tutto è amplificato ed elevato a potenza dal cantato di Rob Zombie, una specie di predicatore ossessivo ed ossessionante, marcio, visionario e apocalittico. In questo Zombie rispecchia a pieno il suo background culturale, la provincia americana chiusa, ottusa e retriva dei b-movies di Russ Meyer, pietra angolare ancora più importante dell’horror e della fantascienza degli anni ’50 e ’60 per giudicare la musica dei White Zombie a mio parere, e calarsi con cognizione di causa nel loro immaginario narrativo e rappresentativo. Pare di vedere all’opera quei piccoli uomini bigotti, retrogradi e creduloni, ora sedotti da procaci virago fiammeggianti, ora annichiliti da alieni ipnotici e psichedelici dalle improbabili forme polipoidi atterrati su dischi e sigari volanti. Dentro “Make Them Die Slowly” c’è l’America di Russ Meyer e quella di Tobe Hooper, dei pastori delle chiese di legno sperdute nel nulla, mentre balle di fieno rotolano al vento senza incontrare ostacoli per miglia e miglia, cullate dal suono di insegne di metallo arrugginite penzolanti alle gas station. Nel songwriting di Zombie e soci si affacciano le fisionomie di Leatherface, dell’uomo lupo, dei motociclisti pazzi della bikexploitation di Motorpsycho!, dei protagonisti dei film di Tarantino e di John Carpenter. Un frullato di estremismi comportamentali e cognitivi trapiantati nella contea di Hazzard di Bo e Luke, tra una distilleria illegale e l’altra. La cosa interessante è il totale menefreghismo dei White Zombie per il compiacimento dello spettatore, la forma canzone è tutto fuorché conciliante e accomodante, la band fa un po’ quel che vuole, come e quando vuole; ripete, cambia, stravolge, si avvita ossessivamente su pattern che hanno in evidente ispregio l’airplay. Tutto è portato all’eccesso, costi quel che costi. I White Zombie sembrano suonare per loro stessi e per il proprio esclusivo appagamento, incuranti del pubblico. In questo indubbiamente c’è un purissimo atteggiamento hardcore punk che sta alla base dell’indole di un album adorabilmente squinternato come “Make Them Die Slowly”. Non sarà sempre così, purtroppo.

III – Lightning zombies

Per tutti i motivi detti, il secondo capitolo discografico dei White Zombie non è un lavoro che ti arriva subito, che ti entra dentro al primo ascolto e prende possesso delle tue vene. Io rimasi colpito, schiaffeggiato, bruciato ma ci vollero ripetute sessioni perché ne afferrassi il senso, mi orientassi, venissi pervaso dal suo feeling fino a farlo mio. A parte forse quello di “Disaster Blaster”, non ci sono grandi ritornelli cantabili, né ami ai quali farsi appendere per la bocca, “Make The Die Slowly” va preso nella sua interezza, nel suo complesso, un blocco di granito rancido e fetido che ti rovina addosso e di cui sperimenti tutta la consistenza ed il peso specifico mentre sostanza acide e insalubri ti colano addosso da qualche parte, creando ulcere e ferite sulla pelle. Pare poco invitante raccontato così, vero? Invece alla fine i White Zombie sanno il fatto loro e ti conquistano, uno squinternato squadrone suicida che non fa prigionieri, ti afferra per il collo e ti addomestica.

“Make Them Die Slowly” è il prodotto della scrematura di ben 16 pezzi che erano stati approntati per l’album, la scelta della scaletta pare sia avvenuta sulla base dei brani che più si discostavano dal precedente materiale, ovvero dalle sonorità maggiormente noise e psichedeliche di “Soul-Crusher”. Lo slittamento verso il nuovo avvenne anche grazie all’avvicendamento alla chitarra tra l’ex Tom Guay e il subentrante Ricci. Il produttore del disco, Bill Laswell, fu consigliato ai White Zombie direttamente da Iggy Pop, estimatore del gruppo, ma il matrimonio artistico non fu privo di spine. Al termine del lavoro gli zombie non si dissero soddisfatti. La Yseult in particolare dichiarò che pareva fosse stato registrato in un barattolo di latto, con un basso – il suo strumento – sostanzialmente inesistente ed ovattato. Il che è un po’ vero, così come anche il suono della batteria risulta troppo debole e fiacco. Ma una cosa che spesso i musicisti tendono a sottovalutare è che il sound particolare di un album, anche laddove particolare sta per deficitario e difettoso, contribuisce all’atmosfera generale. E con il passare degli ascolti e del tempo viene comunque metabolizzato dall’ascoltatore che lo impasta in modo inscindibile con il songwriting, concorrendo così – assieme a tutto il resto – a creare l’imprinting di quella band, fino al punto in cui quel disco non sarebbe potuto suonare in nessun’altra maniera che quella. Ne diventa una caratteristica saliente e da limite si trasforma persino in un elemento di forza. Tuttavia la Yseult non ha mai fatto pace con il processo di registrazione di “Make Them Die Slowly”. Laswell glielo fece ripetere tre volte per poi scegliere l’ultima sessione, la peggiore a detta della Yseult, la quale secondo il produttore doveva registrare seduta e con la dovuta leggerezza sulle corde per non inficiare la resa di ogni singola nota. “Un mucchio di stronzate!” per la Yseult, col senno di poi. Ricci fece in tempo a partecipare a questo unico album dei White Zombie per poi abbandonarli dovendosi dedicare al suo fastidiosissimo tunnel carpale. Rob Zombie dal canto suo faceva fatica a vedersi come un metallaro o uno interessato alla musica metal, anche se “Ride The Lightning” era un disco che lo aveva particolarmente impressionato e lo aveva parzialmente convinto a rivedere le sue posizioni, giungendo così alle sonorità di “Make Them Die Slowly”.

IV – Glamour Zombies

Nello stesso anno la band dà alle stampe l’Ep “God Of Thunder”, la cui title-track è la cover dell’omonimo pezzo dei Kiss, cosa che fece saltare sulla sedia Gene Simmons (osservate la copertina). Alla chitarre c’è Jay Yuenger. Appena tre tracce in totale che fungono da ponte tra “Make The Die Slowly” e il successivo “La Sexorcisto: Devil Music Volume One”, titolo che porterà i primi riscontri commerciali e mediatici di un certo livello per i White Zombie, l’album che di fatto li fece arrivare al grande pubblico e ne cambiò la storia, o perlomeno quella di Rob Zombie, ma anche l’album che al contempo pose il primo mattone della fine. “La Sexorcisto” è un disco con la smania di auto confinarsi dentro tutti gli steccati e i recinti che servono per farsi notare. Robert Bartleh Cummings (il vero nome di Zombie) ha frecce al suo arco da giocare e sa sceglierle con cura, il songwriting del 1992 è elettrizzante, ammiccante, ruffiano, maledettamente studiato a tavolino ma indubbiamente adesivo come carta moschicida. I White Zombie hanno già preso un’altra strada, l’attitudine “sfanculata” dei primi due album viene soppiantata da un approccio più professionale, commerciale, industriale; la band si perde per strada un po’ della sua anima più verace e irriverente, geometrizza le forme, smussa gli angoli, dà logica e sensatezza alle canzoni, le inquadra e le normalizza, pur cercando di mantenere inalterato tutto l’humus visionario e narrativo derivante dalla cultura cinefila, letteraria e fumettistica di serie b di Rob. I White Zombie diventano qualcosa di più simile ad un circo (ambiente dal quale Rob proviene poiché quello era il lavoro dei suoi genitori). Da essere l’incarnazione di un certo universo semantico passano ad esserne la rappresentazione, pare una sfumatura ma ci passa un mondo nel mezzo. Se prima era come stare dentro La Notte Dei Morti Viventi di Romero, insieme ai suoi protagonisti, vivendolo in prima persona, ora era più come stare al drive in o in qualche grindhouse con la propria ragazza ed il barattolo dei pop corn in mano, a ridacchiare di improbabili rutilanti pellicole a basso costo, sapendo che ad un certo punto le luci sarebbero arrivate a porre fine alla messa in scena.

Ribadisco, a scanso di equivoci, “La Sexorcisto” è un buon album ma cambia piano di lettura (della band), si mette più ninnoli addosso, addobba la vetrina e spera di riuscire a vendere più merce di prima. Gli White Zombie non stanno più suonando per loro stessi o per un pubblico immaginario di zombie sciancati come loro. Se possibile dopo andrà peggio. Con “Astro-Creep: 2000 – Songs of Love, Destruction And Other Synthetic Delusions Of The Electric Head” (1995), logorroico e pretenzioso sin dal titolo, questa propensione della band esploderà incontrollata, su Geffen. Nel frattempo alla batteria sarà arrivato John Tempesta (già con D.R.I., Exodus, Testament, e poi anche con Helmet, Prong e The Cult). A Rob Zombie piace piacersi e infatti fa il piacione, si lava sempre meno, è sempre più incatramato e bardato di stracci, oggetti e capelli, ma al contempo adora fama e successo, cerca spasmodicamente visibilità e la musica dei White Zombie sembra andare di conseguenza, ballabile, sempre più groovy e “industrializzata” come un robottino Transformer per bambini. Provate a ballare un pezzo di “Make The Die Slowly”, se vi riesce! A distanza di un anno viene pubblicato “Supersexy Swingin’ Sounds”, che altro non è che un remix di “Astro-Creep 2000”, la Geffen censura la copertina (ragazza in bikini al posto di ragazza nuda), poiché altrimenti non avrebbe potuto piazzare il disco nei mega centri commerciali come Wal-Mart. E da che mondo è mondo la censura aumenta tiratura e interesse non il contrario.

Inevitabilmente a forza di tirare la corda, si spezza. La band si disintegra e Rob scopre di essere un novello Leonardo da Vinci, cantante, art director, disegnatore, regista, sceneggiatore, produttore, probabilmente anche wedding planner e sommelier. Dal 1998 avvia la sua carriera solista, battezzata dal disco col solito titolo wertmulleriano (“Hellbilly Deluxe: 13 Tales Of Cadaverous Cavorting Inside The Spookshow International”). Al momento siamo arrivati a 7 titoli in studio, più vari live, remix album e raccolte, compreso anche un sequel di “Hellbilly Deluxe”. Dal 2003 Zombie si inventa regista, rigorosamente horror, esordendo con La Casa Dei Mille Corpi, e da quel punto di vista siamo a 9 titoli diretti sino ad oggi di cui uno rimasto inedito in Italia (il cartone animato The Haunted World Of El Superbeasto), oltre al divertissement Werewolf Women Of The SS, che fa parte del film Grindhouse di Tarantino e Rodriguez, e ad un episodio della serie CSI: Miami. Ma Rob Zombie fa pure il doppiatore, recita in tv, sceneggia e produce i suoi film, dirige i suoi videoclip, fa incetta di riconoscimenti e candidature, e trova pure il tempo di sposare Sheri Moon, divenuta per questo Sheri Moon Zombie, a sua volta attrice, modella, ballerina, stilista. Delle sonorità di “Make The Die Slowly” non c’è più traccia, come probabilmente è giusto e normale che sia trattandosi di qualcosa che risale a ben 36 anni fa. Io non sono lo stesso di 36 anni fa, voi non siete gli stessi di 36 anni fa. Questo significa che tutto ciò che Zombie ha prodotto dopo io debba accettarlo e sia esente da critiche solo perché “è l’evoluzione, baby“? Non credo, a ciascuno il suo, Rob ha una fantastica carriera multitasking da genio del Rinascimento da portare avanti, mentre io vi devo lasciare perché devo andare a mettere sul piatto uno dei dischi più marci della mia collezione, pubblicato nel lontano 1989.

Discografia Relativa

1987 – Soul-Crusher
1989 – Let Them Die Slowly
1989 – God Of Thunder (EP)
1992 – La Sexorcisto: Devil Music Vol. 1

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L'articolo Zombie Di Provincia: “Make Them Die Slowly” proviene da The Elder's Orient.

Whitesnake: 1987 – Il Rock Erotico

Marco Tripodi — Tue, 08 Apr 2025 09:10:02 +0000

Una band sul punto di sciogliersi, un leader stanco, depresso, indebitato e demotivato, un contratto da rispettare, un chitarrista ostico, una nuova generazione di rocker che reclamava il trono. 1987: la nascita di un capolavoro nelle peggiori condizioni possibili.

Contenuti:

1. Il serpente è stanco e depresso
2. Toxic twins
3. Bad boys (are back in town)
4. Il mio 1987

1 – Il Serpente è Stanco e Depresso

Al settimo album della loro storia i Whitesnake ci arrivano in frantumi. Pare che David Coverdale avesse seriamente preso in considerazione il proposito di disfare la band, il tour di “Slide It In” aveva portato in dote un po’ di litigi con Cozy Powell, al punto che il batterista aveva lasciato il gruppo all’indomani dell’esibizione al Rock In Rio. Ma quella fu la conseguenza non la causa, Coverdale era già saturo del clima all’interno degli Whitesnake e non aveva alcuna intenzione di continuare su quella rotta. C’era un piccolo problema, il contratto con la casa discografica. In Europa gli Whitesnake erano distribuiti da Emi ma per gli Stati Uniti erano sotto Geffen, la quale non aveva alcuna intenzione di mollare l’osso, e propose a Coverdale di fare coppia fissa con John Sykes, che si era già affacciato nello studio di registrazione della band in occasione dell’edizione americana di “Slide It In”, in sostituzione di Micky Moody. Convinto o meno, Coverdale dovette onorare il contratto e i due trasferirono baracca, burattini e casse di alcol in Francia, a Le Royal, per iniziare a buttare giù il materiale del nuovo album del Serpente Bianco. Coverdale sentiva l’esigenza di un cambio di marcia, voleva che gli Whitesnake diventassero più appariscenti, aggressivi, elettrizzanti, più al passo con i tempi, se necessario arrivando anche ad edulcorare l’inconfondibile retaggio blues che aveva caratterizzato il percorso discografico della band sin lì’. Anche Neil Murray si unì alla combriccola e dalle sessioni francesi nacquero “Still Of The Night” e “Is This Love”. La prima era in realtà la rielaborazione di una traccia risalente ai tempi della militanza di Coverdale nei Deep Purple (1974 – ’75), mentre la seconda pare fosse stata scritta originariamente per Tina Turner, e ho i brividi a pensare ad un’ipotetica versione della Turner di quel pezzo. Il trio si sposta poi a Los Angeles per audizionare ed arruolare un batterista. Sarà Aynsley Dunbar, percussore per Jeff Beck in “Truth”, Frank Zappa, Lou Reed e David Bowie nei primi anni ’70, nonché nei meravigliosi e sottovalutati primi tre album dei Journey senza Steve Perry (c’è un articolo in proposito su The Elder’s Orient se avete voglia di saperne di più). Quindi una ulteriore trasferta a Vancouver. In Canada la band mette a fuoco il sound della chitarra di Sykes, che sarà calibrato da Bob Rock, ma inciampa anche nella prima bega, una fortissima sinusite di Coverdale che lo manda all’ospedale, sotto i ferri. Sei mesi di riabilitazione furono una tegola enorme e i Whitesnake ne risentirono, anche perché Sykes non era così amalgamato agli altri e questo produsse immediatamente degli effetti.

II – Toxic Twins

Si narra che il chitarrista britannico fosse impaziente di produrre e registrare, e non avesse alcuna voglia di aspettare sua Maestà Coverdale, visto un po’ come una primadonna che rimandava e rimandava capricciosamente. Pare che Sykes spinse molto con la casa discografica per sostituire Coverdale e proseguire accollandosi la testa del Serpente. La versione di Sykes al riguardo è che tutto ciò non sia mai accaduto, adducendo motivazioni anche abbastanza logiche e plausibili, ovvero come era anche solo pensabile all’altezza del settimo disco dei Whitesnake presentarsi al pubblico senza Coverdale, marchio di fabbrica (e garanzia) della band? Sta di fatto che, vero o no, Coverdale si convinse dell’ostilità di Sykes, e lo stesso fece il produttore dell’album Mike Stone, visto che i rapporti di Sykes con entrambi si incrinarono irrimediabilmente. Quando il Duca Bianco si ristabilì, registrò le tracce vocali (soffrendo moltissimo, poiché ancora in piena convalescenza e costretto a sforzarsi parecchio per portare a casa le sessions), e chiamò dei turnisti per registrare le parti delle tastiere (Don Airey, Bill Cuomo). Per la nuova versione di “Here I Go Again”, originariamente apparsa su “Saints & Sinners”, si rivolse ad Adrian Vandenberg, il quale si occupò dell’assolo. L’incontro fu molto positivo, al punto che Coverdale pensò a Vandenberg come ad un possibile sostituto di Sykes. Le sensibilità all’interno della band erano tutt’altro che migliorato, e le precarie condizioni di salute di Coverdale avevano reso il tutto ancora più teso e instabile. Il buon David era pure piuttosto seccato del processo di ammodernamento del look imposto alla band, talmente glamour, ammiccante e modaiolo che secondo Coverdale provocò diversi malumori nei fan più ortodossi e intransigenti dei Whitesnake, soffocati dalla lacca per capelli e poco avvezzi al trucco e alle paillettes. La sezione centrale di “Still Of The Night”, zeppeliniana e impregnata di sintetizzatori ed archi virtuali è un’altra espressione di quella ricerca fashion “a tutti i costi” (c’è lo zampino di Sykes in questo).

La situazione precipitò alla vigilia della pubblicazione del disco, quando Coverdale dette il benservito a tutto il carrozzone, licenziando l’intera band. All’epoca era malandato, depresso, indebitato. Passo successivo, l’arrivo nei negozi del disco: 16 marzo 1987 in America, 7 aprile 1987 in Europa. Le edizioni furono diverse a seconda dei paesi di pubblicazioni. Titolo e scaletta differivano, il che ingenerò confusione e soprattutto grande agitazione tra i collezionisti. L’album è noto come “Whitesnake” negli States, “1987” in Europa (la cui tracklist oltre ad avere un ordine diverso offre anche due canzoni in più, “Looking For Love” e “You’re Gonna Break My Heart Again”), “Serpens Albus” in Giappone, ovvero la traduzione latina del nome della band, quindi a suo modo comunque una autointitolazione. In Australia il titolo fu quello europeo, ma la scaletta dell’edizione in vinile riprese quella americana, quella mentre il Cd quella europea, un capolavoro di fritto misto che ha mandato per anni nei pazzi i collezionisti. Personalmente ho un’edizione greca (quindi titolo “1987” e scaletta europea, ovvero “Still Of the Night” come opener track), con adesivi argentati all’interno.

III – Bad Boys (Are Back In Town)

Una volta che il disco fu nei negozi, Coverdale si occupò di assemblare la nuova formazione per il tour. Gli Whitesnake di “1987” sui palchi furono incarnati da Adrian Vandenberg, Vivian Campbell (ex Dio) alla seconda chitarra, Rudy Sarzo (ex Quiet Riot, Ozzy Osbourne) al basso e Tommy Aldridge (ex Black Oak Arkansas, Pat Travers, Gary Moore, Ozzy Osbourne) alla batteria, ovvero la sezione ritmica dei M.A.R.S., super progetto assieme a Rob Rock e Tony MacAlpine. Oltre ad esibirsi dal vivo questa fu la formazione che girò i videoclip dei singoli estratti dall’album, “Still Of The Night”, “Is This Love”, “Here I Go Again”, “Give Me All Your Love”. 10 milioni di copie negli States, certificato 8 volte disco di platino, 25 milioni di unità in tutto il mondo. Il disco più venduto in America nella storia della band. Per molti a tutt’oggi anche il miglior disco della band. Personalmente non lo ascoltai in tempo reale, il mio primo album metal entrò in casa mia nel 1988, era “Powerslave” degli Irons. Per motivi anagrafici mi persi “1987”, per me il titolo è sempre stato quello perché la mia copia in vinile portava impresso quel marchio. Il primo album Whitesnake che ho avuto tra le mani (anzi, in realtà la prima cassettina registrata dall’amico grande ed esperto che tutti abbiamo avuto agli inizi, il tutore che ci ha introdotto nel denim & leather) fu “Lovehunter”, con la sua iconica copertina, a cui seguì “Slide It In”. Da qualche parte all’interno della ricognizione a ritroso della discografia della band si infilò anche “1987” e sulle prime non mi fece un grandissimo effetto. Avevo conosciuto il Serpente nella sua prima incarnazione, un rettile con l’anima bluesy, persino soul, ed il sangue inaspettatamente caldo che era scorso lungo tutta la prima produzione discografica. “1987” sparigliava alquanto le carte. Coverdale stesso aveva detto di volere un album diverso, assai più elettrizzante ed aggressivo, ed in effetti “1987” quello era, un aumento esponenziale di tutto, fino quasi al parossismo. La componente hair e glam metal si faceva sentire, per l’esibizione un po’ pacchiana e grossolana di testosterone. “1987” arraffava un po’ di metal e un po’ di Los Angeles boulevard e li imprimeva con brutalità sul sound classico dei Whitesnake.

Coverdale era un pifferaio del sesso e quei 42 minuti (americani, in Europa erano 53) emanavano feromoni animali, un richiamo erotico senza tanti infingimenti. “1987” chiamava all’appello tutte le donne per fare l’amore con la band. Raramente un album ha incarnato la quintessenza del sesso come “1987”. Va dato atto a Coverdale che in questo è sempre stato un professore honoris causa. Il videoclip di “Still Of The Night” con la futura moglie Tawny Kitaen era un perfetto cortometraggio di Playboy, patinato e ammiccante, che dette una grande spinta alla band. Non sono pochi a ritenere che la Kitaen contò a tutti gli effetti come un sesto membro in line-up per il propellente che portò alla causa del Serpente Bianco. Gli Whitesnake dal canto loro fungevano da degno contraltare della bellissima modella, con Covedrale ad atteggiarsi in pose platiche e Vandenberg a spingere la chitarra con affondi pelvici. Riconobbi subito che l’album era buono, anzi ottimo, ma c’era qualcosa che mi mandava fuori strada ed era l’ingrossamento colossale del sound. Pareva che gli Whitesnake avessero indossato la divisa da giocatori di football, con l’armatura per le spalle, i parastinchi e il casco. “1987” era come la versione Daniel Craig di 007, tutto portato all’eccesso con sbruffoneria, un machismo esasperato, urlato, quasi disperato. Se i Whitesnake che avevo imparato a conoscere erano più simili a Sean Connery, indubbiamente virili e maschi ma pur sempre eleganti e garbati, quelli di “1987” potevano far concorrenza al Gallo Cedrone di Verdone per ostentazione e sfacciataggine.

IV – Il Mio 1987

“1987” è un assoluto capolavoro eppure resistevo a riconoscerlo come tale, non sapevo se sentirmi tradito o affascinato. Sulle prime poi, alcune tracce si mangiavano completamente le altre. “Still Of The Night”, “Bad Boys”, le riproposizioni di “Here I Go Again” e “Crying In The Rain”, la ballata “Is This Love” erano talmente enormi e roboanti da mettere in ombra il resto della scaletta, che invece offre dei brani altrettanto splendidi come “Children Of The Night”, “Straight For The Heart”, “Don’t Turn Away”, i quali tuttavia si prendono il loro tempo per aprirsi un varco e far breccia nei cuori. Non sono “straight to the heart”, sono piuttosto dei mezzofondisti che si prendono il loro tempo per carburare, ma che poi hanno gioco facile persino a sostituire qualcuna delle canzoni inizialmente più esplosive. “Still Of The Night” rimane un pezzo più grande di se stesso, larger than life, rappresenta una band, una discografia, un genere, una decade, una visione, e sarà punto di riferimento per una infinita quantità di artisti a seguire. Non saprei dire se si tratti di un album coraggioso o furbo, spericolato o ruffiano; certamente è potente, elettrico, muscolare e strafottente. A suo modo perfetto. Coverdale canta coprendo un registro sonoro che va da acuti abrasivi e tonalità talmente calde e basse da frantumare anche la più massiccia cintura di castità in ferro battuto, e pensare che fino al giorno prima di registrare le sue parti aveva le corde vocali afflosciate in mano come lacci da scarpe. Il successo planetario del disco riporta in auge una band che affogata nella stanchezza depressiva di Coverdale stava addirittura per essere accantonata. La formazione rimane quella di “1987” ma a Vandenberg viene affiancata una superstar con la chitarra fluo fuxia e verde pisello, Steve Vai. Campbell non fa più parte della famiglia Whitesnake. Ricordo che all’epoca pensai che difficilmente sarei riuscito ad immaginare un chitarrista più alieno, avulso ed eterodosso di Steve Vai in relazione ai Whitesnake, eppure il genio di Coverdale stupì di nuovo tutti.

Ancora la registrazione dell’album fu funestata da problemi di salute, stavolta di Vandenberg, che si era causato una forte tendinite pare a causa di esercizi pianistici. L’indisposizione lo costrinse a saltare la fase di registrazione del disco che pure aveva contribuito a scrivere con Coverdale. Di nuovo si aspettò perché le cose si ristabilissero ma poi, nel protrarsi dei tempi, Coverdale prese la decisione di sostituire temporaneamente Vandenberg con il folle axeman di Frank Zappa e David Lee Roth, operando una scelta forse mediaticamente molto eclatante ma stilisticamente assai rischiosa, poiché scambiò un chitarrista rock, caldo e blues, dall’impostazione “classica”, con un funambolo prestato al rock ma più addentro a bizzarrie e voli pindarici fusion, prog e molto ego riferito (un attributo che certo non mancava in seno agli Whitesnake). Sappiamo che Vandenberg non valutò la scelta come adeguata, ritenendo che (ancora una volta) il sound degli Whitesnake avrebbe perso in spinta blues a fronte di un virtuosismo esasperato. Col senno di poi “Slip Of The Tongue” si rivelerà un miracoloso esercizio di bilanciamento musicale. E’ vero quel che dice Vandenberg, Vai ha tolto blues e feeling, e ha riempito la scaletta di ultra note a velocità ipersonica, tuttavia questo strano esperimento che solo Coverdale aveva visto con gli occhi del futuro sta magnificamente in piedi. “Slip Of The Tongue” è un altro album atipico degli Whitesnake; per quanto prosegua sulla linea robusta di “1987”, rende il sound della band più affilato, chirurgico, focalizzato, lo innerva maggiormente di metallo rispetto all’hard rock piacione e rutilante di “1987”. Se quell’album grondava olio motore, questo è solido, compatto, non versa una goccia e fa scintillare l’acciaio levigato alla luce. Nel 1990 al Monsters Of Rock dell’Arena Parco Nord di Bologna vidi la formazione di “Slip Of The Tongue” dal vivo e fu uno dei concerti più belli della mia vita, un’autentica macchina da guerra. Come “1987” deluse molti fan della prima ora, anche “Slip Of The Tongue” non fu riconosciuto e accettato come tradizionalmente “Whitesnake“, l’hype mediatico fu opposto e contrario all’accoglienza dei die hard fans…. ma questa è un’altra storia da raccontare.

Discografia Relativa

1987 – Whitesnake/1987
1989 – Slip Of The Tongue

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I Mötley Crüe Secondo Me

Marco Tripodi — Wed, 06 Nov 2024 10:46:11 +0000

Il desiderio di spendere due righe sui Mötley Crüe nasce dall’ennesimo periodico riascolto dei loro album, che oramai mi accompagnano da oltre tre decenni. Non state per leggere un’altra pedante monografia perfettina, ne esistono a milioni, come altrettanti sono i libri pubblicati dalla band e sulla band. Del loro pubblico e del loro privato è stato squadernato ogni dettaglio, lecito e meno lecito (nel loro caso i due fattori sono invertiti), fino alla recente serie tv tratta dall’autobiografia “The Dirt”. Su ogni membro dei Crüe sono usciti biografie individuali, il solo Mick Mars mi pare meno frequentato da un punto di vista bibliografico. Presa singolarmente la vita di Tommy Lee, Vince Neil e Nikki Sixx potrebbe essere fonte si altrettanti ulteriori serie tv di svariate stagioni. La mole di materiale riguardante i Mötley Crüe è strabordante e perlopiù del tutto inutile, velleitaria. Questo è esattamente il punto, tutto il circo, i parafernalia, la rutilante aneddotica esistente sui saints of los angeles sono croce e delizia per chi li ama. Personalmente non mi sono avvicinato ai Mötley Crüe per le loro imprese sessuali, per loro dipendenze da qualunque cosa o sostanza si possa dipendere, per i loro eccessi, ma per la musica. Apparirà forse banale ma di questo si è sempre trattato.

Contenuti:

1. Capitolo I
2. Capitolo II
3. Capitolo III
4. Capitolo IV

Capitolo I

Pare che i Mötley Crüe, tra una sparata e l’altra, sarebbero una band che suona canzoni e pubblica album. Garantisce sempre un ottimo feedback il denigrarli, sminuirli, ridurli a macchiette, per poi magari due righe più avanti leggere elogi sperticati degli Steel Panther. Gli Steel Panther sarebbero un’acuta parodia proprio del mondo hair glam dei Crüe, le crasse risate. Io invece credo che gli Steel Panther siano una parodia di chi crede che gli Steel Panther siano una parodia. Nel prendere in giro quel mondo gli le volgarissime Pantegane hanno finito col crederci più delle band oggetto del loro scherno, e allora alla fine il vero target di quella caricatura sono i fan stessi, che si danno la gomitata d’intesa sottobanco senza capire che gli Steel Panther si garantiscono introiti sul conto corrente proprio grazie a quella snoberia.

Sui primi due album dei Crüe francamente non so come si faccia ad aprir bocca e trovare qualcosa da ridire. Si può non amare l’hard rock perché si predilige magari il thrash, il death, il black metal, e allora d’accordo; ma ugualmente non ci sarebbero critiche da muovere a quei dischi, esattamente come non ho nulla da eccepire su “De Mysteriis Dom Sathanas” pur non essendo pane per i miei denti. La storia di un genere è la storia di un genere, anche se non lo si mastica volentieri. “Too Fast For Love” e “Shout At The Devil” sono album di una freschezza inalterata a quaranta anni di distanza. Potenti, scattanti, ruvidi, maestosi, elettrici, strafottenti. Su quel Vince Neil non c’è nulla da eccepire, purtroppo non sarà così lungo tutto il prosieguo della carriera dei Crüe, ma a quest’altezza il suo marchio collima a meraviglia con quello degli altri band mates. Dico questo perché è indubbio che strada facendo la sua tendenza a trasformarsi in Paperino, vocalmente parlando, ha azzoppato non poco i Crüe, soprattutto dal vivo, dove Neil ha messo in evidenza una progressiva inadeguatezza a reggere il peso degli anni e dell’adipe crescente. Tutti e quattro si sono devastati, principalmente a causa dei loro eccessi; Tommy Lee è quello rimasto più in salute fisicamente anche se ha avuto diversi colpi di testa che da un verso lo hanno etichettato come uno spirito libero e indomabile (i Methods Of Mayhem, i dj set di musica elettronica), dall’altro ne hanno restituito l’immagine di un miliardario arrogante e viziato (i reality show, le violenze domestiche, i video porno con Pamela Anderson). Nikki Sixx si è ammazzato di droga, letteralmente. Mik Mars è stato prosciugato dalla spondilite anchilosante. Neil ha ucciso il batterista degli Hanoi Rocks, si è sfinito di droghe, ha fatto a botte con mezza Los Angeles, è stato arrestato, ha subito la dolorosa perdita della figlia Skylar morta a quattro anni di cancro, ha partecipato pure lui ad un reality, si è dato all’imprenditoria aprendo uno strip bar (ovviamente) che avrebbe dovuto dare il là ad un franchise su tutto il territorio americano, se non fosse stato chiuso appena un anno dopo.

Capitolo II

La storia dei Mötley Crüe è la storia di quattro sbruffoni antipatici mai usciti dall’adolescenza, effetto causato spesso e volentieri dal lievitare del conto in banca. Quando affoghi nelle banconote il cervello si spegne, i neuroni decrescono, sei circondato da yes man, e nel caso dei Crüe soprattutto da yes woman. Ciò che viene descritto in “The Dirt” ruota pressoché esclusivamente attorno a questo: vagina, dollari, droghe. La misura del successo della band tuttavia non è misurabile in modo direttamente proporzionale a quel trittico bensì alla musica espressa; troppo spesso la gente confonde e sovrappone le due cose. Per quanto mi riguarda, il circo dei Mötley Crüe non è stato il propellente, la benzina del mio innamoramento, semmai un freno, un guinzaglio, una zavorra che ha rischiato di metterne in ombra tutto il potenziale che la band aveva da esprimere. Questo impedimento è cresciuto nel tempo, via via che si assottigliava la freschezza creativa, via via che il cervello, le vene e i muscoli si obliteravano di schifezze, i Crüe sono rimasti sempre più insabbiati in un divismo che avvelenava (ed annacquava) la musica anziché esaltarla. “Theatre Of Pain” e “Girls, Girls, Girls” sono già espressione di questa decadenza. Da fan, per me sono due buoni album, ma già non hanno più la forza dirompente della coppia che li ha preceduti. Ottimi pezzi si alternano ad episodi gradevoli, che si alternano a loro volta a qualche compitino di mestiere. Il totale e incondizionato sposalizio dell’immagine della band con lo stile glam in “Theatre Of Pain” segnala l’urgenza di affidarsi ad un mezzo per sostenere la popolarità dei Crüe, come se la musica non fosse più abbastanza. “Girls, Girls, Girls” cambia semplicemente il tramite, anziché rossetto, lacca per capelli e spandex fluo, ora in vetrina ci vanno le ragazze seminude e le Harley Davidson. Il valore della musica dei Crüe è sempre alto ma è chiara anche la ruffianeria di questi lavori che a metà anni ’80 cercano di cavalcare una moda e tenere in pista i quattro ragazzacci viziati. “Dr. Feelgood” ripristina un po’ di integrità, gli strumenti tornano preminenti rispetto all’immagine. Un sussulto d’orgoglio anche se, paradossalmente, tutto ruota attorno proprio alle sostanze stupefacenti, tema portante della title-track; così come “Kickstart My Heart” riguarda il cuore di Nikki Sixx rimesso in moto dai paramedici con un’iniezione di adrenalina dopo essere finito in overdose.

Poi arrivano gli anni ’90. I Crüe litigano incessantemente, tre ego su quattro sono smisuratamente incompatibili tra loro; Neil sta affossando se stesso, Mars è stanco di fare il badante di tre mocciosi indisciplinati, Tommy Lee ha sete di novità musicali e quel decennio è arrivato apposta per abbattere le vecchie glorie del rock ‘n’ roll come Lee e soci. Il prodotto di tutto ciò è l’omonimo “Mötley Crüe” nel 1994. La band ci pensa per un lustro intero e poi si ripresenta al proprio pubblico “ripulita” (si fa per dire) e con un nuovo frontman, John Corabi, che sarà il Blaze Bayley (o il John Bush se preferite) dei Crüe, il tizio che salva la baracca in un momento topico e particolarmente delicato ma che poi viene buttato nel cassonetto quando il biondo figliol prodigo torna all’ovile. Un album autointitolato significa una nuova ripartenza, quello è il messaggio ed è corretto perché le 12 tracce di “Mötley Crüe” suonano parecchie diverse dal solito. Il disco è divisivo, il che automaticamente divide le fazioni in eserciti contrapposti, chi lo trova bellissimo, chi non lo reputa neppure un album dei Crüe. Per quel che vale, io appartengo alla prima. L’album dimostra quanto la band (meno Neil) sia ancora incredibilmente in palla, feconda ed in grado di partorire ottima musica; il profilo è assai più maturo, c’è meno infantilismo e meno indulgenza sulle cretinate del passato. “Mötley Crüe” è di una potenza devastante anche se chiunque all’epoca si sarà posto la seguente domanda: “e adesso i Crüe andranno avanti così? Potranno costruire una discografia lontana dai pali degli strip bar, dalle Playboy mansion e dai motoraduni degli Hell’s Angels?” La risposta chiaramente fu no. Appena tre anni dopo Neil è di nuovo davanti all’asta del microfono per l’album forse più controverso della band, “Generation Swine”, sorta di tentativo di tenere assieme vecchio e nuovo, provando ad accontentare tutti. Lodevole il coraggio di non tornare sterilmente alle atmosfere della prima metà degli anni ’80, ma ciò nonostante è l’unico album dei Crüe che non mi ha mai conquistato. E’ un vorrei ma non posso, e anche un non so di preciso dove sto andando.

P.S. a proposito degli Hell’s Angels, c’è un gustoso aneddoto che riguarda Nikki Sixx, “Knock ‘Em Dead, Kid” sarebbe stata scritta dopo una rissa del bassista con dei motociclisti di quella gang di rider, che tuttavia si rivelarono poi essere dei poliziotti sotto copertura. Sixx le prese di santa ragione e finì pure in gattabuia.

Capitolo III

I Crüe non raggiungono più il disco di platino dai tempi di “Dr. Feelgood”, ma nonostante tutto rimangono in buona salute, mantenendo almeno la certificazione gold… fino a “New Tattoo”. Stavolta è Tommy Lee ad aver lasciato l’edificio (entrando nelle patrie galere dello zio Sam), sostituito dall’ottimo, più concreto e meno funambolico Randy Castillo (ex Lita Ford e Ozzy Osbourne). A suo modo anche “New Tattoo” è un titolo che sembra alludere ad un nuovo inizio, ennesima pelle cambiata dalla band e forgiata da un “nuovo tatuaggio”. Infatti la band entra finalmente in possesso dei diritti del proprio catalogo dopo la fine del lungo contratto con Elektra e battezza i 2000 col nuovo album. Nuovo secolo e nuovo millennio, anche nuovi Mötley Crüe? Non proprio. La ciurma fa un passo indietro, ma ragionato, studiato, accorto, non pigro o peggio, artefatto. L’album riprende lo stile pre rivoluzionario attuato con la doppietta “Mötley Crüe”/”Generation Swine” ma elimina ogni eccesso e pacchianeria di sorta. Sembra una rielaborazione ordinata e composta del vecchio sound dei Crüe. In un certo senso mi ha fatto lo stesso effetto di “Virtual XI” dei Maiden, una versione “da camera” della band. Ad un primo ascolto “New Tatto” risulta meno esplosivo e urlato, anche per via di una produzione più di basso profilo, ma se si ha la pazienza di ascoltarlo si verrà conquistati dal songwriting (che poi è la sostanza di un album). Il lotto di canzoni è assolutamente valido, i Crüe sembrano depurati, come avessero imbracciato gli strumenti il giorno dopo essere usciti dalla rehab. Per qualcuno questo depotenzia fisiologicamente una band che aveva fatto degli eccessi e dell’esagerazione il suo trademark; personalmente invece, avendo da sempre sofferto tutta la ridicola paccottiglia squinternata “sesso, droga e rock ‘n’ roll” dei Crüe, con “New Tattoo” ho potuto godere della loro essenza in forma più adulta e focalizzata sulla musica anziché su tutto il resto (leggi: glamour e spazzatura). Si tratta di un album gradevolissimo, pieno di idee messe a terra e concretizzate invece che sparate col cannone nello spazio, benché uno dei pezzi più divertenti si intitoli “1st Band On The Moon”. Mick Mars non ha praticamente contribuito alla scrittura dell’album perché i rapporti con i compagni erano decisamente peggiorati con l’ultimo “Generation Swine”, una situazione simile a quella di Ace Frehley separato in casa con i Kiss (ed infatti suppergiù andrà a finire nello stesso modo). Castillo non riesce a partire in tour perché viene ricoverato per un’ulcera duodenale e mentre è in ospedale gli viene diagnosticato un carcinoma che se lo mangerà. On stage verrà sostituito dalla batterista delle Hole Samantha Maloney, ma alla morte di Castillo tornerà sullo sgabello Tommy Lee, secondo un copione già scritto con i Mötley Crüe, la band degli eterni ritorni.

Le ostilità discografiche si interrompono per otto anni nei quali i Crüe fanno di tutto tranne che occuparsi di un nuovo album, tante pubbliche relazioni e sciocchezzuole varie, ma bisogna aspettare il 2008 perché nei negozi si materializzi il nono capitolo in studio della loro variopinta carriera. “Saints Of Los Angeles” doveva originariamente chiamarsi “The Dirt”, per battere il ferro caldo dell’oltraggiosa biografia della band (uguale a quella di mille altre band americane, solo con molto più soldi a disposizione da spendere in sesso, droga, alcol, cafonate, distruzione ed autodistruzione). L’album è una sorta di nuovo “Dr. Feelgood”, non solo perché le rispettive title-track si richiamano alla lontana, ma perché entrambi i lavori arrivano a rimettere sul trono una band che si era un po’ persa per strada per eccesso di ego e cretinaggine. “S.O.L.A.” (acronimo decisamente beffardo in italiano) è la sella su cui risalgono i Crüe, un album assolutamente solido che per certi versi fa quasi rabbia perché questi vecchietti, devastati da qualunque sostanza chimica esistente in natura o creata in laboratorio, dopo quasi 30 anni di trincea dimostrano di avere ancora molto da dire e da dare. E allora perché non darci un taglio con tutte le bambinate da asilo ed il maledettismo un tanto al chilo? Qualcuno risponderà: “perché quelli sono i Mötley Crüe, baby. Prendere o lasciare“. Può darsi, forse non possono esistere i Crüe senza le cazzate dei Crüe. Ma mi intigno, se si guarda alla band limitandosi agli album (let the music do the talking), senza leggere tutto il gossip di corredo che per decenni l’ha circondata e alimentata, la differenza di peso specifico tra il quadro e la cornice è enorme, marchiana. Ma suppongo sia come ammirare certe bellissime donne (o bellissimi uomini) e poi magari sentirle/i aprire bocca… come può tanta bellezza appartenere a tanta scempiaggine? Purtroppo accade, è legge di natura.

Capitolo IV

In tutto il tempo trascorso dopo “Saints Of Los Angeles” i Crüe non hanno combinato niente, niente di meritevole da segnalare perlomeno. Hanno fatto svariati tour d’addio, hanno gozzovigliato, hanno guardato la trasgressiva serie tv “The Dirt” ispirata alle gesta trasgressive di una band trasgressiva (e tremendamente autoreferenziale). Nel 2022 la malattia ha fiaccato definitivamente Mick Mars, costretto a ritirarsi ma non a smettere di scrivere musica. Cinicamente i quattro “santi” si sono ridotti a tre e lo hanno rimpiazzato con John 5, abituatissimo agli squinternati, vedi la sua militanza al fianco di freak come Rob Zombie e Marilyn Manson. Appena un mese fa è stato pubblicato l’Ep “Cancelled”, contenente due tracce inedite più una cover dei Beastie Boys (“Fight For Your Right”). Non posso dire mi abbia mandato in sollucchero. Oggi i Crüe sembrano semplicemente un’assicurazione per la vecchiaia dei membri che ne fanno parte. Mars è stato accantonato come un ferro vecchio ed era dai tempi di “Shout At The Devil” che la band sognava di liberarsene (rimpiazzandolo a suo tempo con Jake E. Lee, un loro pallino per via del tour di supporto a “Bark At The Moon” con Ozzy Osbourne). Sixx va in giro a dichiarare apertamente nelle interviste che col cazzo avrebbero appeso gli strumenti al chiodo solo perché uno di loro stava male. Il nuovo materiale è di rara bruttezza, nonché di altrettanto rara inutilità. Chi vuole dei Crüe così a sessanta anni suonati, a parte il loro family banker? Neil non è più assolutamente in grado di reggere un live set, si sprecano i video su youtube che cercano di dimostrare che la band dal vivo faccia ampio ricorso a tracce pre registrate. La filosofia che hanno sposato è assolutamente in linea con i tempi, quella si; singoli estemporanei e assai mediatici anziché full-length che probabilmente non sarebbero minimamente in grado di assemblare mantenendo un dignitoso livello qualitativo e di coerenza interna.

Una volta esplorati i Crüe dall’inizio alla fine non si può che ritornare alle origini e ripartire da “Too Fast For Love” e “Shout At The Devil”, due album che da soli si mangiano tutta la discografia restante e quella di decine di altri competitor che negli stessi anni dei Mötley Crüe hanno condiviso gli stessi palchi dei Mötley Crüe. Sono due album enormi, immortali, più grandi della band stessa, nei quali non c’è una nota sbagliata o fuori posto, una sola idea che non sia fenomenale e genialoide. Amo i Mötley Crüe, li ho sempre amati, li ho visti dal vivo, ho comprato i loro album e le loro magliette, non gli perdono tutto, non credo stiamo parlando di grandissimi quozienti intellettivi, non ho granché interesse verso eventuali nuovi passi discografici di una band che non è più quella band, per raggiunti limiti di età e decenza, ma non passa mai un lungo periodo tra un (ri)ascolto e l’altro di un loro album. Sono un sorcino dei Crüe e pazienza se alla fine c’era più cervello nelle tette di Pamela Anderson che nella scatola cranica di Tommy Lee o degli altri sciancati al suo fianco. La musica rimane, per fortuna.

Discografia Relativa

1981 – Too Fast For Love
1983 – Shout At The Devil
1985 – Theatre Of Pain
1987 – Girls, Girls, Girls
1989 – Dr. Feelgood
1994 – Mötley Crüe
1997 – Generation Swine
2000 – New Tattoo
2008 – Saints Of Los Angeles

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L'articolo I Mötley Crüe Secondo Me proviene da The Elder's Orient.

MAXINE E ROXY PETRUCCI: LE SORELLE CON L’X FACTOR

Marco Tripodi — Thu, 06 Jun 2024 12:37:46 +0000

Di evidenti origini italiane, belle, brave, hanno attraversato quattro decadi di musica rock e sono ancora in marcia. Non sempre in prima fila ma senza mai mollare. Roxy ha raggiunto il momento di maggior successo all’epoca dei primi due album delle Vixen (’88 – ’90), milioni di copie vendute, classifiche, fama e dischi d’oro. Maxine è stata la fiammeggiante chitarra dei seminali Madam X (’81 – ’85) e ha poi dato avvio ad una carriera solista a mio modesto parere affatto trascurabile (’15 – ’13). Prima, durante e dopo tante collaborazioni, progetti, band, contratti, qualche carta bollata, fallimenti e ripartenze senza di cui lo spirito rock non si tempra, e di tempra le Petrucci ne hanno sempre avuta da vendere.

Contenuti:

1. Petrucci X (1975 – 1988)
2. Golden foXes (1988 – 1991)
3. Silver foXes (1993 – 2023)
4. Full force rockin’ MaXine (1992 – ‘2017)
5. Van Petrucci

1 – Petrucci X

L’amore per il rock delle sorelle Maxine e Roxy Petrucci deriva dal fratello Remo, che fa ascoltare loro da ragazzine vinili su vinili dei Black Sabbath, di Jimi Hendrix, degli Humble Pie, delle Fanny, dei Led Zeppelin, di Robin Thrower. Lui suona il clarinetto ed il sax perché papà Antonio ha fatto imparare almeno uno strumento ad ognuno dei suoi cinque figli. Maxine ad esempio suona il flauto, Roxy il clarinetto, Ida la fisarmonica, Paul il basso (Jeanny onestamente non lo so ma è un portento a disegnare). Antonio stesso strimpellava il sassofono in gioventù, ma la Seconda Guerra Mondiale lo aveva tenuto alquanto occupato rispetto alla musica. C’era poi pure lo zio milanese Oreste Petrucci che suonava la tromba e si esibiva con la Grigioni Band. I Petrucci risiedono a Cassino nel dopoguerra, dove Antonio lavora per mantenere la moglie Angelina ed i figli. I ragazzi suonano nella banda della scuola. Quando Maxine ha 12 anni Antonio le compra la sua prima chitarra, mentre Roxy prende lezioni di batteria, piuttosto inusuale per una ragazza all’epoca. Aveva provato a suonare “War Pigs” con il clarinetto ma era rimasta decisamente delusa dal risultato. E’ un concerto dei Sabbath del 1975 con tanto di assolo di Bill Ward a fulminarla sulla via delle pelli. In quel periodo Roxy è suggestionata dal jazz ma si rende conto che la risposta del pubblico al cospetto del rock è assai più vivace e liberatoria, qualcosa che evidentemente il jazz non riesce a scatenare.

Le sorelle si incaponiscono a voler formare una band e iniziano delle audizioni. Al termine della selezione i prescelti sono due sciamannati rispondenti ai nomi di Chris Doliber (per il basso) e Bret Kaiser (al microfono, il “frontman”). Roxy e Maxine uniscono la X che hanno nel nome et voilà, nascono i Madame X (1981). Inizialmente suonano dal vivo eseguendo cover dei loro idoli. Il primo contratto arriva a seguito di uno show incandescente a Hollywood al quale assiste un agente della Jet Records che segnala la band al boss dell’etichetta (Don Arden, nientemeno che il patrigno di Ozzy Osbourne). Oltre alla musica i Madame X si propongono con un fortissimo impatto visivo sul palco, coniugando forma e sostanza, già consapevoli che il confine tra sound e spettacolo è qualcosa di ineludibile se suoni su un palco dalle parti di Hollywood. Per loro stessa ammissione l’offerta di incidere un album d’esordio arriva forse troppo presto, i Madame X avrebbero avuto bisogno di farsi ancora le ossa, rodarsi e costruirsi, ma i treni vanno presi al volo, dire di no alla fortuna è pericoloso. Come produttore viene loro assegnato Rick Derringer, leggenda delle sei corde (autore della celebre “Rock And Roll, Hoochie Koo”) con una lunga e prospera carriera alle spalle, compresa le collaborazioni con i fratelli Johnny ed Edgar Winter e con gli Steely Dan. Durante le registrazioni ci sono anche Carmine Appice e Robin Zander dei Cheap Trick in studio. I Madame X si sentono abbastanza sotto pressione ma danno il meglio che possono dare all’altezza del 1984.

“We Reserve The Right” mette assieme la muscolarità, la sfrontatezza, l’adrenalina e il party rock di band come Twisted Sister e Quiet Riot con una punta di metallo insidioso e sferragliante di matrice Judas Priest. Grazie all’album la band accompagna Lita Ford per alcune date negli States. Sembra prender piede anche un tour in Gran Bretagna ma il tutto in realtà si riduce ad apparizioni episodiche ancorché memorabili, come un concerto al Marquee con i Motorhead. Quando però i Madam X fanno ritorno in patria le novità non sono positive. La label ha difficoltà finanziarie, Bret Kaiser vuole seguire suo fratello in un altro progetto musicale e lascia i Madame X. Dalla rampa di lancio al parcheggio è un attimo, il gruppo si arena. Si è detto e scritto dei demotape di un secondo album che avrebbe dovuto licenziare sempre la Jet Records con tale John Ward al posto di Kaiser, ma quel che concretamente accade nel frattempo è che Roxy accetta la proposta delle Vixen di suonare la batteria per loro. Riceve una cassetta e sulle prime si dice dubbiosa di far parte di un gruppo solo al femminile, ma poi decide di scommetterci su. Viene sostituita da Marck McConnell. Intanto Ward come è entrato se ne esce ed al suo posto spunta addirittura un certo Sebastian Philip Bierk, che diverrà poi noto alle cronache con l’altisonante cognome di Bach e metterà a ferro e fuoco il New Jersey e l’America capitanando gli Skid Row. All’epoca però era solo un diciottenne dai lineamenti morbidissimi che viveva a casa dei Petrucci, tirato su a lasagne da mamma Angelina. Si narra che un giorno uno dei fratelli Petrucci lo scambiò per una bellissima ragazza, mentre cantava con la sua vocina ed i capelli arruffati gli scendevano lungo il torace nudo. Nonostante vari tentativi di mantenere in vita i Madame X la band non ritrova il bandolo della matassa e quel monicker viene riposto in un cassetto. Dopo il 1984 “We Reserve The Right” conoscerà ben 3 diverse ristampe (2006, 2007, 2011) a testimonianza di un interesse rimasto vivo e perpetratosi nel tempo.

II – Golden FoXes

Le Vixen esistevano dal 1986 e venivano dal Minnesota, Roxy va ad affiancare Jan Kuehnemund (chitarra), Janet Gardner (voce e chitarra) e Share Ross (basso) per il primo omonimo album del 1988. Il successo nell’ambito del filone hair/glam metal del periodo è immediato, il disco raggiunge il 41° posto nella Billboard 200, dietro ci sono la Manhattan Records (divisione della EMI), Richard Marx, reuccio degli anni ’80, assieme ad un’altra pletora di stipendiati come i produttori David Cole (Bob Seger, Melissa Etheridge, Steve Miller, Tina Turner) e Spencer Proffer (Heart, Eddie Money, Beach Boys, W.A.S.P., Vanilla Fudge, Quiet Riot ed altri mille), oltre a Michael Landau e Vivian Campbell come chitarristi ospiti, poi Jeff Paris che porta in dote alcune tracce già comparse sul suo “Wired Up” del 1987 (“Cryin'”, “One Night Alone” e la bonus track per le versioni in cassetta e cd “Charmed Life”), ma anche la bonus track per il mercato giapponese “Give It Away”, sempre farina del suo sacco (attribuita a Geoffrey Leib, il suo vero nome), comparsa sul suo album “Race To Paradise” del 1986. Per quel che vale, il Rolling Stone magazine mette “Vixen” tra i 50 album hair metal più importanti di sempre. Più prosaicamente il disco ottiene lo status di “gold” nel febbraio del 1989 e certamente i due singoli – “Edge Of A Broken Heart”, “Cryin'” – trascinati dai relativi videoclip fanno sfracelli in tv e alla radio. “Vixen” sposta il sound parecchio lontano rispetto a “We Reserve The Night”, l’amalgama delle patinatissime Volpi è meno ruvido e spigoloso di quello che Roxy Petrucci aveva contribuito a plasmare con i Madame X. Ma anche le foto session delle ragazze sono di tutt’altra estrazione rispetto alla imbarazzante copertina di “We Reserve The Night”, che pare una versione hard rock post apocalittica della Famiglia Addams.

Con un debutto così ben accolto un seguito era ovvio, auspicabile e dovuto, ed infatti nel 1990 arriva “Rev It Up”. The times they were a-changin’ avrebbe detto Bob Dylan, il rock dell’America più colorata, cotonata e spensierata stava per subire l’assalto di sofferte riflessioni intimiste e a tratti financo necrofile. Dopo un intero anno speso in tour accanto a Ozzy Osbourne, Scorpions e Bon Jovi, oltre a molti show pure da headliner, le Vixen danno alle stampe il nuovo lavoro “Rev It Up”. Il contributo esterno al songwriting è sempre generosissimo, anche troppo, al punto tale che si levano critiche da parte di chi ritiene che la band tutto sommato non sia poi così abile oltre all’andare sul palco bellamente agghindata e suonare materiale scritto da terzi. Questo tipo di frecce avvelenate fanno il paio con chi aveva sempre guardato di traverso le Vixen in quanto ragazze. Share Ross Pedersen racconta di come puntualmente nelle interviste le chiedessero di chi fossero le fidanzate o se fossero state altre band come magari i Poison o i Motley Crue a scoprirle (in ogni senso) e proporle ai discografici. L’approccio era abbastanza avvilente e le Vixen dovevano dimostrare di essere brave e capaci il doppio rispetto ai colleghi maschi. Nulla di nuovo, nemmeno nel rivoltoso ed anticonformista mondo del rock. Le vendite di “Rev It Up” non eguagliano il predecessore anche se non si può parlare di fallimento, l’album va molto bene in particolare in Gran Bretagna dove si piazza al numero 20 nella chart nazionale. Le major però non perdonano. Il minor numero di copie, uno scetticismo mai sradicato verso quattro belle donne musiciste, dei dissidi interni dovuti alla direzione musicale da perseguire ed al ricorso massiccio di songwriter esterni (la Gardner soffriva particolarmente questo handicap di autonomia) e – last but not least – un disinteresse crescente verso l’hair metal oramai giunto alle battute finali, fanno si che la EMI scarichi le Vixen. Peccato perché “Rev It Up” è un buon album che mostra una band ancora in uno stato di forma invidiabile. I mesi trascorsi in tour con Deep Purple e Kiss rimangono l’ultimo segno positivo di un periodo che si conclude con lo smantellamento della band.

III – Silver FoXes

E’ proprio Roxy Petrucci che nel 1997 si fa carico di riesumare le Vixen coinvolgendo ancora Janet Gardner, oltre alle nuove Gina Stile alla chitarra e Rana Ross (delle Phantom Blue) al basso. Le ragazze si sgranchiscono le ossa andando in tour e poi danno seguito alla discografia aggiungendo un terzo tassello inedito con “Tangerine” (1998) per CMC International negli USA e Eagle in Europa. I fan tradizionalisti lo considerano a fatica un album ufficiale delle Vixen, trattandosi di una formazione variata per 2/4, ma soprattutto per via di sonorità molto lontane da quella a cui erano abituati, sperimentali ed evidentemente interessate più al rock alternativo che all’hair/glam. Jan Kuehnemund scatena gli avvocati in quanto detentrice del nome e obbliga la band a smettere di usarlo. Secondo una versione la chitarrista avrebbe voluto farne parte ma non ne era stata informata, secondo una diversa ed opposta invece non ne aveva alcuna intenzione. Fatto sta che almeno grazie a “Tangerine” le sorelle Petrucci si riuniscono, poiché nel tour dello stesso anno della pubblicazione Maxine mette la propria ars chitarristica (elogiata e celebrata da molti colleghi a cominciare da Billy Sheehan, con il quale poi collaborerà) a disposizione della band sui palchi americani. Un secondo tentativo di reunion avviene nel 2001 stavolta ad opera della fondatrice Kuehnemund, con Janet Gardner, Roxy Petrucci e una nuova bassista, Pat Holloway. Strano a dirsi ma tra le ragazze tira una brutta aria… del resto appena 3 anni prima se le erano date di santa ragione a colpi di carte bollate. Risultato: tutte fuori tranne la Kuehnemund, la quale recluta altre soldatesse per portare a termine un tour e pubblicare addirittura ben due lavori nel 2006, il live “Extended Versions” registrato in Svezia e “Live & Learn”, che a dispetto del titolo diventa il quarto (ed ultimo) studio album delle Vixen. Anche in questo caso si fa fatica ad inquadrarlo come un disco a tutti gli effetti delle Vixen poiché di fatto è un album della Kuehnemund con tre gregarie, sebbene a livello di sonorità sia meno provocatorio di “Tangerine”, ma anche alquanto più spento rispetto agli esordi.

Nel 2004 il canale VH1 offre alla line-up originale di performare uno show celebrativo. Potere dei soldi. Accade, viene registrato e trasmesso in tv a novembre. Con l’occasione, siccome mai niente succede per caso, la Capitol (divisione della EMI) ristampa i primi due album. Le Vixen tuttavia sono due famiglie separate in casa, su di un versante pare fossero discretamente avanti i lavori per un seguito di “Live & Learn” (anche se di fatto poi il progetto non si concretizzerà), sull’altro lato del fiume le Vixen senza Kuehnemund proseguono sotto il monicker (un po’ da cover band) JSRG, mutuato dalle iniziali delle musiciste coinvolte – Janet/Share/Roxy/Gina – ma non approdano a nulla di concreto. Si dice che che la formazione originale stesse per riappacificarsi un’altra volta proprio quando sulla Kuehnemund piomba una diagnosi di cancro. Il 10 ottobre 2013 muore all’età di appena 59 anni. Tanto tragicamente quanto cinicamente la perdita libera il marchio Vixen da ogni zavorra legale e consente alle superstiti di continuare “nel nome di” Jan Kuehnemund. Le JSRG diventano le uniche Vixen titolate, con Roxy Petrucci nuova leader. Dopo alcune date nel 2014 tra Stati Uniti, Spagna e Canada, la band annuncia un fantomatico nuovo album. I proclami si trascinano fino al 2019 (nel frattempo Britt Lightning ha preso il posto di Gina Stile), quando la band pubblica “Live Fire”, un concerto arricchito da due tracce bonus, la cover di “You Ought To Know by Now” di Ray Kennedy e una rimasticazione acustica dell’eterno cavallo di battaglia “Edge Of A Broken Heart”. Un minuto dopo Janet Gardner lascia le Vixen e la musica con un annuncio shock su facebook. Altrettanto scioccante è il nome della sostituta chiamata a prenderne il posto, ovvero Lorraine Lewis, la voce, l’anima e la ragione sociale dei Femme Fatale, tra i principali concorrenti delle Vixen negli anni d’oro dell’hair metal americano, nonostante un solo omonimo album all’attivo.

Il battesimo avviene su di un palco in Florida il 9 febbraio 2020. L’amazzone Lewis aveva già avuto modo di conoscere Roxy e la Ross ai tempi del progetto Rocktopuss, uno dei tanti tentativi della Petrucci di stare a galla e tirare a campare nei giorni di magra. Pende sulla testa delle Vixen il continuo rimando del nuovo album e alla fine la montagna partorisce un topolino, nel 2023 la band pubblica una nuova traccia, “Red”, scritta assieme a ben tre collaboratori esterni, Fred Coury dei Cinderella, la songwriter, musicista e performer Carly Robyn Green e Peter Amato. Il tutto per appena 3 minuti e 15 secondi. Al basso c’è Julia Lage, moglie brasiliana di Richie Kotzen, delle vere Vixen sostanzialmente rimane solo la Petrucci. Il pezzo è bellino, il video lanciato urbi et orbi è ammiccante, c’è una quantità stordente di silicone in quei 3 minuti. La Lewis pare perfettamente a suo agio in tale contesto, le signore sembrano divertirsi… e infatti, neanche il tempo di godersela e fantasticare su cosa sarebbero potute essere le Vixen 2.0 con Lorraine Lewis che la Femme Fatale si separa dalle sorelle acquisite ringraziandole del tempo passato assieme (quattro anni scarsi). Roxy Petrucci non si perde d’animo e tampona la situazione promettendo che la band andrà avanti e che l’ennesima frontwoman è già sul nastro trasportatore. Da dieci anni deve oramai arrivare un nuovo mitologico album che a questo punto credo potrebbe intitolarsi tranquillamente “Chinese Democracy”.

IV – Full Force Rockin’ MaXine

Accantonati i Madame X, tentata la fortuna attorno al 1992 con le Hell’s Bell’s assieme alla sorella Roxy e a Lenita Erickson (che qualcuno ricorderà per l’omonimo album del 1996), e dopo aver messo un piede nelle Vixen periodo “Tangerine” nel 1998, Maxine prova a costruirsi una carriera per conto suo auto intestandosi una band alla maniera di Eddie Van Halen. Nel 2005 pubblica l’album “Titania”, il cui artwork la ritrae in guisa di sexy farfalla grazie alla matita della sorella Jenny Petrucci. La label che licenzia l’album si chiama Angelina, come sua madre, ovvero l’album è autoprodotto. La line-up comprende Maxine (basso, chitarra e voce) e Roxy (batteria), tra gli ospiti al basso c’è Paul Petrucci assieme a Billy Sheehan e Mike Pisculli. Nel 2008 è la volta di “Don’t Hate Me”, Roxy si affaccia solo su un paio di tracce, per il resto alla batteria c’è Charlie Glover e Paul è nuovamente ospite su un pezzo. Il progetto è tutto appannaggio di Maxine, questa è casa sua, scrive, canta, suona e sta in copertina assieme alla sua chitarra, con un’espressione un po’ sorniona e interrogativa che sembra chiederci: “embè… cosa mi manca?“. Oggettivamente nulla perché sia questo album che il precedente sono due pregevoli esempi di heavy metal guitar-oriented, Maxine è una validissima strumentista ed anche una songwriter con qualche buona idea nel pentolone. Magari sarebbero serviti più soldi, una vera label, un bel cast di musicisti (soprattutto un cantante di spessore) ed un team produttivo all’altezza di vendere adeguatamente il prodotto, ma la polpa c’era senza dubbio. Terzo ed ultimo lavoro (ad oggi) a portare la sua firma è “Back To The Garden” (2013), con una line-up minimamente più nutrita, ovvero Pat DeLeon alla batteria e Pete Hopersberger alle tastiere, entrambi accomunati dalla militanza nei Mellotrön e negli Imminent Sonic Destruction.

Nel 2017 un po’ a sorpresa risorgono dalle ceneri, anzi dal cassetto dove erano stati chiusi, i Madam X addirittura con formazione originale al gran completo: Petrucci, Petrucci, Doliber, Kaiser. Dodici tracce nuove di zecca più un omaggio all’anthem “High in High School” che viene riproposto in versione anni 2000, oltre ad un’orrenda copertina in computer grafica che ritrae la band sotto forma di quattro diavolacci e la EMP Label-Group a produrre il dischetto, ovvero Dave Ellefson a firmare il contratto e Michael Wagener e Mark Slaughter rispettivamente alla produzione e al mixing. C’è spazio per riferimenti ai Kiss (“Detroit Black”), ai Motley Crue del periodo “Theatre Of Pain” (“Wish You Away”), persino una certa vigoria thrash sparsa qua e là, e una conclusiva “Bride Of Frankenstein” che non sfigurerebbe in mano ai Death SS. Davvero ottimi gli assoli che Maxine dispensa lungo l’intera scaletta. Janet Garner è ospite nella traccia “Freak Parade”.

V – Van Petrucci

Quella delle sorelle Petrucci è una storia curiosa e affascinante, e soprattutto non ancora conclusa. Mi è sempre piaciuto pensare a loro come ad una ideale versione al femminile del duo Alex ed Eddie Van Halen (con tutte le precauzioni del caso, ben inteso). Due fratelli e due sorelle, due europei (olandesi) trapiantati in America e due europee (italiane) trapiantate in America, stessi strumenti, batteria e chitarra, stesso genere di riferimento, l’hard rock, pur con tutte le ovvie differenze e le sfumature. Certo, la statura delle due coppie diverge fortemente, Eddie Van Halen ha praticamente creato un modo di suonare la chitarra, ha influenzato centinaia di chitarristi (tra i quali probabilmente anche Maxine), ha scritto album immortali ed ha lasciato un vuoto incolmabile; Maxine Petrucci è una bravissima chitarrista che ha verosimilmente influenzato molte ragazze chitarriste che hanno visto in lei un modello ed un punto di riferimento, non è stata uno spartiacque nel genere rock né ha pubblicato dischi epocali, ancorché assolutamente validi e godibili. Roxy ed Alex hanno entrambi dimostrato di possedere uno stile riconoscibile ed una discreta presenza scenica; ovvio, suonare nei Van Halen accanto ad un Dio generava tutt’altro feedback, ma anche condividere la ribalta con tre bellissime donne nel mondo del rock ‘n’ roll non era esattamente all’insegna dell’understatement. Roxy ad un certo punto tentò di entrare nella squadra di uno che Eddie Van Halen lo conosceva bene, David Lee Roth, ma non ce la fece, il posto andò a Gregg Bissonette (più bravo o meno impegnativo rispetto ad una batterista donna? Che poi… impegnativo per chi, per Roxy avere a che fare con David o viceversa? Ai posteri l’ardua sentenza). Oggi le sorelle Petrucci condividono un progetto chiamato VIP Aftershow che ha già pubblicato singole canzoni qua e là.

Anche quella delle Vixen è una storia curiosa e a suo modo affascinante. Tra le prime movers in ambito hard rock come band tutta al femminile, sono sicuramente tra quelle che hanno venduto più album (parliamo di milioni certificati); parevano avere tutto per durare a lungo, bellezza, bravura, magnetismo ed una major alle spalle. Delle Vixen non si ricordano beghe riguardo all’abuso di alcol e droghe, una band pulita, eppure le difficoltà vennero tutte dai rapporti con le label, i management, i songwriter esterni, i dissidi interni e con la stampa, croce e delizia di una band bella e sexy.

Discografia Relativa

Madam X

1984 – We Reserve The Right To Rock
2017 – Monstrocity

Vixen

1988 – Vixen
1990 – Rev It Up
1998 – Tangerine
2006 – Live & Learn
2023 – Red (non album single)

Maxine Petrucci

2005 – Titania
2008 – Don’t Hate Me
2013 – Back To The Garden

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NUCLEAR ASSAULT: NON PLUS ULTRA

Marco Tripodi — Fri, 15 Mar 2024 16:04:19 +0000

“Dalla cima della torre di raffreddamento della centrale nucleare il mondo sembrava sulla rovina, tutto stava per finire, l’apocalisse radioattiva era alle porte, orde di umani famelici si erano ridotti a bestie, scagliandosi gli uni contro gli altri, il cielo era grigio, coperto, indistinguibile dall’asfalto. Era la fine, il giusto epilogo di un’umanità malata e autodistruttiva. Vivere, soffrire, morire, dilaniati da un gigantesco fungo atomico……”

Contenuti:

1. La fusione dei nuclei atomici (1984 – 1985)
2. Vivi, soffri, stai hardcore (1986)
3. Hiroshima (1987 – 1988)
4. Nagasaki (1989)
5. Massa critica (1990 – 1991)
6. C’è qualcosa di anomalo (1992 – 1997)
7. Dopo l’olocausto (1998 – 2022)

1 – La fusione dei nuclei atomici

Istituzionalmente la nascita dei Nuclear Assault viene fatta risalire al buon Dan Lilker estromesso dalla formazione degli Anthrax di “Fistful Of Metal” (1984) che pure aveva contribuito a fondare insieme a Scott Ian, ma che purtroppo doveva fare i conti pure con Neil Turbin, un ragazzo che per Lilker era né più né meno che un psicotico con il quale non andava affatto d’accordo. Al bestione newyorkese le mira canonizzatrici della band andavano già strette, lui aveva la bava alla bocca, la furia belluina nelle vene e probabilmente anche molti pidocchi in testa; detto fatto, reclutato John Connelly, roadie degli Anthrax e suo amico personale, e chiamati a far parte della nuova creatura nascente anche Mike Bogush alla chitarra e il batterista dei concittadini Cities Scott Duboys (quattro demo all’attivo tra il 1983 e il 1985 e l’EP “Annihilation Absolute”), i Nuclear Assault prendono forma nella loro prima incarnazione. “Back With Vengeance” (1985) è il primo demo, un ritorno con vendetta… ma da dove? Da tutto ciò che non era stato possibile fare con gli Anthrax evidentemente. Sette tracce che poi andranno a far parte della discografia regolare della band, compresa la celebre e controversa “Hang The Pope”. I fisici nucleari (ma più che altro scolpiti dalla birra) non le mandano a dire e sin dai primissimi vagiti chiariscono le proprie coordinate musicali; ok il thrash – come accadeva con i cugini Anthrax – ma nessuna velleità vagamente heavy, semmai una esondazione hardcore inarrestabile. Il tutto condito con una urgenza molto punk, canzoni perlopiù brevi, testi attenti al sociale e agli stati d’animo di un’umanità frustrata e vessata, una velocità d’esecuzione alquanto sostenuta rispetto alla media. Siamo dalle parti dei Discharge e dei G.B.H., siamo ai prodromi del crossover che tanto furoreggerà a breve e al quale gli Anthrax avevano senz’altro dato una bella botta di avvio. “Live, Suffer, Die” arrivo l’anno dopo (circolato anche con differente scaletta e con il titolo di “Nuclear Assault”) e già Lilker e Connelly si sono sbarazzati dei compagni di line-up (Bogush troppo coinvolto dagli obblighi familiari, Duboys troppo spigoloso di suo); ora contano sulla forza lavoro di Anthony Bramante alla chitarra e Glenn Evans (dei T.T. Quick) alla batteria, destinati a cementare la golden age dei Nuclear Assault con il loro apporto fondamentale alla fisionomia definitiva del gruppo. Anche in questo caso tutte le tracce della cassetta verranno poi riversate nelle scalette ufficiali, con la sola “Demolition” che apparirà unicamente sull’EP “Brain Death” e più avanti nel “Live At CBGB’s” (2014). Contestualmente alle incisioni, sin dal 1984 la band inizia ad esibirsi dal vivo.

II – Vivi, soffri, stai hardcore

“Live, Suffer, Die” (che poi è un pezzo strumentale di appena un minuto) ha un titolo che è già un manifesto politico, vivere soffrire e morire è ciò che accade in un regime consumistico, ad alto tasso capitalistico e iper liberista, come gli Stati Uniti dei Nuclear Assault. In quel capitalismo però la band è immersa e proprio grazie al demo si guadagna il contratto con Combat Records che il mercato le offre, multi album per altro. E’ la scintilla per gettarsi a capofitto nella registrazione di “Game Over”, primo full-length dei Nuclear Assault, anticipato dal singolo (o EP che dir si voglia) “Brain Death”. Ad Alex Perialas viene affidata la fase produttiva, a Ed Repka l’illustrazione della copertina, e i quattro entrano in sala prove motivati a far esplodere tutti i megatoni che hanno in canna, onorando il proprio monicker. “Game Over” viene accolto bene e la band guadagna subito consenso, status e reputazione. Conosco molte persone che lo considerano il miglior parto di casa Nuclear Assault. Personalmente, pur reputandolo un album gradevolissimo, non riesco a collocarlo così in alto all’interno della loro discografia perché penso che il meglio in casa dei newyorkesi fosse ancora da venire (….e che “meglio”!). I Nuclear Assault battono subito il ferro caldo e in pochi mesi mettono sul mercato l’EP “The Plague” (stavolta con artwork curato da Gerald McLaughlin e produzione di Randy Burns). Sei tracce per ventidue minuti, non molto meno di un album cosiddetto “regolare” della band. I Nuclear Assault stanno crescendo, release dopo release, canzone dopo canzone, si stanno incazzando, stanno per rovesciare addosso al pianeta una colata di thrash metal e uranio impoverito che segnerà per sempre il genere ed il cuore dei suoi estimatori.

La cosa interessante della band è che ogni album pubblicato negli anni ’80 ha la sua fetta di persone che lo ritengono il migliore mai stampato dai Nuclear Assault; al di là di come la si pensi e di quali siano le preferenze soggettive questo sta a dimostrare il livello altissimo dei dischi dei newyorkesi. A livello testuale il calderone nel quale pescano i ragazzi è ancora piuttosto puerile, per metà i pezzi giocano col Male, il Maligno, chirurghi pazzi e cannibali (“Sin”, “Stranded In Hell”, “Brain Death”), sentimenti neri e livorosi (“Nightmares”, “Betrayal”, “Vengeance”), altrimenti è tutto un girare attorno all’apocalisse nucleare con retrogusto bellicista (“Radiation Sickness”, “After The Holocaust”, “Nuclear War”, “The Plague”). Lilker è quello che ama ascoltare band come Possessed, Bathory e Hellhammer (la prima incarnazione dei Celtic Frost), fosse stato per lui i Nuclear Assault sarebbero assomigliati assai più ai Venom che agli Anthrax, ma Connelly è cresciuto come un irlandese cattolico e non ama affatto una certa spiccata “artificiosa irreligiosità” del metal (come cantano i Benediction). Tuttavia non mancano improvvide fiammate di umorismo nero e nichilista come in “Hang The Pope”, “Mr. Softee Theme”, “My America” e soprattutto “Butt Fuck”, ispirata al fattaccio della morte di Razzle (Hanoi Rocks) dovuta alla guida in stato di ubriachezza (e chissà cos’altro) di Vince Neil (Motley Crue).

III – Hiroshima

Grazie a quanto pubblicato sin qui l’Assalto Nucleare cala addirittura sull’Europa nel 1987 assieme a Agent Steel e Atomkraft. Il giocattolo comincia a funzionare, le cose si ingrandiscono, c’è prospettiva e l’accordo con Combat inizia ad andar stretto alla band, si passa a I.S.R. Records (sotto l’egida della Universal). Ironia della sorte, uno dei fondatori della label, Miles Copeland III, è il figlio di un’agente della CIA, uno di quei “poteri forti” contro cui i Nuclear Assault idealmente si scagliano nelle loro canzoni, oltre che il nome scelto (non a caso) da Glenn Evans per la sua creatura parallela ai Nuclear Assault. Label piuttosto atipica per una thrash metal band poiché nel proprio roster contava perlopiù gruppi indie, new wave, alternative e cosiddetti college rock, vedi Bangles, Buzzcocks, Belinda Carlisle, The Cramps, Fine Young Cannibals, The Lords Of The New Church, Gary Numan, R.E.M., Wall Of Voodoo, ma anche i Black Sabbath dell’era Tony Martin, i Dead Kennedys e i Mekong Delta, per dire. Con la I.R.S. arriva “Survive”, prodotto da Randy Burns, un album che segna la svolta definitiva in casa Nuclear Assault, quella della consacrazione. Altro non è che un “Game Over” 2.0, migliorato e sublimato in tutto, uno di quei dischi thrash da avere per capire e definire il genere, un caposaldo attorno al quale gira l’intero filone. L’album raggiunge la 145° posizione nella Billboard 200 americana, non male per essere un titolo così estremo e di nicchia. Apre alla band anche una serie di concerti per un totale d 180 giorni, come supporting act degli Slayer, oltre poi agli Acid Reign. Rispetto a “The Plague” il sound si chiude un po’ a riccio, screma qualche timido tentativo progressive e torna a picchiare duro senza tentennamenti. Il mondo sta andando alla malora, le torri di quelle centrali nucleari raffigurate in copertina si stanno sgretolando sotto i nostri occhi e a breve non ci sarà più nulla da fare. Il peggio è che l’apocalisse sarà del tutto meritata e quindi catartica. I Nuclear Assault sono qui per dircelo senza la minima intenzione di indorare la pillola.

Anticipato dai singoli “Fight To Be Free” (nemmeno il miglior pezzo in scaletta) e dalla coraggiosa cover dei Led Zeppelin “Good Times, Bad Times”, “Survive” mette d’accordo tutti, abbiamo dei seri contendenti alla corona della East Coast – il trono degli Anthrax traballa – e forse del thrash metal mondiale e americano. La track-list sciorina uno dopo l’altro delle mazzate micidiali ma soprattutto incredibili qualitativamente parlando, “Rise From The Ashes”, “Brainwashed”, “F#”, “Survive”, sono tutti pezzi degni di far parte del repertorio classico Nucleare. “Fight To Be Free” con il suo incipit drammatico e più riflessivo rispetto allo standard ha il compito di incuriosire il pubblico, predisponendolo adeguatamente alla carneficina che poi si compirà in appena 31 minuti. Anche il lato B (come si sarebbe detto una volta) si rivela interessante ma anche variegato, “Great Depression” è una bomba, “Wired” ritmicamente sta più dalle parti di “Fight To Be Free” ma ha delle linee vocali piuttosto stranianti, “Equal Rights” e “Technology” corrono sempre a rotta di collo. Le danze si chiudono con l’omaggio agli Zeppelin particolarmente riuscito poiché i Nuclear Assault riescono nel duplice risultato di non sfigurare l’originale sebbene lo iniettino di una cattiveria acida che lo elettrizza alquanto. Tonnellate di Anthrax e S.O.D. sono riversate in queste tracce, la matrice è comune, c’è tanta ironia, mosh, thrash immediato e senza fronzoli, ma i Nuclear Assault non sono mai rozzi in modo fine a se stesso. La tecnica esecutiva c’è anche se non viene messa in evidenza, non c’è ruffianeria, non c’è autocompiacimento, non c’è sfoggio, gli strumenti devono servire al messaggio e non viceversa. Immancabili le tracce ultra fast, i divertissement di Connelly e Lilker come “Got Another Quarter” e “PSA” che insieme fanno appena 30 secondi. Su tutto ciò si spalma il cantato di Connelly talmente peculiare ed unico da essere riconoscibile in tutto il panorama thrash. La sua timbrica è stridula, raggiunge picchi molto alti ma sempre col filo spinato attorno alle corde vocali, spesso e volentieri sembra usare quasi un tono interrogativo, il suo fraseggio termina con dei punti interrogativi ideali e sottintesi che mettono a disagio l’ascoltatore perché lo fanno sentire inquisito, scomodato, tirato in causa, costretto a riflettere.

IV – Nagasaki

Il momento di forma è incredibile e i Nuclear Assault ne approfittano per pubblicare il terzo album, “Handle With Care” (1989), sempre prodotto da Burns ma pubblicato dalla newyorkese In-Effect (parente della Relativity). Tutto si amplifica, miglior piazzamento nelle charts (126° nella Billboard 200 e 60° in UK), tour con Testament e Savatage perfino in Giappone. “Critical Mass” è il pezzo incaricato di presentare il disco al mondo ed è un centro assoluto del bersaglio, canzone fantastica, video intrigante, un tiro micidiale, i Nuclear Assault al loro meglio. Se “Survive” era da 9,5, “Handle With Care” tocca il 10, la perfezione assoluta. A parere di chi scrive uno dei tre migliori album thrash di tutti i tempi. Sul podio olimpionico assime (sempre secondo il sottoscritto) a “No More Color” dei Coroner e “Alice In Hell” degli Annihilator, un terzetto tutto made in 1989, evidentemente l’anno definitivo del thrash. “Handle With Care” è trascendenza, non c’è una singola nota fuori posto, il canone Nuclear Assault sublimato al suo livello massimo, oltre non era umanamente possibile andare. “Torture Tactics” è forse l’unica traccia leggermente sotto tono rispetto al resto (pur veicolando un pesante sarcasmo sui nazisti, soprattutto quelli di ritorno, come quelli da barzelletta presenti nei Blues Brothers, qui omaggiati col sample “The svastika is calling you“), ma stiamo parlando di un pezzo che farebbe ottima figura su qualsiasi album di qualsiasi altra thrash band. Molto divertente “Funky Noise” che annusa e ripropone il clima funky metal che si respirava in giro in quegli anni (Morded, Atom Seed, Scat Opera, Living Colour, Scatterbrain, Ignorance, Infectious Grooves, etc), e del resto Lilker lo ha sempre avuto nelle sue corde. “Mother’s Day è l’altra traccia con la funzione di ustionare chiunque si ponga all’ascolto con i suoi 31 folli secondi di durata. E tanti auguri a tutte le mamme. “New Song”, “F# (Wake Up)”, “When Freedom Dies”, “Search And Seizure” sono il meglio del repertorio dei Nuclear Assault, il vertice della loro discografia, personalità e maturità compositiva senza per questo perdere un’oncia in violenza e indignazione. L’ecologismo, il pacifismo, l’anticapitalismo, la ribellione, i diritti civili e l’anarchia sono le stelle polari del discorso portato avanti dal gruppo, il puntello di ogni loro testo, anche il più controverso e mordace. A quest’epoca risale la registrazione del “Live At The Hammersmith Odeon”, pubblicato nel 1992 da Relativity Records ma catturato dal vivo il 10 aprile 1989 in una serata londinese assieme a Dark Angel, Candlemass e D.A.M.

V – Massa critica

I Nuclear Assault sono esausti, dal 1986 non si sono fermati un attimo, uscendo dagli studi di registrazione per andare sul palco e poi fare immediatamente ritorno in studio senza soluzione di continuità. La band è al suo apice ma i ragazzi sono stanchi, esauriti e triturati. E notoriamente l’arrivo del successo (cioè anche dei dollari) porta con sé anche le prime crepe. È iniziata la ridda dei progetti solisti, Connelly con i suoi John Connelly Theory, Evans con i C.I.A. nei quali coinvolge comunque Lilker, Bramante e Connelly. Si respira aria di smobilitazione e cambiamento. L’arrivo del nuovo decennio soffia uno strano vento in faccia ai musicisti metal. “Out Of Order”, titolo quasi profetico e con dei tratti psicanalitici (per non parlare della copertina terribilmente anonima), subisce un parto travagliato. Connelly appare del tutto disinteressato, canta solo in 5 canzoni su 10 e suona appena su “Quocustodiat”, forse anche su “Preaching To The Deaf”, Lilker e Evans devono fare tutto il resto, come dei jolly tappabuchi. Alla produzione si siede lo stesso Evans coadiuvato da Casey McMackin (coinvolto in “Peace Sells… But Who’s Buying?). Evans è forse quello più coinvolto nell’album a 360 gradi, dalla scrittura, all’esecuzione, alla produzione. Stavolta la cover attenzionata è degli Sweet con “Ballroom Blitz” ma l’effetto non è lo stesso che con i Led Zeppelin…. decisamente no. Se “Survive” era stato l’esaltazione dei Nuclear Assault e “Handle With Care” a sua volta l’esaltazione di “Survive”, “Out Of Order” è il ridimensionamento di quel canone, la band è riconoscibile, sono loro ma non al loro meglio, con un tono più dimesso e spuntato, anche se non così mediocre come magari vi sarà capitato di leggere da qualche parte a proposito dell’album. Il peggio deve ancora venire. Il pubblico sente la differenza e premia decisamente meno l’album. Curiosa la scelta di assegnare a “Save The Planet”, un pezzo strumentale lungo oltre sei minuti (un’eternità per i Nuclear Assault), il vessillo della causa ambientalista tanto cara alla band. Con “Out Of Order” si rompe qualcosa dentro i Nuclear Assault, col senno di poi si tratterà purtroppo di un landmark (negativo) che segnerà indelebilmente la carriera dei nostri. L’epoca d’oro è finita, da qui in poi si naviga a vista e la band sta per pubblicare le sue prove più modeste, anzi peggio… inutili.

VI – C’è qualcosa di anomalo

Se si osserva da vicino la line-up di “Something Wicked” salta subito all’occhio che Bramante e Lilker non sono più della partita, sostituiti rispettivamente da Dave DiPietro e Scott Metaxas, entrambi avvicinati per merito di Evans poiché il primo era suo compagno d’armi nei T.T. Quick ed il secondo nei C.I.A.. L’album ricorre a qualche ospitata non particolarmente di lusso, come Ray Gillen (Badlands), Micheal Sterlacci (Prophet), Karl Cochran (Ace Frehley, Joe Lynn Turner, Thor), Steve Hunter (Jason Becker). È vero, il 1993 è un anno già di sconquasso per il metal, ma se si pensa che lo stesso giorno di “Something Wicked” nei negozi esce pure “Independent” dei Sacred Reich e che addirittura un anno prima i Brutal Truth del rivitalizzato Lilker avevano pubblicato “Extreme Conditions Demand Extreme Responses”, il confronto è impietoso. A Connelly non sembrava più importare granché dei Nuclear Assault ma evidentemente i propositi di carriere parallele naufragano e dopo tutto i Nuclear Assault potevano continuare a garantire una pagnotta quotidiana. Dunque riecco la band in pista seppur rimaneggiata. L’utilizzo della title-track nel film horror Warlock – L’Angelo Dell’Apocalisse sembra dare una mano a tenere a galla la band, ma secondo il noto adagio let the music do the talking, c’è poco da rallegrarsi in realtà perché il quinto capitolo della casa non ha granché da offrire. Una copertina orrenda annuncia un album di medio livello e la band ci aveva abituato a ben altre vette celesti. Soprattutto ci aveva abituato ad un altro sound perché, rispetto alla furia belluina hardcore punk, qui c’è una certa propensione (ancorché timida) a lidi più grooveggianti e comunque complessivamente più pacati e riflessivi, sebbene sempre oscuri ed irrequieti. Si ritorna in tour e per tutto il 1993 la band si divide tra i palchi di qua e di là dell’oceano Atlantico. Al rientro a casa la formazione si compone di Dave Spitz degli Anthrax al basso e del figliol prodigo Bramante, pronti per altre date live fino al 1995. In quell’anno, dopo un tributo ai Venom con il pezzo “Die Hard” che finirà su una compilation, il motore dei Nuclear Assault si ferma. Nel 1997, la line-up originale si ritrova per una sera nel New Hampshire, seguono altri due show nel New England con Eric Paone al basso al posto di Lilker e poi è di nuovo game over.

VII – Dopo l’olocausto

Salto temporale al 2002, quando ancora una volta la formazione classica si rimette assieme per suonare al Wacken e al Metal Meltdown, e dare alle stampe un live registrato nel Massachusetts, rigorosamente basato sul repertorio anni ’80 (“Alive Again” su Steamhammer). L’attività live prosegue alacremente, Bramante se ne va, sostituito da Eric Burke dei Lethargy, e i Nuclear Assault suonano in Europa con Testament, Death Angel, Exodus e Agent Steel. L’appetito vien mangiando e alla band viene pure il capriccio di riprovarci sul serio con un nuovo album, il primo in dodici anni di assenza discografica. “Third World Genocide” se lo accaparra la stamperia della Screaming Ferret Wreckords nel 2005 e vede il solo Bramante mancare all’appello della prima ora, nonché Evans ancora in veste di produttore. I Nuclear Assault non lo sanno (o forse lo sanno?) ma “Third World Genocide” sarà l’ultimo album della band. Non avevano granché da aggiungere e da dire nel 2005, appare chiaro ascoltando “Third World Genocide”. Il loro sesto album diventa il terzo consecutivo a non soddisfare le aspettative; nulla può inficiare quanto di spettacolare realizzato nella prima metà di carriera ma certo rimane l’enorme mistero di come un così alto potenziale sia stato dilapidato, bruciato, sperperato da parte di un gruppo che poteva essere il migliore di sempre. Lo dico senza girarci tanto intorno, i Nuclear Assault tra il 1988-1989 sono per chi scrive al climax assoluto del thrash metal, forse la miglior metal band al mondo in quel momento in quel genere, con buona pace dei Metallica, degli Slayer e di tutti i thrasher che al cospetto di questa affermazione si staranno strappando le borchie dal chiodo. Senza voler scatenare guerre di religione (non dovete necessariamente condividere), i Nuclear Assault hanno lungamente regnato incontrastati nei giardini di Elder’s Orient e questo dovrebbe far capire quanto amara sia stata la loro caduta per chi scrive. Immediatamente dopo la release dell’album i Nuclear Assault pubblicano un dvd (“Louder, Faster, Harder”) e suonano dal vivo ancora, ancora e ancora, andando in Europa, in Giappone, in sud America e ovviamente negli Stati Uniti. Andrà avanti così fino al 2013, quando viene annunciato un ennesimo album per il 2015. Nel giugno di quell’anno effettivamente qualcosa accade, si tratta dell’EP di quattro tracce (e dalla orrenda copertina) “Pounder”, inciso per l’etichetta fondata da Evans, Sidipus Records; un ritorno abbastanza plateale al vecchio sound senza averne più l’urgenza. Per presentarlo dal vivo il gruppo si imbarca in un tour che lo tiene occupato fino al 2016. Sporadicamente i Nuclear Assault continuano ad esibirsi dal vivo fino al 2022, ma sin qui nessun full-length ha fatto seguito all’EP, anche perché nel novembre del 2022 la band formalizza ufficialmente il proprio scioglimento.

Discografia Relativa

1986 – Game Over
1987 – The Plague (EP)
1988 – Survive
1989 – Handle With Care
1991 – Out Of Order
1992 – Live At The Hammersmith Odeon (live)
1993 – Something Wicked
2003 – Alive Again (live)
2005 – Third World Genocide
2015 – Pounder (EP)

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La Mia Storia Con I Death SS

Marco Tripodi — Fri, 29 Sep 2023 08:31:07 +0000

Questa non è la storia dei Death SS, l’ennesima. Non solo esiste già un libro con quel nome, scritto dal più titolato a raccontarla, ma da decenni oramai è stato detto, narrato, dipinto e fotografato di tutto a tema Death SS, ricominciare da capo sarebbe noioso e presuntuoso, e decisamente meno ricco di aneddoti, retroscena e prelibatezze rispetto a chi ne sa più di me. Allora di cosa si tratta? Della mia storia dei Death SS, anzi con i Death SS, una fetta importante, fondamentale, imprescindibile della mia formazione musicale, che mi accompagna suppergiù dal 1989 e che ancora procede al mio fianco.

Contenuti:

1. Violet Overture
2. La messa di Natale del 1989
3. Demons on the highway to hell
4. Don’t Panic!
5. Heretics
6. Song of adoration

1 – Violet Overture

Io sono cresciuto con i Death SS ed è stato meraviglioso farlo in un’epoca nella quale internet non c’era, e anche quando poi è arrivato la velocità di connessione è rimasta a lungo inchiodata ai 56k, quindi davvero un altro mondo rispetto ad oggi. Non c’era Youtube per correre a vedere i video ed i concerti filmati con le camere ultra performanti di smartphone ultra performanti, non c’erano le webzine ma solo le riviste cartacee, poche e mal distribuite nelle edicole, e di certo alla radio non passavano il metal, men che mai gli oltraggiosi e blasfemi Death SS. Scoprirli in un contesto del genere, praticamente alla cieca, al buio, è stato impagabile ed ha certamente aggiunto valore al rapporto viscerale che ho instaurato con la band. Vi suona terribilmente boomer tutto ciò? Beh è scritto in premessa, questa è la mia storia dei Death SS, quindi nessuna pretesa universalistica o di stringente attualità, questa non è avanguardia semmai retroguardia, e quando un giorno racconterete ai vostri nipoti di come siete cresciuti con i Vattelappesca Of Steel (scegliete voi il nome della band che più vi aggrada) vi ritroverete suppergiù nella mia stessa identica situazione. Tutto ebbe inizio in un qualunque pomeriggio dopo la scuola, a casa del mio migliore amico Francesco. Intenti a giocare come spesso accadeva a Subbuteo, ci deliziavamo mettendo in sottofondo dischi e cassette, e passando ore a commentarli e a scambiarci pareri, o semplicemente a ricantare a squarciagola le canzoni. Francesco mi faceva ascoltare gruppi nuovi o che a lui piacevano particolarmente. Essendo ancora dei ragazzini, come tutti i novellini avevamo dei conoscenti più grandi e scafati che ci passavano buona musica da imparare per ampliare la nostra libreria di conoscenze.

Quel pomeriggio fu la volta di una TDK dei Death SS, il loro primo album, “In Death Of Steve Sylvester”. Che quello non fosse il loro “primo” album l’ho scoprii tempo dopo. Tenete conto che trattandosi di una cassetta registrata non c’era nessuna immagine correlata, quindi niente copertina dell’album o foto della band, che di per sé avrebbero fatto la loro porca figura. L’impatto con la musica fu diretto e senza mediazioni, e tuttavia affatto semplice per almeno un paio di fattori. La produzione era ruvida ed essendo un “metallaro” da appena un paio d’anni circa, sin lì avevo familiarizzato perlopiù con album ben prodotti ed intellegibili per le mie acerbe orecchie borchiate; c’era inoltre un qualcosa di minaccioso, sinistro ed insondabile che andava chiaramente oltre il suono ed oltre le canzoni in sé (i cui titoli comunque erano decisamente poco rassicuranti). Al di là del piano strettamente musicale veniva evocato dell’altro e anche se non sapevo mettere a fuoco dove il viaggio mi stava portando, l’orizzonte era indubbiamente fosco e nero come nei cimiteri dei film della Hammer. Francesco accompagnava l’ascolto con i racconti ricevuti a sua volta dal suo pusher borchiato, dunque nell’arco di qualche ora prese forma nella mia testa un quadro che si faceva estremamente appetitoso, assai cinematografico e già leggendario, a tal punto che non potetti esimermi perlomeno dal duplicare quella cassetta seduta stante e acquisirla tra i miei dischi da ascoltare a nastro (letteralmente). Impadronitomi dei 52 minuti di “In Death Of Steve Sylvester” dovetti acquistare il vinile originale e lì si aprì un mondo, con quella copertina, quei testi (quelle sgrammaticature anglofone….), quelle fotografie. Il concept dei 5 personaggi horror a coprire l’intero lato A del disco, “Terror” che iniziava la facciata B e che era la canzone più sensazionale di tutti i tempi, praticamente un film dell’orrore messo in musica, la cover necrofila di Alice Cooper (“I Love The Dead”) che pareva scritta apposta per Steve Sylvester, la straniante ed acida litania di “The Hanged Ballad” e poi quella rasoiata affilatissima di “Murder Angels” che chiudeva l’album, e che ad ogni ascolto mi pareva sempre più veloce di quanto ricordassi.

II – La Messa Di Natale Del 1989

Un anno prima era uscita la raccolta “The Story Of Death SS 1977-1984” che era già ammantata di un’aurea di mitologia fiabesca, si percepiva chiaramente che sarebbe diventato un oggetto di culto, un vinile che sarebbe entrato di diritto nel folclore del sottobosco metal italiano. Lo acquistai ed anche lì, ore ed ore a compulsare copertina e retrocopertina, con tutti gli attributi dei personaggi, i simboli, i colori del Vampiro, della morte, della Mummia, dello Zombie e del Lupo Mannaro. E poi il doppio vocalist con le tracce risalenti al periodo del Violet Theatre di Paul Chain con Sanctis Ghoram (alias Piero Gori), completamente diverso da Steve Sylvester come voce ed impostazione ma comunque affascinante. La versione di “Schizophrenic” metteva davvero paura, un’inquietudine ansiogena che ti si appiccicava addosso e non andava via dopo l’ascolto, soprattutto a causa delle concitate vocals di Paul Chain. E che dire delle meravigliose “Chains Of Death” e “Black And Violet”, due vere e proprie opere d’arte nera fatte di pece, tenebra e marmi cimiteriali. Si arriva al 1989 e alla viglia di Natale (il 23 dicembre per l’esattezza) esce nei negozi “Black Mass”. Facevo la seconda liceo e proprio accanto alla scuola c’era un negozio di dischi (il piccolo mondo antico di una volta….). Un giorno che mio padre mi venne a prendere mi feci accompagnare al tempio per scegliere il regalo di Natale. Immaginatevi cosa deve aver pensato il pover’uomo quando riemersi dagli scaffali con quella copertina orgogliosamente stretta tra le mani. Vinile gatefold, Steve Sylvester crocifisso e ritratto a mo’ di Cristo satanico con occhi da rettile, pentacoli ovunque. Dentro – cosa che scoprì solo in un secondo momento – un bel rituale sabbatico rappresentato plasticamente, con donnine nude e feti pronti ad essere sacrificati a zio Lucifero. Perfetto per un quindicenne che doveva santificare la nascita di Gesù. Beh che ci crediate o no, mio padre, cattolico credente convinto, non batté ciglio e alla cassa versò le sue 15.000 lire per Satana, mettendomi amorevolmente una mano sulla spalla come a sancire il beneplacito per il mio regalo. I miei genitori non hanno mai fatto una grinza sul metal, certo non posso dire che apprezzassero, per loro era rumore molesto e a lungo mia madre è stata convinta che sarebbe stata solo una “fase”; cionondimeno non hanno mai ostacolato quella passione ed anzi ricordo pasti conviviali nei quali ero intento a spiegare a mia madre il significato di qualche copertina o l’importanza sociale di qualche appassionato testo thrash metal ambientalista.

“Black Mass” ha una scaletta da urlo, mescola nuovo materiale inedito col riciclo di quello deluxe del periodo con Paul Chain e, a completamento di una track-list impeccabile, un esperimento davvero azzardato e mai sperimentato prima, la registrazione di una vera e propria messa nera. O meglio, i Death SS ne riproducono teatralmente una, con grande attenzione filologica, grazie all’indubbia esperienza occultistica del gran cerimoniere nero Steve Sylvester. Una suite di circa 8 minuti che non si può definire una vera e propria canzone (anche se, in modo abbastanza elementare, nella parte finale lo diventa), ma indubbiamente qualcosa di molto suggestivo. Col tempo “Black Mass” è probabilmente diventato il mio disco preferito dei Death SS, se la gioca con “In Death Of SS”, uno sta sul 9,5 l’altro sul 10 tondo, quindi potete immaginare lo scarto, ma a conti fatti credo sia così; vuoi per la miglior produzione, vuoi per assoli chitarristici splendidi, vuoi per una oggettiva potenza delle canzoni, per altro molto eterogenee e variegate tra di loro. Si passa dal vigore di “Horrible Eyes” e “Cursed Mama” al mellifluo ed obliquo languore di “Welcome To My Hell” – un vero e proprio gioiellino, correttamente accreditato come cover del Violet Theatre, con tanto di sassofono (chiaro tributo ai Black Widow), che poi ritroviamo anche nella suddetta messa nera finale – e “In The Darkness”, strappata con le unghie e con i denti al songbook di Paul Chain e tuttavia resa magistralmente anche dal team Sylvester. Dalla bellezza magnetica del riffing molto classico di “Buried Alive al trucidissimo thrash sguaiato di “Devil’s Rage”, un pezzo che ho faticato a digerire, all’inizio non mi piaceva, mi sembrava troppo rozzo e un po’ buttato lì, quasi al solo scopo estemporaneo di alzare la tensione tra due momenti molto atmosferici come “Welcome To My Hell” e “In the Darkness”. E poi c’è l’inno di reclutamento satanico che apre l’album, quel (bellissimo) “Kings Of Evil” che ha sempre fatto un po’ a cazzotti con le dichiarazioni pubbliche (riparatrici) di Steve Sylvester riguardo al fatto che i Death SS non hanno mai inteso fare proselitismo ma solo inscenare e rappresentare (“Come with us! We are the Kings of Evil! We wanna fight for a new creation! Come with us! In the Satanic Service! We wanna destroy to reconstruct!“). Ehm…. excusatio non petita, accusatio manifesta.

III – Demons On The Highway To Hell

A quel punto io ero già bello e cotto dei Death SS, tant’è che senza indugio mi iscrissi al loro fanclub, primo ed unico fanclub a cui mi sia mai iscritto in vita mia. Questo comportò il ricevimento saltuario di materiale della band come una maglietta, fanzine cartacee assemblate alla bene e meglio, il diploma di afferenza alla sacrilega loggia e parafernalia varie. Le fanzine erano molto divertenti, c’erano fumetti disegnati da Steve, interviste, foto e soprattutto ricordo un decalogo redatto dal vampiro sui suoi dischi preferiti di sempre, equanimemente suddiviso in 5 del passato e 5 contemporanei. Inutile dire che mi gettai alla ricerca di quei dieci titoli come fossero i 10 comandamenti da rispettare nell’ortodossia più assoluta e devo ringraziare Steve per avermi fatto conoscere band meravigliose come Black Widow, High Tide, Monument, Atomic Rooster ed Amon Düül, affatto scontate per un adolescente. Da lì iniziò un altro film della mia discografia, retrodatato agli anni ’70 e tardi ’60, che ancora va avanti con immense soddisfazioni. In quel periodo presi a lavorare alla Contempo Records di Firenze… oddio “lavorare”, andavo di tanto in tanto ad aiutare in magazzino, spostando caterve di dischi e scatoloni da una parte all’altra, e come compenso ricevevo vinili. Il lavoro dei miei sogni, essere pagato in dischi! In quel frangente i Death SS strinsero un accordo contrattuale con Contempo per la pubblicazione del nuovo album, che si rivelò essere “Heavy Demons”. Dunque ne seguì il divenire dall’interno, diciamo così. Presi il singolo “Where Have You Gone?”, il full-length e poi il live album che ne scaturì, il famigerato “The Cursed Concert”, facente riferimento al tour dei primi mesi del 1992 che passò anche da Firenze e alla cui data partecipai da spettatore. E come tutti i paganti assistetti alla deflorazione della burrosa Alessandra Simeone, in arte Lilith, vestita da suora e posseduta sul palco da Steve, la scena ritratta sulla copertina del live.

“Heavy Demons” mi piacque subito ma capì altrettanto velocemente che le cose stavano cambiando. Il sound della band era già diverso, decisamente più metal, più rigoroso nella sua ortodossia, con accenti evidentemente power metal. Era quadrato, era sparita magari qualche sbavatura ed acerbità ma allo stesso tempo era tutto troppo ordinato, troppo perfettino. Canzoni di per sé ottime, anche se mancava la scintilla malvagia degli album precedenti, sembrava un prodotto meno artigianale e decisamente più industriale, meno spontaneo e decisamente più ragionato. Si prefiggeva un proposito, raggiungere programmaticamente un certo pubblico, per tipologia e quantità, alle mie orecchie non suonava più come una libera espressione artistica, anarchica e totalmente priva di recinti, steccati e obbiettivi precostituiti, come si respirava invece in “In Death Of SS” e “Black Mass”, dischi che semplicemente ti esplodevano in faccia, per non parlare del precedente periodo underground risalente fino al 1977. Ripeto, l’album era e rimane un ottimo esempio di heavy metal, ma segnava un cambio di passo. Me lo gustai comunque enormemente, e però si esaurì decisamente prima degli altri, proprio per i motivi su menzionati. La title-track, oltre ad essere una versione edulcorata di “Kings Of Evil”, sembrava tanto una rivisitazione in chiave Death SS dei Kiss, il make-up subisce una decisa evoluzione hollywoodiana, guadagnando in budget ma perdendo qualcosa in genuino e primitivo terrore. Quelle maschere diventano assai più appariscenti e dettagliate ma meno inquietanti, in qualche misura i Death SS si cartoonizzano, il confine che separa la realtà dalla messa in scena si fa più spesso, più netto.

“Heavy Demons” è come pagare il prezzo del biglietto d’ingresso al cinema, arrivati ai titoli di coda il film finisce e le luci si accendono, si torna alla vita di tutti i giorni. Quello dei Death SS era dunque intrattenimento, mentre fino al 1989 pareva trattarsi di un flusso indistinguibile (e per questo sottilmente terrorizzante) di immaginazione e verità sovrapposte in modo inestricabile, indistinguibile. I Death SS erano, ora ci facevano. La band va in tv, sui miseri canali dell’epoca come Videomusic (quello passava il convento), se ne parla sulle riviste e pare che stia per arrivare un po’ di successo internazionale, anche se con esso scatta pure tutta la questione delle “SS” pseudo naziste che in Germania non vengono granché apprezzate. Steve ha sempre sottolineato come si trattasse banalmente delle sue iniziali (l’orizzonte della band era tarato sulla vita e conseguentemente sulla “morte di Steve Sylvester”), mentre credo che da parte di Paul Chain ci fosse qualche velleità provocatoria e reazionaria in tal senso, derivante da uno scomposto ribellismo adolescenziale, un po’ come per le svastiche di Sid Vicious e dei Sex Pistols; fatto sta che la band deve passare al monicker Sylvester’s Death per un (infelice ed infame) periodo della propria esistenza. Inutilmente per altro, visto che il tanto agognato successo all’estero, perlomeno a livello mainstream, non arriverà mai.

IV – Don’t Panic!

Al netto dell’attività live e delle mille pubblicazioni interlocutorie come singoli, demo, compilation e box set, il quarto album istituzionale dei Death SS arriva addirittura nel 1997. “Do What Thou Wilt” è una rivoluzione ancora più marchiana di quella che era stata “Heavy Demons” rispetto a “Black Mass”. Siamo lontani anni luce da quelle sonorità, e più in generale da qualsiasi sonorità mai affrontata dai Death SS. “Do What Thou Wilt” (evidentemente ispirato e dedicato al patron Aleister Crowley) è tutt’altra roba. Anche i muri sanno che ad ogni nuovo album la formazione è cambiata, il che ovviamente non può non aver inciso sulle diverse identità della band. Nel 1997 digerire il disco mi rimase osticissimo, faticavo a capirlo, non mi piaceva granché, qua e là apprezzavo qualcosa ma nel complesso mi pareva una forma di introversione respingente, mi sentivo lasciato ai margini del sound Death SS. La faccio breve, questa diffidenza prosegue fino ai primi 2000, coinvolgendo anche “Panic” e “Humanomalies”, tant’è che neanche comprai gli album in tempo reale ma li recupererò molti anni dopo. Col senno di poi devo ammettere le mie mancanze, ovvero una certa superficialità nell’ascolto. Sarà stato il momento sbagliato, sarà stato il periodo storico che mi portava verso altre sonorità, sarà stato che proprio non ne avevo più voglia, ma il mio approccio a quei dischi fu decisamente sofferto e problematico. Col tempo ho rimediato, soprattutto con “Panic” che è davvero un album notevole ed al cui tour per altro risale l’ultima volta che ho visto i Death SS live. “Do What Thou Wilt” sta un gradino sotto, sicuramente non è il mio disco preferito dei Death SS ma ha un suo fascino che sarebbe un errore negare. Per altro secondo me è l’unico album post 1989 che recupera un autentico sentore luciferino di malvagità latente. Con “Humanomalies” invece non ho mai fatto pace, ho provato ad ascoltarlo e riascoltarlo, gli riconosco un’idea di fondo, una visione, una sua identità precisa, ma semplicemente it’s not my cup of tea. Sono due in totale i lavori nella discografia della band che proprio non sono mai riuscito ad apprezzare, “Humanomalies” come detto e “Rock ‘N’ Roll Armageddon”, a breve dirò perché. Due album su dieci significa che con otto invece è andata bene, pur con differenti gradazioni di “bene”; quindi mi pare non ci si possa lamentare.

Nel 2006 con “The Seventh Seal” riscoppia l’amore per i Death SS, l’album è un parziale ritorno alle origini, anche se Steve non si è mai piegato a queste logiche. Gli va riconosciuto di essersi sempre camaleonticamente prestato allo zeitgeist, di aver vissuto e sperimentato la contemporaneità, di aver voluto sempre indagare, esplorare, innovare e cambiar pelle, anche rischiando in termini di numero di copie vendute. I Death SS non hanno (quasi) mai fatto lo stesso disco due volte, e questo è il coraggio dei grandi, sono sempre stati un’entità in movimento perenne. Dunque anche con un po’ di furbizia “The Seventh Seal” mescola i Death SS classici con il loro sentire del nuovo secolo e millennio, dando forma ad un album molto elegante, valido ed ammaliante, perlomeno alle mie orecchie. Pare di vedere il film Il Presagio, un vecchio classico ma sempre attuale. La scaletta fa sempre centro ma per quanto mi riguarda la sorniona “S.I.A.G.F.O.M.” (Satan is a good friend of mine) e la profonda ed esistenzialista “Another Life” (che tocca le mie corde in modo davvero personale) hanno una marcia in più. E’ grazie a questo disco che mi torna voglia di recuperare quelli più recenti che avevo trascurato, dunque vado a comprarli uno dopo l’altro e mi rimetto in pari, con gli esiti che vi ho già descritto.

“Resurrection” esce nel 2013 e per quell’album partecipo anche all’evento di presentazione alla stampa del disco tenutosi a casa di Federico Pedichini, alias Freddy Delirio, nel lucchese. Un bel ricordo immortalato anche in un selfie assieme a Steve che custodisco nel mio hard disk. Il disco, nel quale ricompare il logo classico della band che ci eravamo persi dai tempi di “Panic”, è molto apprezzabile. D’accordo, sono frattaglie derivanti da diverse occasioni (comprese colonne sonore di film la cui distribuzione poi è saltata) ma assemblate con criterio, tanto che la scaletta sta in piedi, convince ed è piena di ottimi momenti, non si avverte la minima disomogeneità; evidentemente è stato svolto un buon lavoro anche in sede di produzione dell’album. Il videoclip di “The Darkest Night” viene girato dalla Scuola Nazionale di Cinema Indipendente (con base a Firenze) presso la quale nei miei anni universitari avevo frequentato qualche corso come sceneggiatore e operatore audio-video. Una coincidenza curiosa che serve a rinsaldare ulteriormente il mio legame con la band. Ma non è l’unica. Una volta ad esempio partecipando ad un concorso di Metal Shock (per chi se lo ricorda), vinsi 4 cd dei Death SS, ovvero le ristampe Lucifer Rising Records di “In Death Of SS”, “Black Mass”, “Heavy Demons” e “The Cursed Concert”, che pure avevo già in vinile, ma guadagno una manciata di bonus track. La riappacificazione con i Death SS è completa a tal punto che nel 2014 compro anche il singolo “Jingle Hells” nel quale Steve fa coppia con A.C. Wild dei Bulldozer (un altro pezzo del mio cuore), per dissacrare per l’ennesima volta il Natale. Una canzoncina carina, divertente, assolutamente niente di che, ma l’idea di rivedere assieme Steve e Contini come in una vecchia e storica copertina di H/M era irresistibile. Così come è anche assai simpatico che le due band decidano di coverizzarsi a vicenda, con i Death SS che fanno “Fallen Angel” e i Bulldozer che si prendono in carico (ovviamente) “Murder Angels”.

V – Heretics

Dopo il live “Beyond Resurrection” del 2017, l’anno successivo la band dà alle stampe “Rock ‘N’ Roll Armageddon”. Sin da “The Seventh Seal” Steve Sylvester aveva giocato un po’ con l’annuncio della fine del gruppo. Pareva che quell’album dovesse chiudere la storia per sempre, secondo un percorso esoterico autoreferenziale tutto interno alla band quel sigillo sarebbe dovuto essere l’ultimo, come insegna anche Ingmar Bergman. Magari stimolato pure dal buon riscontro di pubblico Steve passerà poi a dire che quel sigillo chiudeva una fase della band, non… la band. Ed ecco che infatti “Resurrection” certifica il ritorno, addirittura in termini di resurrezione, ovvero l’apertura di un nuovo ciclo. Tuttavia i Death SS da qui in poi diradano le proprie apparizioni live, non si può più parlare di veri e propri tour ma di eventi specifici e speciali, favoriti da location adeguate agli spettacoli che la band intende offrire al suo pubblico. Un po’ a sorpresa dunque proprio durante un concerto viene annunciato l’imminente nono album “Rock ‘N’ Roll Armageddon”, che il 7 settembre 2018 diventa ufficialmente disponibile nei negozi. A fronte di una bella e trascinante title-track, e di testi con accenti anche molto prosaici e contemporanei (più maturi?) – come ad esempio in “Slaughterhouse” dove Steve, notoriamente vegano, dà voce alla sua sensibilità per gli animali e pone l’attenzione sulle atroci sofferenze derivanti dalla catena alimentare carnivora – l’album non è mai riuscito a trascinarmi con sé. L’impressione che ne ho ricavato è di una coerente (ma anche un po’ comoda) prosecuzione di quanto già sentito su “Resurrection”, senza però la stessa spumeggiante vitalità. Pure l’artwork è una sorta di variazione sul tema, un’altra tavola del medesimo fumetto, come fossimo semplicemente andati alla pagina successiva. Per la prima volta i Death SS non progrediscono, l’album è assai omogeneo al suo predecessore e tuttavia non ha affatto lo stesso mordente. Alle mie orecchie suona più fiacco, a tratti persino noioso, sembrano canzoni uscite dalle sessioni di registrazioni di “Resurrection” ma che alla fine sono state scartate da quella scaletta. Il mio è ovviamente un parere del tutto personale, anche perché invece ovunque le recensioni all’album sono state stellari, entusiastiche, sperticate, ma mentirei se dicessi di aver provato entusiasmo ogni qual volta ho tentato di cogliere il buono di “Rock ‘N’ Roll Armageddon” rimettendolo nello stereo per cambiare opinione.

Presagendo dunque un sopraggiunto inaridimento della vena creativa dei Death SS, il mio approccio a “X” (anno diaboli 2021) è stato molto cauto e sospettoso. “Zora”, il primo singolo estratto, non mi piacque. Con il secondo, “Temple Of The Rain”, andò decisamente meglio. Letteralmente impossibilitato a non comprare un nuovo album dei Death SS, come spinto da un’entità misteriosa in grado di soggiogarmi, possedermi ed obbligarmi al suo arcano volere, prendo il decimo capitolo di quella sensazionale discografia e lo ascolto tutto d’un fiato, come fosse una messa (nera). Giunto al cinquantesimo minuto, sulle note conclusive di “Lucifer” la gioia è stata incontenibile, “X” è un graditissimo ritorno dei Death SS (o sono io che sono tornato a loro?), un album a mio parere nettamente superiore a “Rock ‘N’ Roll Armageddon”, adorabile ad esempio per le sue nuances synth pop anni ’80 o per i suoi ammiccamenti ad Alice Cooper (come in “Heretics” o la stessa “Lucifer”). Ha un paio di pezzi che non mi fanno strappare i capelli, ovvero “Zora” e “Suspiria”, evocativi quanto ai personaggi tirati in ballo ma non all’altezza dei rispettivi titoli e degli altri brani in scaletta, ma per il resto siamo davvero ad alti livelli. “Ride The Dragon” riallaccia il discorso con “Peace Of Mind” (e infatti c’è sempre lo zampino di Andy Panigada), “The World Is Doomed” è davvero apocalittica, “Under Satan’s Sun”, “Rebel God”, “Temple Of The Rain” (che un po’ a dirla tutta riecheggia “The World Is Doomed”… ma lo hanno fatto anche gli Iron Maiden con “Losfer Words” e “The Duellists” nello stesso disco, o no?) lasciano davvero il segno. Forse “The Black Plague” non è la miglior traccia d’apertura mai concepita dai Death SS ma direi che nel complesso ci sia di che rallegrarsi, la band è ancora in forma, ad averne di altri album così dei Death SS. In effetti non so se avremo altri album, con un ennesimo colpo di scena a febbraio 2022 viene annunciata la dipartita di tre membri, ovvero sezione ritmica e chitarra; intendiamoci, i musicisti sono sempre frullati in casa Death SS, Steve è l’alfa e l’omega di tutto, ma con oltre quarant’anni di carriera alle spalle questi “terremoti” acquistano via via un peso specifico sempre maggiore. Ad aprile tuttavia la squadra è già stata integrata e ricompattata e i Death SS sono pronti per nuove date live e forse nuove battaglie in sala di registrazioni, quindi non rimane che aspettare per scoprire se dopo un “X” ci sarà un “XI” e di che pasta sarà.

VI – Song Of Adoration

In conclusione, un po’ di considerazioni in ordine sparso. “Heavy Demons” è un album adorato da tutti, in molti lo ritengono addirittura il miglior disco della band. A scanso di equivoci, come ho scritto a me piace, so praticamente tutte le canzoni a memoria, ma credo che tanto apprezzamento nei confronti del disco derivi dal fatto che è l’album più “facile” dei Death SS, il più immediato ed abbordabile, il che non ne scalfisce la qualità e tuttavia ne dà una connotazione precisa. Immediatamente dopo, quasi per sfida o per contrappasso, con “Do What Thou Wilt” i Death SS pubblicheranno un lavoro opposto, arcigno, complesso, sofisticato, esclusivo anziché inclusivo, “intellettuale” (mi si passi il termine) ed infatti il riscontro non è stato minimamente paragonabile a quello di “Heavy Demons”. Un album di cui non ho parlato e che invece merita almeno una citazione è la compilation “The Horned God Of The Witches” che Steve pubblica con la sua Lucifer Rising nel 2004, una gustosa ratatouille di pezzi registrati tra il 1977 ed il 1982, in qualche caso anche inediti o comunque di rara reperibilità, che merita assolutamente di far parte della vostra collezione minima di album necessari della band.

I primi lavori dei Death SS sono spesso stati oggetto di ironia da parte di qualcuno per via del budget risicato dei make-up o delle location fotografiche arrangiate, per via della pronuncia (ma anche della sintassi) non sempre oxfordiana dei testi di Steve, prim’ancora della lingua fonetica usata da Paul Chain (banalizzata come la scappatoia di chi non masticava minimamente l’inglese anziché come una forma d’arte); a questo si sono aggiunte le beghe di formazione, i litigi insanabili e le accuse reciproche tra Steve e Paul, le leggende metropolitane, i proclami dei parroci dei paesi dove la band intendeva esibirsi, le battaglie con Monsignor Balducci (al quale i Death SS dedicarono anche una maglietta: “you can’t stop our rock!“), i continui paragoni col coltello tra i denti con King Diamond o magari addirittura con i Venom, eccetera. Tutto ciò ha fatto completamente perdere di vista ai detrattori dei Death SS il focus di quel progetto, la verace, schietta, spontanea carica esoterica della musica dei Death SS, nonché la loro assoluta originalità se rapportata al livello di dedizione verso ciò che stavano facendo. E’ vero, alla fine dei ’70 Alice Cooper ed i Kiss imperversavano con i loro spettacoli eclatanti, ma si trattava di un circo dell’horror, un luna park dichiaratamente tale. Mentre degli Slade o degli Sweet che tanto piacciono a Steve nemmeno si deve parlare, perché il loro trucco ed i loro costumi appariscenti erano tutti volto al glamour. I Black Widow semmai erano un riferimento decisamente più prossimo ed affine a ciò che aveva in mente Steve Sylvester, con i loro sacrifici umani simulati on stage. A tal proposito, eccellenti le cover di “In Ancient Days” e “Come To The Sabbath” con le quali i Death SS hanno inteso omaggiarli.

La verità dei primi Death SS era sconvolgente se pensiamo agli anni di cui stiamo parlando e solo i natali italiani hanno in qualche maniera limitato e azzoppato il portato e la carica dissacrante, destabilizzante, profanatrice ed iconoclasta del progetto Death SS. Io penso che stiamo parlando del più grande e significativo gruppo heavy metal italiano di sempre ed ancora oggi non esiste nessuno che possa strappar loro tale alloro dalla testa. Ciò che hanno rappresentato è andato oltre la musica, oltre il metal, oltre la mera espressione artistica, sconfinando nella cultura, nella filosofia, nella speculazione. E’ anche vero che da un certo punto in poi questa carica spirituale e teoretica si è annacquata fino quasi a spegnersi, o meglio Steve l’ha introiettata, rendendola esclusivamente un proprio percorso intimo e personale, smettendo di applicarla alla band che in qualche maniera si è “normalizzata”, istituzionalizzata, mantenendo il suo peso specifico musicale e discografico ma lasciando che tutto il resto diventasse materia di indagine personale interiore dei membri coinvolti. Ancora oggi i Death SS rimangono una band divisiva, c’è chi li idolatra e li elogia senza se e senza ma, non ammettendo nemmeno mezzo passo falso, mai; e c’è chi li denigra ininterrottamente dal 1992, ovvero subito “Heavy Demons”, come se tutto ciò che è venuto dopo fosse solo spazzatura, una maldestra discografia di un comandante sbandato che ha perso la rotta. Quel che è certo è che i Death SS sono un unicum, una band diversa da tutte le altre e alla quale non si possono applicare le categorie che valgono per tutte le altre. Il discorso è davvero troppo soggettivo, a patto di mantenere di base sempre una certa onestà intellettuale al riguardo, facendo i conti con il sentimentalismo senza che questo oscuri completamente la ragione.

Adoro le interviste di Steve, soprattutto quelle più recenti, trovo che il buon vampiro sia invecchiato bene, le sue riflessioni sono sempre molto razionali, logiche, sobrie, il che pare un ossimoro rispetto ai suoi abiti di scena e probabilmente al furore giovanile costellato di mille imprese più o meno raccontabili (ma del resto non staremmo parlando di rock ‘n’ roll altrimenti). Mi sembra un uomo saggio ed avveduto, profondo culturalmente ed intellettualmente, e mediamente parecchio più intelligente del suo pubblico e di quello metal in generale. Ogni qual volta consiglia o segnala qualche album o disco del passato corro ad ascoltarlo, Steve è un grande collezionista e infatti una volta mi capitò anche di vederlo ad una mostra del disco toscana. Anziché spararla sempre più grossa, come fanno molte rockstar inguaiate dai radicali liberi che con la vecchiaia ossidano le cellule provocando danni, Steve ha mostrato segni di ravvedimento, ha fatto ammenda riguardo al rispetto dei diritti degli animali (qualcuno si ricorderà la copertina del picture disc di “Vampire”) e più in generale è un essere umano molto aperto e tollerante verso gli altri esseri umani, perlomeno questa è l’impressione per chi ha seguito la sua intera parabola sin dagli esordi. Trasmette un’empatia che tanti pii uomini religiosi spesso non sembrano affatto possedere. Un mentore meraviglioso che dopo avermi cresciuto musicalmente ha continuato a farlo su di un piano più squisitamente intellettuale.

P.S. a scopo puramente autopromozionale segnalo che sul blog, per chi fosse interessato, è presente anche un lungo ed approfondito articolo sulla carriera di Steve Sylvester fuori ed oltre i Death SS, lo trovate QUI.

Discografia Relativa

1987 – The Story Of Death SS (1977 – 1984)
1988 – In Death Of Steve Sylvester
1989 – Black Mass
1991 – Heavy Demons
1992 – The Cursed Concert (live)
1997 – Do What Thou Wilt
2000 – Panic
2002 – Humanomalies
1997 – Do What Thou Wilt
2004 – The Horned God Of The Witches (compilation)
2006 – The Seventh Seal
2013 – Resurrection
2018 – Rock ‘N’ Roll Armageddon
2021 – X

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L'articolo La Mia Storia Con I Death SS proviene da The Elder's Orient.

Heavy Pettin: Sotto Il Vessillo Del Leone Rampante

Marco Tripodi — Tue, 30 May 2023 14:28:59 +0000

Secondissima fila del rock, provenienti dal paese meno glamour (musicalmente parlando) del Regno Unito, che invece del rock è spesso stato l’epicentro. La storia degli scozzesi Heavy Pettin è mesta e sfortunata, non ce l’hanno fatta, non ce l’hanno mai fatta… anche se ad un certo punto sembrava stessero per farcela. Invece era il destino che faceva mobbing. Tre album in poco più di un lustro, almeno due dei quali necessari in ogni buona discografia hard ‘n’ heavy che si rispetti. E prima o poi doveva arrivare qualcuno a restituire un po’ di onore e dignità a questi working class heroes…. eccomi qua!

Contenuti:

1. Lettin loose (1976 – 1983)
2. Rock ain’t dead… ’till it’s dead (1984 – 2018)

1 – Lettin loose

La Scozia non è il primo paese che viene in mente per il rock, semmai per le spade roteanti e le teste rotolanti di Highlander o per le eroiche ed impavide imprese di William Wallace. E però, più o meno di nicchia, più o meno elitari, di band ed artisti scozzesi ce ne sarebbero, dai Nazareth ai The Almighty, dagli Strangeways ai Big Country o a Fish, solista e cantante dei Marillon, e poi i Gun, i portatori di cresta The Exploited, i progster Pallas, i Cocteau Twins, i meravigliosi Simple Minds, i Primal Scream, The Jesus and Mary Chain, solo per citare i primi che mi vengono in mente, ognuno declinato nelle sue livree ora più rock, ora più punk, ora più goth, ora più “post”, etc. All’elenco vanno aggiunti gli Heavy Pettin di Glasgow, nati attorno al 1981 come una fenice dalle ceneri di una precedente band, i Weeper, solitamente assegnati al circuito proto NWOBHM. Vi militavano Gordon Bonnar (chitarra), Brian Waugh (basso), Gary Moat (batteria). Questo trio si completa con Steve “Hamie” Hayman al microfono e Punky Mendoza come secondo chitarrista. Il monicker viene mutuato dagli Ufo di “No Heavy Petting” del 1976, i quali a loro volta si rifanno ad un avviso nel quale era facile imbattersi all’epoca nelle toilette pubbliche britanniche (l’amoreggiamento “pesante” non era evidentemente gradito). Il primo demotape risale allo stesso anno di formazione del gruppo e comprende tre tracce. Basta quella cassettina a solleticare l’interesse della famelica Neat Records, la label d’eccellenza della NWOBHM, che propone subito un contratto agli scozzesi. Il primo vagito sotto etichetta è il singolo “Roll The Dice” (1982). Curiosamente non apparirà poi sull’esordio degli Heavy Pettin, la cui scaletta invece ospiterà il lato B di quel 7 pollici, “Love Times Love”. Tuttavia “Roll The Dice” diventa a sua volta un trampolino per salire di livello e così la corazzata Polydor individua e si aggiudica il talento degli Heavy Pettin. La band è in rampa di lancio, non ha ancora pubblicato un full-length vero e proprio che ha già l’occasione di partecipare al Reading Festival del 1983 assieme a Black Sabbath, Marillion, Stevie Ray Vaughan, Suzi Quatro, Anvil, Magnum, Mama’s Boys e Lee Aaron. Scusate se è poco.

Fuoco alle polveri, con un simile biglietto da visita (ben due etichette alle spalle e live set di richiamo) gli Heavy Pettin possono finalmente dimostrare tutto il proprio valore su vinile, esce “Lettin Loose” (1983). Per la produzione si scomoda addirittura la Regina in persona… no, non Elisabetta ma Brian May, chitarrista dei Queen, che sino a quel momento non aveva mai prodotto album per nessuno se non per se stesso. Un onore sbalorditivo. Con una copertina magari non fenomenale ma forte di un lettering orientaleggiante che aggiunge mistero a quelle tapparelle appena aperte da sinuose mani femminili, la scaletta offre circa 39 minuti di eccellente hard ‘n’ heavy il cui primo immediato riferimento sono i Def Leppard, all’epoca all’altezza di “Pyromania”, pubblicato nove mesi prima. “Lettin Loose” semmai è invece il corrispettivo dell’esordio dei Leppard, “On Through The Night”; un sound ancora radicato nella NWOBHM ma che già risente della dolcezza e dell’eleganza d’Oltreoceano, spiccatamente attento alle melodie che tuttavia non risparmiano chitarre sempre graffianti ed una accentuata grinta generale. Un perfetto bilanciamento di sensualità ed aggressività che rende questo debutto davvero notevole. Bonnar e Moat rappresentano il versante più heavy, tradizionalista e britannico a livello di sound, mentre Mendoza e Haimie guardano all’America dove però l’album non sfonda (nonostante un tour con i Motley Crue), secondo la regola dalle poche eccezioni – tipo i Leppard – che vede le band britanniche che giocano al gioco dello zio Sam (Tobruk, Lionheart, Airrace, etc) accolte con un po’ di sufficienza dagli yankee. In qualche intervista gli Heavy Pettin addossano delle responsabilità anche alla label per non aver poi spinto troppo convintamente negli U.S.A., a questo si sono uniti parecchi cambi di management, una confusione generale acuita persino dalla proposta di cambiare nome alla band (dopo “Rock Ain’t Dead”) per il mercato americano bacchettone. Punky Mendoza ricorda come anche Gene Simmons si interessò alla questione puntualizzando che il nome di un gruppo è un aspetto assai importante se si parla di marketing… ma per Simmons Heavy Pettin era esattamente ciò che ci voleva! Quindi promossi.

2 – Rock Ain’t Dead… ‘Till It’s Dead

Pubblicato l’album, nel 1984 la band segue Kiss e Ozzy Osbourne nei rispettivi tour britannici, mentre lavora al successore di “Lettin Loose”. “Rock Ain’t Dead”, sempre per Polydor, prosegue sulla falsariga dei Def Leppard, ed esattamente come il percorso intrapreso dalla band di Sheffield rivela uno slittamento ancora più marcato verso gli Stati Uniti ed il loro airplay. L’album è più morbido, più patinato, più sontuoso, complessivamente un po’ più chic. Ce lo dice già la magnifica copertina fotografica. Hamie modifica un po’ il suo approccio al microfono, attestandosi su tonalità più alte. Ci si può tranquillamente accodare agli Heavy Pettin, disporsi in fila indiana e lasciare che lo stendardo reale di Scozia (giallo con il leone rampante rosso) garrisca anche sopra le nostre teste. Qualitativamente parlando “Rock Ain’t Dead” è assolutamente all’altezza del suo predecessore, si tratta solo di capire se a livello di gusto personale si preferisce il taglio più arrembante del debutto o quello più aristocratico di questo prezioso secondo capitolo. Grazie a tracce come “Sole Survivor” o “China Boy” io credo di propendere per quest’ultimo, l’intera track-list è davvero ad altissimi livelli ma, come detto, sono solo gusti. La lezione dei Leppard è degnamente metabolizzata e a quel tipo di sentore si aggiungono anche delle eco alla Saxon – che già da “Power and The Glory” avevano iniziato a sentire certe sirene americane e proprio nell’85 approdano a “Innocence Is No Excuse”, l’album che svolta abbastanza vistosamente in quella direzione – e di campioni della radiofonia come Journey e Foreigner. Del resto, oltre a Def Leppard e Saxon, furono diverse le band nate come prettamente NWOBHM a tentare la scalata al grattacielo dell’AOR, vedi Tygers Of Pan Tang, Praying Mantis, Hologram (ex Holocaust), Saracen, solo per citare qualche esempio. Quando a Brian May viene chiesto un bilancio dell’esperienza produttiva di “Lettin Loose” egli risponde che il divertimento tutto sommato è stato 50 e 50, doversi relazionare con manager ed emissari dell’etichetta a vario titolo è stato frustrante e ha tolto il benessere derivante dalla registrazione dell’album e dal contatto con i ragazzi della band, verso i quali May esprime solo parole di elogio, anche come strumentisti. In consolle per la produzione di “Rock Ain’t Dead” c’è Mark Dearnly (AC/DC, Krokus), anche se prima di lui è una fiumana di rinunce ed occasioni perse, da Mike Stone (Asia), a Beau Hill (Ratt) e Lance Quinn (Bon Jovi, Lita Ford).

Pure stavolta gli stage che gli Heavy Pettin calcano sono di grande valore, poiché ad esempio suonano spalla a spalla con Nazareth, Venom, Metallica, Wishbone Ash, Savage Grace, Running Wild, Pretty Maids e Warlock al Metal Hammer Fest tedesco di Loreley. Dopo aver raccolto tutti i trionfi possibili per una carriera che sembra solo e soltanto poter andar meglio, gli Heavy Pettin hanno un’occasione d’oro (un’altra), concorrere per la nomination alla partecipazione dell‘Eurovision Song Contest del 1987. La Polydor si galvanizza, sente già profumo di soldi a livello mondiale, con conseguente abbattimento dello steccato hard rock in direzione di lidi pop che significano forzieri su forzieri di banconote fruscianti. La band si presenta all’appuntamento con la storia con “Romeo”, 5 minuti di canzone di rara bruttezza (Mendoza anni dopo la definirà “musica da mal di denti“). La nomination viene fallita miseramente e la Polydor non la prende per niente bene. Parte del materiale del terzo album della band era già stato registrato (con Geoff Downes come producer), ma le trattative con la Polydor si fanno estenuanti, la label va in una direzione, la band tira in quella opposta. Dalle stelle alle stalle, gli Heavy Pettin vengono scaricati e la loro sdolcinata canzoncina da teenager innamorati della propria compagna di banco viene impacchettata e riconsegnata al mittente.

Ci vuole un bel po’ perché l’album giunga a compimento, affidato ora alle mani produttive di Tony Taverner e Adrian Lee. Mendoza e Waugh però mollano e la band si scioglie. Bisogna aspettare il 1989 perché la FM Revolver consegni negli scaffali dei negozi “Big Bang”, nonostante gli Heavy Pettin di fatto non esistano più. Non è un granché, alterna buoni momenti ad altri meno, più banali; una fotografia tutto sommato fedele dello stato di forma sia mentale che fisico degli Heavy Pettin al momento di andare in studio. Nel disastro generale almeno Hamie sembra potersi giocare una rivincita aspirando a prendere parte al super gruppo losangelino Dirty White Boy partorito dal chitarrista Earl Slick, ma anche qui alla fine gli verrà preferito l’ex Giuffria David Glen Eisley. Quando gira male, gira male. Hayman non si dà per vinto, una ne fa e cento ne pensa, mettendo in piedi vari progetti. Se ne va in America e pubblica un album chiamato “Saints And Sinners” sotto il monicker Chyld nel 1995. Tre anni dopo ricostituisce gli Heavy Pettin e nel 1998 danno alle stampe una raccolta di demo. La band sembra poter ripartire, il 2000 e l’anno del live “Heart Attack”, poi di nuovo stallo, quindi altre due compilation celebrative (“Pettology” nel 2006 e “Prodigal Sons nel 2007), poi la linea dell’encefalogramma si fa piatta fino al 2017 quando, ai membri originali Hamie, Punky Mendoza e Gordon Bonnar, si uniscono Jez Parry (basso) e Michael Ivory (batteria) per un concerto di ritorno in pista (il primo dopo 25 anni) in patria. In realtà Mendoza se ne tira subito fuori ma in soccorso dei rigenerati Heavy Pettin giunge l’ex Gun Dave Aitken. Nel 2018 seguono vari show, compreso un mini tour di 6 date nell’intero Regno Unito scandito a colpi di sold-out tra Nottingham, Londra, Edimburgo e Glasgow. Certamente il flagello pandemico esploso sul finire del 2019 ha nuovamente messo in crisi le velleità di sopravvivenza della band, che dal suo primo giorno di vita ha fatto a cazzotti con le avversità, prendendone più di Rocky Balboa al primo incontro con Apollo ma senza poi assaporare una rivincita come accaduto sul ring allo stallone italiano; anzi, gli Heavy Pettin sono decisamente rimasti sempre in credito con il cielo.

Discografia Relativa

1983 – HeavyPettin/Lettin Loose
1985 – Rock Ain’t Dead
1989 – Big Bang

Link e Social

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Stryper: In Missione Per Conto Di Dio (1984 – 1990)

Marco Tripodi — Sat, 20 May 2023 05:46:50 +0000

La cosa più facile se vuoi fare metal è vestirti da biker, riempirti di borchie, spunzoni, diavoli e croci rovesciate, metter su la faccia ingrugnita, salutare tutti col dito medio e predicare nichilismo e misantropia a secchiate. Praticamente l’identikit di Kerry King. Ma provate a fare l’esatto contrario, mettetevi un cartello al collo come Bruce Willis in Die Hard 3 e girate per i locali più malfamati di Caracas innalzando lodi al Signore. Ci vuole un gran coraggio ad essere diversi e gli Stryper lo hanno avuto.

Contenuti:

1. Videodrome (l’antefatto)
2. Isaia 53:5 (1979 – 1983)
3. Tre album clamorosi: padri, figli e spiriti santi del rock (1985 – 1988)
4. Against the stripes (1990 – 2005)
5. Second coming (2009 – 2022)

1 – Videodrome (l’antefatto)

Quella di Orange è una delle 58 contee della California, il suo orientamento è prevalentemente conservatore e repubblicano, vive di sviluppo tecnologico (si trova al centro della cosiddetta Tech Coast) e di turismo (Disneyland!). Ha visto di recente incrementare la sua fama quando a partire dal 2003 la Fox trasmise la serie tv O.C. In questo contesto crescono i fratelli Michael e Robert Sweet, la cui famiglia si converte prepotentemente al cattolicesimo influenzata dalla tv, e segnatamente dal telepredicatore Jimmy Swaggar, un personaggio clamoroso negli States, passato dalle stelle alle stalle, anzi sarebbe più appropriato dire dal Paradiso all’Inferno. Il suo “ministero televisivo” prende avvio nel 1971; appena un decennio dopo, al picco di notorietà, il suo programma si muove su circa 3000 differenti stazioni e canali tra radio e tv, dentro e fuori gli Stati Uniti. In quella decade vende pure 17 milioni di album (suona il piano ed è un baritono), tanto da ricevere una nomination ai Grammy Award per la miglior performance di gospel tradizionale. Nel 1988 la sua stella si oscura rimanendo coinvolto in uno scandalo riguardante la prostituzione che gli costerà la laicizzazione forzata. Tre anni dopo accadrà di nuovo, contribuendo a ridimensionare sensibilmente il personaggio. E’ agli atti come uno dei momenti televisivi più intensi e drammatici della storia del tele-evangelismo la confessione in lacrime di Swaggar trasmessa il 21 febbraio del 1988 nella quale, pur senza scendere nei dettagli, il predicatore chiede perdono a Dio per i propri peccati, una confessione inevitabile poiché da tempo altri predicatori con i quali Swaggar era in lotta minacciavano di rendere pubbliche anche le ombre più fetide delle sue magagne. Nel 1991 Swaggar reagisce diversamente, al cospetto della sua congrega afferma che “il Signore gli ha detto che non sono affaracci loro“. Swaggar è quello di “Miracle Man” di Ozzy Osbourne, ma anche di “Holy Smoke” degli Iron Maiden e di “Airline Highway” degli Zodiac Mindwarp, per non parlare di “Jesus He Knows Me” dei Genesis, satira che abbraccia i telepredicatori alla Swaggar, come anche Robert Tilton e Jim Bakker.

II – Isaia 53:5 (1979 – 1983)

Tra i leit-motiv denigratori di Swaggar c’erano le intemerate contro l’omosessualità e la musica rock. Michael ha 19 anni e Robert ne ha 16 quando formano una band chiamata Roxx, che l’anno dopo diventa Roxx Regime. Registrano un primo demotape ma la cosa non ingrana. Abbandonati dagli altri strumentisti che si erano avvicendati sin lì, gli Sweet cercano di rimettere in piedi la band ed alla loro corte si affacciano senza successo Doug Aldrich e C.C. DeVille, quest’ultimo dura appena un mese, poi se ne va perché in realtà non si trova granché a proprio agio con i progetti che i fratelli hanno in mente per il gruppo, soprattutto concettali ed estetici (mentre nei Poison tutto sarà all’insegna del garbo, della misura e della sobrietà….). Poco male, viene sostituito da Oz Fox e ai tre si aggiunge il bassista Tim Gaines. Abbiamo il battesimo della formazione classica degli Stryper. Il nuovo monicker viene assunto nell’83 proprio con l’arrivo di Fox e Gaines, e pare debba attribuirsi al bassista. Tutto si va delineando, le strisce fanno riferimento al passaggio biblico di Isaia 53:5, riportato poi direttamente nel logo della band: “Egli è stato trafitto per i nostri delitti, schiacciato per le nostre iniquità. Il castigo che ci dà salvezza si è abbattuto su di lui; per le sue piaghe (stripes) noi siamo stati guariti“. Dunque le piaghe di Cristo ci hanno guarito, ci hanno salvato ed in nome di quelle gli Stryper innalzano il loro canto a Dio. Amen. Assumono come tormentone il numero divino 777 in contrapposizione al 666 luciferino tanto in voga nel metal e stabiliscono una vera e propria uniforme da indossare fatta esclusivamente dai colori giallo e nero, che si estenderà anche agli strumenti suonati on stage.

Arriva la firma di un contratto, è la californiana Enigma Records a dare alle stampe (in circa 20.000 copie) il loro primo Ep di 6 tracce “The Yellow And Black Attack” nel luglio del 1984. Enigma è dubbiosa sulle potenzialità di una band che sbandiera apertamente il proprio credo religioso, aspetta di vedere cosa succede quando il vinile arriva nei negozi. Il core business degli Stryper era esattamente quello, in forte difficoltà con il messaggio “immorale” di band come i Van Halen (dei quali gli Sweet erano grandissimi fan), gli Stryper cercano di innervare il rock di contenuti positivi, o perlomeno quelli che loro ritengono tali; coniugano così l’alfa e l’omega della loro esistenza, la musica e Dio. L’attacco giallonero va alla grande, la band apre dal vivo le date per Ratt e Bon Jovi. La contiguità con soggetti piuttosto licenzioso come Stephen Pearcy, Richie Sambora e Jon Bon Jovi intavola subito il dibattito sulla genuinità della professione di fede degli Stryper, una storia infinita che la band si è portata sul groppone come una croce. Di per sé il mondo rock e quello metal in particolare vivono di eccessi, che si tratti di sesso facile, di droga, di alcol e più in generale di uno stile di vita dove louder is better, dunque atteggiamenti, comportamenti ed attitudini rozze, grossolane, adolescenziali, spaccatutto e ipertrofiche quanto ad ego; ovvio che quattro soldatini di Dio potessero essere delle mosche bianche in un simile contesto, tuttavia la missione degli Stryper evidentemente è sempre stata anche questa, dimostrare che un’alternativa era possibile.

III – Tre album clamorosi: padri, figli e spiriti santi del rock (1985 – 1988)

Il 15 maggio 1985 esce “Soldiers Under Command”, primo vero full-length che mette in chiaro la tenacia e la determinazione degli Stryper. L’album è sensibilmente più duro e metallico del suo predecessore, complice una produzione schiacciasassi (appannaggio di Michael Wagener). Naturalmente non mancano ballad dolcissime, come sempre nei loro dischi, ma ciò non toglie che il nerbo della band in questo capitolo sia decisamente forsennato e aggressivo (“Makes Me Wanna Sing”, “The Rock That Makes Me Roll”, “Reach Out”, “Surrender” e la stessa title-track). Del resto i quattro sono o non sono ritratti armi in pugno accanto ad un mezzo blindato d’assalto (deliziosamente a strisce)? God’s patrol. Il raggiungimento del mezzo milione di copie vendute trasforma “Soldiers” nel primo album “cristiano” ad aver mai raggiunto la certificazione gold. Il feedback che la band riceve porta all’esborso di un budget assai più generoso per la ri-registrazione e ri-pubblicazione dell’Ep d’esordio, ora esteso a 14 minuti in più, con una scaletta che passa da 6 a 8 tracce, 9 se si conta anche la bonus track per il mercato giapponese (“Winter Wonderland”). Unico neo, la nuova copertina, decisamente meno bella di quella originale.

Il 24 ottobre 1986 scocca l’ora della consacrazione (semmai ce ne fosse stato bisogno), terza release di casa Stryper, quella che deve assegnarli definitivamente al team di coloro che ce l’hanno fatta. “To Hell With The Devil” diventa platino dopo aver trascorso tre mesi nella chart di Billboard, con circa 2 milioni di copie vendute. Un nuovo record discografico per la fede cristiana. MTV ha in heavy rotation i video di “Soldiers Under Command”, “Honestly”, “Calling On You”, “Free”. Per dare una misura delle dimensioni del fenomeno Stryper, bisogna aspettare il 2001 perché un album cosiddetto “cristiano” ottenga vendite migliori di “To Hell With The Devil”, accadrà con “Satellite” dei P.O.D.. Anche in questo caso doppia copertina, con la prima (che ritrae quattro angeli piuttosto simili ai membri della band che ricacciano il diavolo all’inferno) decisamente migliore della seconda (semplicemente logo su sfondo nero dentro un triangolo luminoso). Tim Gaines fisicamente non partecipa alle registrazioni dell’album (le tracce vengono incise da Brad Cobb), lo allontana Michael Sweet ritenendolo non all’altezza. E’ la prima crepa in casa Stryper, poi ricucita più o meno maldestramente con il reintegro del bassista dovuto al fatto che Michael non riteneva possibile far esibire gli Stryper senza uno dei suoi membri originali. Gaines quindi figura nelle photosession e segue la band nel tour mondiale del disco. A tal riguardo gli Stryper sono headliner al Dynamo Open Air Festival del 1987. “To Hell WIth The Devil” è forse l’album più maturo del gruppo, quello nel quale tutti gli elementi sono bilanciati al meglio, l’equilibrio è perfetto, melodia e tensione si sostengono a vicenda, Fox delizia il palato con ottimi assoli e praticamente ogni pezzo centra il bersaglio ma “The Way”, “Rockin’ The World” e “More Than A Man” in particolare strappano via la carne dalle ossa.

Lo schema Tim Gaines (tracce di basso incise da Cobb, Gaines che si fa fotografare e poi va in tour) si ripete identico anche con “In God We Trust”, il quarto album pubblicato il 28 giugno 1988. Dalla certificazione platino si torna a quella gold, il primo singolo “Always There For You” entra in classifica ma per tempo di permanenza e posizione il responso è meno trionfale di due anni prima. Gli Stryper vengono sommersi di critiche, da un punto di vista strettamente musicale l’album sconta un avvicinamento molto marcato a sonorità quasi pop, assai distanti per ruvidezza da quelle di “Soldiers Under Command” ma anche di “To Hell With The Devil”; d’accordo la dolcezza, persino melliflua, nei solchi degli Stryper non è mai mancata, ma la produzione di “In God We Trust” è decisamente più morbida e accogliente, ed anche un up-tempo sparatissimo come “The Reign” – che, per inciso, è una fantastica canzone – non fa uscire fiotti di sangue vivo dalle vene. In aggiunta a ciò, anche l’aspetto dei quattro campioni di Dio risente degli influssi glam-hair metal del periodo. L’album non è circondato da buone vibrazioni e la sensazione che la band si stia un po’ svendendo c’è (la copertina sostanzialmente è una banconota, il foglio interno dei testi lo è di fatto, aprendosi in orizzontale). Eppure, nonostante l’alleggerimento ci sia e la diabetizzazione del sound risulti evidente, il songwriting nudo e crudo non fallisce; “In God We Trust” è un brillante album di marca Stryper, ruffiano, laccato, a tratti pure un po’ pacchiano, ma abbonda di ottimi pezzi (la title-track, “Always There For You”, “Keep The Fire Burning”, “It’s Up To You”, “The World Of You And I”), alternati a qualche passaggio un po’ troppo molle (“Come To The Everlife”, “Lonely”), ma è un’evoluzione credibile e coerente della band, soprattutto se lo si guarda oggi, con il dovuto distacco consentito da una scientifica prospettiva diacronica, che colloca l’album nella storia e nella discografia degli Stryper.

IV – Against the stripes (1990 – 2005)

Sarà molto più dirompente ed eterogeneo il successivo capitolo discografico, “Against The Law”, una ribellione annunciata sin dal titolo. Il 21 agosto 1990 gli Stryper dichiarano guerra al mondo con un drastico cambio di immagine e tematiche di riferimento. Dio sparisce dai testi, letteralmente quella parola non c’è; cambio di logo e niente citazione di Isaia. Non ci sono nemmeno le tutine a strisce, ora i quattro musicisti indossano black leather, come si conviene a chi imbraccia strumenti elettrificati e percuote le pelli a più non posso. Anche (e soprattutto) musicalmente, i sentori hair e glam metal lasciano quasi del tutto il posto ad un hard & heavy robusto e virile, dal retroterra persino bluesy, come nella tiutle-track o in “Two Bodies (One Mind, One Soul)”. In tutto e per tutto l’album è una risposta alla critiche ricevute nel 1988, gli Stryper vogliono dimostrare di avere gli attributi e di saper giocare al gioco dei rocker intransigenti. Come era lecito aspettarsi, questa mossa radicale scontenta tutti. Chi per quattro album ha visto gli Stryper come una band cristiana e troppo vellutata non crede ad una inversione ad U così spericolata; chi adorava la band di “In God We Trust” e degli album precedenti, non è disposto a seguire gli Sweet nella secolarizzazione oltranzista, ritenendosi a tutti gli effetti tradito, come accadde ai fedeli di Swaggar quando venne beccato in auto con una prostituta. Il primo singolo dell’album è una cover del 1975 degli Earth Wind & Fire, “Shining Star”, che gli Stryper rielaborano magnificamente, ma non avrebbero potuto scegliere nulla di più distante dal proprio pubblico, che infatti non comprende. Tutto quel blu in copertina disorienta, idem la scaletta di “Against The Law”, fatta di grandissimi pezzi (“Rock The People”, “Not That Kind Of Guy”, “Ordinary Man”, “Caught In The Middle”, “Rock The Hell Out Of You”) ma percepiti assai poco Stryper. L’album è un piccolo grande capolavoro e sta agli Stryper come suppergiù anni dopo starà “Motley Crue” con Corabi ai Motley Crue. L’unica canzone che riscuote un minimo di fortuna è “Lady”, la ballad che, detto tra di noi, è pure la meno interessante e coraggiosa del lotto.

La prima conseguenza del capitombolo è il cambio di etichetta, dalla Enigma gli Stryper traslocano alla Hollywood Records e come spesso accade in questi casi si riparte di solito con un greatest hits che fa guadagnare tempo, dà continuità al brand, offre qualche spunto sul possibile riscontro di una band non troppo in salute e permette di ricalibrare il progetto. Puntualmente accade e viene pubblicato “Can’t Stop The Rock”, contenente due inediti, la title-track e “Believe”, dedicata ai soldati americani impegnati nell’allora guerra del Golfo Persico. Gli Stryper rimangono in tour fino al 1992, quando Michael Sweet decide di separarsi dai suoi compagni per intraprendere una carriera solista. I tre Stryper rimasti portano a termine il tour con Oz Fox temporaneamente al microfono. Si giocano anche la carta dell’annuncio di un nuovo cantante, Dale Thompson proveniente dai Bride (pure loro fratelli in Dio), ma Thompson – che li aiuta per qualche data live – nega ogni addebito. Ci saranno delle date nel 1993, poi gli Stryper orfani di Robert Sweet imploderanno. La loro storia migliore per quanto mi riguarda si conclude qui. E’ vero che gli Stryper classici sono in realtà quelli dei primi 4 album, “Against The Law” è indubbiamente qualcosa di estremamente eterogeneo per rientrarci, ma è un album fantastico e dunque dovendo indicare i confini della golden age stryperiana, mi sento di includerlo e ratificare i tre lustri abbondanti che vanno dall’84 al ’90 come il momento d’oro della band, gli Stryper come non sono mai più tornati ad essere. E’ cosa nota che la loro vita artistica non si sia definitivamente conclusa negli anni ’90, si può risorgere, come indicato dal loro mentore, Gesù. Nel 2005 infatti gli Stryper risorgono discograficamente (o se preferite rinascono) con “Reborn”, originariamente concepito come un lavoro solista di Michael Sweet e poi “convertito” ad album della band. Sin dal ’99 i vari membri degli Stryper iniziano a ritrovarsi on stage per momenti più o meno celebrativi. Nel 2003 Hollywood Records ci riprova con l’ennesimo greatest hits sentendo odore di reunion (“7: The Best Of Stryper”), compilation alla quale segue l’immancabile tour ed il dvd.

“Reborn” vede 3/4 di band riassemblata, indovinate chi manca? Bravi, Gaines, il brutto anatroccolo degli Stryper, sostituito da Tracy Ferrie. L’album viene accolto molto bene, c’era ancora fame di Stryper e la band opportunamente aggiorna il proprio sound contaminandolo con la modernità, fatta anche di rock alternativo, robusta muscolarità (a tal proposito si senta la orrenda versione testosteronica di “In God We Trust” contenuta nella scaletta di “Reborn”) o ammiccamenti punk (sentite come si apre “Murder By Pride”). Da quel momento in poi ha inizio il secondo tempo della carriera degli Stryper che porterà alla firma del contratto con la nostrana Frontiers (2012) e alla pubblicazione complessiva di ben 9 album dal 2005 ad oggi, tra i quali anche uno di cover (“The Covering”) ed uno di classici rivisitati del loro repertorio (“Second Coming”)… operazione sempre discutibile. Nell’arco di questa rinnovata cavalcata discografica gli Stryper avranno agio di solleticare i vecchi fans rispolverando appunto in lungo e in largo le vecchie sonorità, svecchiandole quel tanto che basta e rendendole digeribili anche ai follower più giovani anagraficamente. E’ tornato il logo, è tornato Isaia, sono tornate le strisce giallonere, un recupero glamour in grande stile degno dei Kiss. Personalmente non ho più ritrovato negli album degli Stryper la magia del secolo scorso, sarà una faccenda da boomer incallito e inguaribile, ma al mio orecchio lo smalto degli Stryper più creativi è andato irrimediabilmente perduto. Nella migliore delle possibilità, il nuovo sound è un copia/incolla del vecchio senza più l’effetto sorpresa, altrimenti in qualche caso se ne discosta persino troppo, andando per strade a me poco congeniali. Eppure non ho mai temuto le novità contenute in “Against The Law” che anzi reputo un album superlativo, quella che sento mancare oggi è la sostanza, nonostante la forma sia stata recuperata in tutto e per tutto (pure troppo). Ma questo poco importa, il lavoro fatto dagli Stryper rimane encomiabile, si sono dimostrati i più coraggiosi di tutti perché trasgredire nel metal è la cosa più facile del mondo ma la loro trasgressione, a colpi di bibbie, profeti e crocifissi (tenuti per il verso giusto) è stata la più iconoclasta di tutte.

V – Second coming (2009 – 2022)

Se Tommy Lee suonava piroettando a destra e manca, Robert Sweet si è sempre posto lateralmente al pubblico e mai frontale, per dare l’opportunità agli spettatori di vederlo suonare per davvero. Da qui la sua nomea di “Visual Timekeeper” della band. Sono arcinoti i lanci di copie del Nuovo Testamento sul pubblico durante i concerti, attitudine che costò ai fratelli Sweet gli strali di Swaggar, che accusava i ragazzi di fare mercimonio col nome di Dio…. lui…. accusava…. Gli Stryper sono stati denigrati e bullizzati in ogni modo possibile negli ’80, visti come degli indesiderati, dei ridicoli ingenuotti, una sorta di inconcepibile e molesto sciame di api (tant’è che venivano definiti “apine” per via dei loro costumi); nelle interviste i giornalisti più attaccabrighe chiedevano loro come si regolavano con le goupies, se Dio approvava la promiscuità sessuale e non di rado le band con le quali suonavano dal vivo organizzavano scherzi e dispetti ai loro danni. Contemporaneamente gli Stryper venivano attaccati anche dal fuoco amico, poiché i cosiddetti “cristiani” ritenevano la loro fede non autentica o troppo esposta ad ambienti e stili di vita popolati unicamente di spostati, drogati e incalliti servi del diavolo. Come se Cristo nei Vangeli non andasse perorando la sua causa tra i reietti, i ladri, gli assassini e le meretrici. Tutto ciò contribuì non poco al cambio di registro del 1990, che la band pagò con il rifiuto di vendere copie di “Against The Law” da parte di alcune catene commerciali dichiaratamente cristiane.

Gli Stryper hanno venduto oltre 10 milioni di album nel mondo, in Giappone hanno avuto gioco facile a scalzare chiunque, compresi pezzi da novanta come Motley Crue e Bon Jovi. Si stima che i 2/3 degli acquirenti della band siano non cristiani o comunque non devoti militanti, anche perché altrimenti non si spiegherebbe il loro successo in ambito heavy metal. Se da un verso è vero che la religiosità degli Sweet era pacchiana, cartoonesca e un po’ infantile, dall’altro va contestualizzata e considerata come il primo vero vagito del rock crociato; senza il loro esempio molte band cristiane nelle decadi successive non sarebbero mai esistite o avrebbero trovato assai più difficoltà ad essere accettate. E chiudiamo con la parabola del figliol prodigo, Tim Gaines è poi tornato a comparire su alcuni album dei 2000 della band, sebbene l’ultimo risalga oramai al 2015 (“Fallen”), dopo il quale fa di nuovo a sportellate con Michael Sweet. La cosa buffa è che Sweet non lo ha mai ritenuto all’altezza, ma per quanto mi riguarda il vero anello debole degli Stryper è stato semmai Robert, il fratello di Michael, molto decorativo e scenografico ma non esattamente un batterista capace di fare la differenza nella band. Michael aveva ed ha tutt’ora una voce cristallina e potentissima, a dispetto delle sessanta primavere, un vero e proprio megafono della parola di Dio, oltre che un ottimo songwriter; Oz Fox è uno splendido chitarrista, un virtuoso al quale non sono mai stati tributate i dovuti encomi perché suonare in una band come gli Stryper non gli ha mai fatto troppo gioco; pure lui tra l’altro un songwriter coi fiocchi. Tim Gaines non sarà Joey Vera ma se l’è sempre cavata dignitosamente, dando il suo apporto; come Robert Sweet del resto, ma non sempre la scelta dei suoi patterns mi è sembrata entusiasmante, così come avrei scambiato volentieri un po’ di glamour scenico con una maggior solidità ed incisività dietro le pelli, ma come faceva Michael ad abbattersi proprio contro suo fratello? Allora avremmo dovuto cambiare versetto biblico e passare a quello di Caino e Abele.

Discografia Relativa

1984 – The Yellow And Black Attack
1985 – Soldiers Under Command
1986 – To Hell With The Devil
1988 – In God We Trust
1990 – Against The Law
1991 – Can’t Stop The Rock (greatest hits)

Link e Social

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Suicidal Tendencies: The Epic Years

Marco Tripodi — Mon, 24 Apr 2023 09:16:59 +0000

Un guitar-working serratissimo ed inconfondibile. Un frontman tarantolato. Proclami di rivolta politica e sociale. Aperture melodiche fragorose, in contrappunto ad una tensione sempre in sospeso. Il fiorire di venature funky. L’appartenenza alla strada, alle sue regole ed ai suoi codici. Un’integrità mai venuta meno. La bandana incollata sulla fronte ad altezza occhi. Questi sono solo alcuni dei tratti distintivi di una band più unica che rara, la cui traccia indelebile lasciata in quella zona di confine tra hardcore e heavy metal restituisce un preciso identikit: esatto, non può che trattarsi dei Suicidal Tendencies! Sotto la lente di ingrandimento gli anni legati al contratto con Epic Records… ma anche un po’ prima ed un po’ oltre.

Contenuti:

1. Colori di guerra (1982 – 1983)
2. Crossover! (1984 – 1988)
3. Epic-ness (1989 – 1992)
4. Cyco Miko lives on (1994 – 2016)

1 – colori di guerra

Non era iniziata benissimo l’avventura dei Suicidal Tendencies, osteggiati sin dal nome per via dell’ambiguità sulle “tendenze suicide” che la band avrebbe favorito o persino incoraggiato, marchiano errore di valutazione poiché Muir e soci hanno più volte chiarito che così non era e che le tendenze suicide erano semmai quelle da addebitare alla società, votata all’autodistruzione e all’estinzione per via di logiche insensate e comportamenti autolesionisti all’insegna di avidità e stupidità. Fatto sta che nell’anno della loro nascita (1982) i Suicidal Tendencies vengono già poco elegantemente bollati come “il peggior gruppo musicale esistente” dalla rivista Flipside. Non c’è simpatia verso il gruppo poiché si ritiene che i suoi membri afferiscano a delle gang criminali della zona di Venice Beach. L’ostentazione di bandane colorate (blu come quella dei Crips) e del numero 13 sarebbero segni di riconoscimento del patto scellerato con le gang, espressione di violenza, illegalità e sopraffazione. Praticamente la sceneggiatura di Colors di Dennis Hopper (il cui teatro è proprio Los Angeles) tradotta in musica. Si narra che ad uno dei primi concerti dei Suicidal ci sia scappato un morto, un ragazzo, ma non saprei dire quanto ciò appartenga alla leggenda metropolitana o alla cronaca reale, e soprattutto quanto un eventuale colpa sarebbe da imputare alla band, che evidentemente suonava sul palco e non si aggirava in mezzo al pubblico brandendo coltelli a serramanico. Se non si trattava di Colors, allora era un film di Scorsese, comunque nulla che avesse a che fare con la musica. Sui Suicidal se ne sono dette tante, ad esempio che la loro vera base di provenienza fosse in realtà un altro sobborgo di Los Angeles anziché Venice, oppure che Muir provenisse dall’ambiente infiocchettato del college piuttosto che del barrio criminale, e che conseguentemente l’attitudine spicciola e stradaiola dei Suicidal fosse più un’astrazione a tavolino che una patente genuina. Come se tutto ciò avesse la minima importanza o connessione con la musica e le endorfine che è in grado di liberare.

A dispetto dei detrattori, la band comincia ad accumulare immediatamente un proprio seguito, i concerti riscuotono attenzione e già nell’82 i Suicidal incidono un demo e partecipano ad una compilation (“Slamulation” per Mystic Records) con “I Saw Your Mommy”, una anthem che diverrà tra le loro canzoni più famose e rappresentative, e che infatti comparirà anche nell’omonimo debutto discografico dell’83 per Frontier Records (non la label partenopea ovviamente ma quella losangelina specializzata in punk hardcore). Questa prima fase è all’insegna del ricambio continuo di musicisti; Muir è il punto fermo. Da peggior gruppo musicale esistente a band capace di creare un album “veloce, furioso e divertente” è un attimo. Muir ruba la scena, per i suoi testi diretti e rivoltosi e per la sua carica di adrenalina on stage, una specie di ossesso tarantolato che non dà tregua né al pubblico né a se stesso finché la macchina da guerra alle sue spalle ha i jack infilati negli amplificatori. Quel frontman possente canta si distingue da subito per la carica di disagio, alienazione, pessimismo e litigiosità dei testi, un underdog americano reietto e riottoso. Lo stesso artwork dell’album non gioca con l’ambiguità, è un bel cazzottone diretto sui denti. Se gli anni ’80 rappresentano l’edonismo reaganiano, il benessere e l’effimero, i Suicidal stanno all’estremo opposto. La terza traccia in scaletta è non a caso “I Shot Reagan” (il cui titolo poi viene forzatamente cambiato in “I Shot The Devil”), ma è con “Institutionalized” che i Suicidal fanno il botto, uno dei primi videoclip hardcore ad avere successo nel mainstream, ovvero MTV. Pezzi come “Fascist Pig” o “Two Sided Politics” non la mandano a dire e collocano la band nell’alveo della trincea militante.

II – Crossover!

Trascorre un tempo infinito prima che i Suicidal approdino al secondo album e questo perché Muir finisce agli arresti domiciliari, interdetto per quattro anni dal poter incidere musica. Il silenzio della band diffonde la convinzione che sia sopraggiunto uno scioglimento ma è solo uno stop obbligato, subito. Le amicizie “pericolose” che sono girate intorno alla formazione hanno creato da sempre zone d’ombra e problemi, come quando nel ’91 alla band fu persino impedito di esibirsi nella propria città, tale era il rischio di sedizione. Tuttavia nel 1987, scontati i quattro anni punitivi, i Suicidal tornano con “Join The Army”. Hanno abbassato la cresta? Manco per sogno, anzi più che lasciare hanno raddoppiato, in furore e contrapposizione. Alla line-up si sono aggiunti Rocky George e R.J. Herrera, rispettivamente chitarra e batteria, due subentri che si riveleranno esiziali per la storia dei Suicidal poiché, assieme a Muir, sarà proprio il loro contributo a connotare le pagine più importanti della band e a delineare il modo e lo stile con il quale i Suicidal verranno ricordati e celebrati anche a distanza di decenni. E’ la Caroline Records che si assicura le stampe del disco, la cui copertina rimane indimenticabile (il Rambo ha le fattezze vagamente riconducibili a Mike Muir, è la versione sciancata dello zio Sam secondo i Suicidal). “Join The Army” è già una svolta per la band. Il pubblico degli esordi storce la bocca per l’iniezione sin troppo vistosa di thrash metal, la purezza hardcore appare compromessa e i maggiori indiziati sono George e Herrera. Chi invece apprezza mette a fuoco che già da questi solchi emergono dei classici del repertorio Suicidal come “War Inside My Head” e “Possessed To Skate”, ma “Suicidal Maniac”, “You Got, I Want” o la title-track non sono affatto da meno. Un album agguerrito, attaccabrighe, col colpo in canna, adrenalina pura che non fa prigionieri. Si comincia a parlare apertamente di “crossover”, i Suicidal hanno il piede in due staffe, “attraversano” perlomeno tre generi, hardcore, metal e punk. Con un tale biglietto da visita, Muir e compagni hanno praticamente la strada spianata, si sente il profumo del talento, il potenziale, successo e gloria.

La line-up sale da quattro a cinque elementi con l’ingresso del chitarrista Mike Clark dai No Mercy, progetto parallelo ai Suicidal nel quale milita Muir. Con il suo apporto, in sinergia con George, la band si sposta convintamente sul versante thrash, senza rinnegare le radici thrash ma anzi bilanciando gli ingredienti attraverso una miscela incendiaria. “How Will I Laugh Tomorrow… When I Can’t Even Smile Today” (1988) se lo aggiudica addirittura la Epic, grazie all’intercessione di Mark Dodson, produttore degli Anthrax. L’abbandono dei follower hardcorers integralisti è direttamente proporzionale all’acquisizione dei metalkids che trovano nei Suicidal Tendencies un gradevolissimo diversivo all’ortodossia della borchia. Il songwriting cresce e si arricchisce diventando sempre più ricco ed elaborato. Nonostante l’impronta thrash, Muir mantiene un approccio che sa farsi assai melodico all’occorrenza, contribuendo a creare uno dei trademark principali della band, quel gusto dolceamaro fatto di contrasti, aggressività mista ad una dolcezza quasi appiccicosa, con la seconda che d’improvviso sopraggiunge a stemperare il climax della prima. La title-track dell’album ne è un esempio eclatante, ma quello schema si ripeterà mille volte d’ora in poi, ad esempio anche nella canzone forse più celebre di tutta la discografia dei Suicidal, “You Can’t Bring Me Down”, nella quale circa a metà i californiani si sciolgono in acqua e zucchero, mentre carsicamente continua a scorrere una tensione pazzesca. Una sorta di formula ossimorica alla “ghiaccio bollente” che non può lasciare indifferenti. “How Will I Laugh Tomorrow” ha una scaletta pazzesca, da “Trip At The Brain” a “Hearing Voices”, da “Pledge Your Alliance” a “Surf And Slam”; un disco manifesto del 1988 che non teme rivali e che rimane scolpito nella storia del rock elettrificato persino a 30 e passa anni di distanza. Iconica la copertina che ritrae la band davanti alla cattedrale di Santa Sofia a Los Angeles, una dichiarazione di appartenenza. Altro distintivo tratto di riconoscimento è il guitar working fatto di riff serratissimi che intrappolano come tela di ragno l’ascoltatore, la sensazione è proprio quella di avere le ganasce alle gambe, non c’è scampo, si è in balia dei Suicidal… ed è la più auspicabile delle “torture”.

III – epic-ness

I Suicidal hanno appena raggiunto il loro picco creativo e in questa manciata di anni pubblicano album a nastro per non perdere neppure una nota del loro songbook, letteralmente “devono”. Ecco che già nel 1989 arriva “Controlled By Hatred/Feel like Shit… Deja Vu”, un Ep dalla durata molto estesa di quasi 40 minuti (mascherato come la somma di due) che contiene un paio di inediti, “Just Another Love Song” e “Feel Like Shit… Deja-Vu”, insieme a delle cover che in realtà appartengono sempre al medesimo calderone dei Suicidal, poiché si tratta di Los Cycos e No Mercy, ovvero altre band di Muir il cui repertorio viene recuperato e riproposto col marchio Suicidal. Ne esce fuori un ulteriore album imperdibile per ogni fan della band che si rispetti. Sono Rocky George e Mike Clark ad alternarsi al basso, contrariamente alla diceria popolare che Robert Trujillo fosse già presente in formazione a quest’altezza, dovuta al fatto che effettivamente il bassista divenne un membro del gruppo immediatamente dopo il completamento del disco ed appare anche nei video di “Waking The Dead” nella versione alternativa di “How Will I Laught Tomorrow” (la cosiddetta “heavy emotion”, ovvero acustica). L’album diventa il primo disco d’oro dei Suicidal. Il gruppo saluta l’entrata del nuovo decennio con una pietra miliare che verrà poi marchiata da più parti come il loro lavoro migliore e più importante, “Lights…Camera…Revolution”. Trujillo è ora formalmente integrato nella band e al crossover thrashcore testimoniato sin qui si aggiunge una notevole vena funky, evidentemente proprio grazie all’apporto di Trujillo. Il disco consente ai Suicidal di penetrare nel circuito più mainstream raggiungendo un enorme livello di popolarità e diffusione. “You Can’t Bring Me Down” esplode in radio ed in tv, e diventa il manifesto della rivolta, di ogni rivolta (“I ain’t happy about it, but I’d rather feel like shit than be full of shit […] but here’s my apology and one more thing… fuck you!“). “Lights…Camera…Revolution” è un disco perfetto dall’inizio alla fine, con spunti funky (“Send Me Your Money”), con riff talmente stretti che non ci passa la capocchia di uno spillo (“Lost Again”, “Lovely”), con la rivoluzione in corpo (“Give It A Revolution”), con il metronomo a manetta (“Disco’s Out, Murder’s In”), con l’indole sorniona (“Emotion No. 13”), tuttavia a mio gusto personale rimane un gradino sotto “How Will I Laugh Tomorrow”, per quanto mi riguarda il vero capolavoro assoluto e totale dei Suicidal. Con questo album la band andrà in tour di supporto ai Queensryche, una delle accoppiate più strambe partorite dai primi anni ’90, e presenzia anche al festival picchiaduro Clash Of The Titans, con Slayer, Megadeth e Testament (passato anche per l’Italia), segno che i Suicidal sono stati ampiamente accettati nel circuito thrash più accigliato (sebbene, al contempo, qualche fan della decade antecedente li accusasse apertamente di tradimento).

Così come assieme a Clarke Muir aveva ulteriormente espanso il suo interesse verso l’hardcore grazie ai No Mercy, ora si lascia portare da Trujillo nei lidi più apertamente funky, complice proprio il fenomeno del funky metal, durato un batter d’occhio ma che nel 1991 ebbe il suo anno d’oro con uscite come “In This Life” (Mordred), “The Confident Rat” (Ignorance), “Sailing The Seas Of Cheese” (Primus), “Attack Of The Killer B’s” (Anthrax), “About Time” (Scat Opera), “Scamboogery” (Scatterbrain), il debutto omonimo dei MindFunk, dei White Trash e anche quello degli Infectious Grooves, a tutti gli effetti una versione più light, scanzonata, alternativa e ovviamente funky dei Suicidal Tendencies. Oltre a Muir e Trujillo in formazione ci sono anche Stephen Perkins dei Jane’s Addiction e Adam Siegel degli Excel. Intanto Herrera è giunto al culmine del suo apporto alla band, dapprima dall’hardcore al thrash ed ora dal thrash al funky, all’alternative metal e persino a punte di progressive e psichedelia (basta aspettare il 1992 con “The Art Of Rebellion” per rendersene conto). Herrera evidentemente non si riconosce più nella visione della band, andata troppo oltre. Viene sostituito dal turnista John Freese dei The Vandals, mentre per il tour arriverà Jimmy DeGrasso. Il quinto titolo del gruppo è il suo parto più ambizioso poiché il più vario, sperimentale e dinamico a livello di songwriting, nonché il più lungo con i suoi 58 minuti. Sfidante verso un pubblico non sempre altrettanto elastico e open minded. Ciò nonostante, “The Art Of Rebellion”, provocatorio sin dalla copertina, si rivela il successo commerciale più fortunato della band, terzo disco d’oro consecutivo, un traguardo raggiunto anche grazie al traino del biennio precedente, che ha spinto molto la vendita di un disco che in realtà, a suo modo, si è rivelato abbastanza divisivo in seno alla fan-base della band. La scelta del singolo “Asleep At The Wheel” è coraggiosa perché la canzone suona parecchio diverso dai “tipici” Suicidal, tuttavia è splendida e per fortuna in molti lo capiscono. La produzione del disco (affidata a Peter Collins) non mi ha mai fatto impazzire, troppo asettica e cristallina per una band stradaiola e sudaticcia come i Suicidal, ma sul materiale in sé nulla da eccepire, è pura sublimazione del colorato e cangiante multiverso Suicidal.

“The Art Of Rebellion” si rivela un album talmente esigente per le energie della band che l’anno successivo i Suicidal si “limitano” a riproporre l’album di esordio risuonandolo per intero con l’aggiunta di tre tracce (due nuove versioni di canzoni di “Join The Army” e la b-side del singolo “You Can’t Bring Me Down”). “Still Cyco After All These Years” intende testimoniare che i Suicidal sono “still cyco”, ancora fedeli alle radici, benché vengano accusati sistematicamente del contrario dai primi ’80 in poi. Ed è vero che i Suicidal sono sempre loro, che non si sono affatto snaturati, così come è altrettanto vero che chi pretendeva solo e soltanto l’hardcore del 1983 non poteva che rimanere deluso. Per insistere su questo ritorno alle “roots, bloody roots” la band pubblica “Suicidal For Life” nel ’94, un disco che in qualche maniera è una forma di suicidio. Incaponitisi nel voler essere riconosciuti e riassegnati all’underground dopo aver ricevuto (e cercato) ogni onorificienza possibile nel mainstream, i Suicidal tentano una inversione a U clamorosa ed un po’ grossolana che scontenta tutti. Quattro canzoni consecutive in scaletta con la parola “fuck” nel titolo, atmosfere decisamente più aggressive, Muir molto più focalizzato e “minimal”, con l’intenzione di produrre un lavoro per pochi, gli eletti, i fedeli, i fratelli di bandana. Tutto si può dire ai Suicidal del 1994 tranne di voler lisciare il pelo al proprio family banker. Va anche tenuto conto che quello della metà degli anni ’90 è un periodo di stravolgimento totale per il metal e per il rock in generale, ed in qualche misura devono averne risentito anche delle teste calde come i Suicidal. L’album vende maluccio e l’unico videoclip estratto da quella scaletta, “Love Vs. Loneliness” (una ballad), non viene affatto apprezzato né aiutato dalle radio. Ovviamente si conclude anche il contratto con Epic. Peccato perché ad ascoltarlo “Suicidal For Life” ti entra in vena e non ti lascia più.

IV – Cyco Miko lives on

I Suicidal vanno ufficialmente in stand by, gli Infectious Grooves proseguono a pubblicare album e Trujillo entra pure alla corte di Ozzy Osbourne. Rocky George girovaga dai Samsara ai Cromags, fino ai Fishbone. Lo sforzo creativo di questi anni ed in particolare dell’ultimo album ha prosciugato la band che ha sentito l’esigenza quasi di ripartire da capo. Lodevole il tentativo di non cullarsi sugli allori e di rimettersi in discussione ma la vena creativa ne ha risentito e la produzione dei Suicidal conosce un sensibile calo, oltre ad un andirivieni incessante di musicisti che sostanzialmente diventano dei turnisti al servizio di Mike Muir. Trujillo passa in forze ai Metallica, col senno di poi una scelta incomprensibile da un punto di vista artistico, poiché ai Metallica non serve un bassista come Trujillo, non sanno come impiegarlo e Trujillo dal canto suo non incide in alcun modo sulla musica dei Metallica se non per qualità esecutiva e perizia strumentale. Un passo spiegabile solo dal punto di vista del conto in banca e del (reciproco) feedback mediatico. “Suicidal For Life” è l’ultimo titolo che vede ancora insieme l’ensemble dorato fatto da Muir, George, Clarke e Trujillo, ed in fondo è ancora un album di pregio, magari al di sotto delle aspettative ma sempre incazzato da morire. Poi trascorre un intero lustro e il marchio Suicidal si ripresenta sulle scene nel 1999 con “Freedumb”, a detta di molti la peggior prova discografica del combo losangelino (ma non è vero neanche questo, ha i suoi momenti). Clarke ancora resiste accanto a Muir ma per il resto la formazione è rivoluzionata, così come il sound, lontano dal funky crossover degli anni con la Epic. I Suicidal sono tornati nel ghetto, sono arrabbiati e frustrati, senza la minima intenzione di appendere gli strumenti al chiodo. Non tutto quanto verrà pubblicato nel primo ventennio del nuovo secolo e millennio è da buttare o trascurare, c’è del buono in “Free Your Soul And Save My Mind” (2000) – il titolo forse più vicino al periodo di “Lights…Camera…Revolution” e “The Art Of Rebellion” – in “13” (2013) e in “World Gone Mad” (2016), album che ospita addirittura Dave Lombardo alla batteria (che li accompagnerà pure in tour). Singole canzoni qua e là fanno baluginare ancora scintille dei Suicidal più gloriosi, il vigore non viene meno e neppure l’integrità della band, tuttavia nel complesso l’asticella si è abbassata, la band ha decisamente il fiato più corto, ha poco da aggiungere a quanto già detto e scolpito nella pietra a futura e sempiterna memoria. Muir dal vivo è sempre generoso ma i suoi muscoli, le sue giunture ed i suoi polmoni devono scendere a patti con le 50 ed oltre primavere accumulate. I Suicidal sono stati una realtà unica dalla personalità gigantesca, un fiore di pregio in un bouquet che in quegli anni tra funky, hardcore e metal ha regalato tanta musica eccellente e moltissime band, tutte in sintonia con i Suicidal Tendencies ma nessuna capace di raggiungere lo stesso zenit maestoso.

Discografia Relativa

1988 – How Will I Laugh Tomorrow… When I Can’t Even Smile Today
1989 – Controlled By Hatred/Feel Like Shit… Deja Vu (EP)
1990 – Light… Camera… Revolution
1992 – The Art Of Rebellion
1994 – Suicidal For Life

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