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Zombie Di Provincia: “Make Them Die Slowly”

Marco Tripodi — Tue, 22 Jul 2025 14:20:39 +0000

“Make Them Die Slowly” è il mio disco dei White Zombie. Dopo c’è “La Sexorcisto”. E quelli per me sono i White Zombie. La band ha prodotto altro? Certamente. Io lo ascolto? Preferibilmente no. Perché? Succede come la meringata, al primo boccone è appetitosa, al secondo già stucca. Fate prevenzione contro il diabete, leggete di seguito.

Contenuti:

1. Cinquanta e cinquanta
2. L’America di Russ Meyer e di Tobe Hooper
3. Lightning zombies
4. Glamour zombies

1 – Cinquanta e cinquanta

Il mio primo incontro con i White Zombie avvenne nel 1989, forse addirittura 1990, non ricordo con esattezza. Quello che ricordo è che ero alla ricerca di qualcosa da comprare, in uno dei miei soliti sabato pomeriggio vinilici in giro per i negozi fiorentini. Una delle mie mete saltuarie era Dischi Ghost in piazza delle Cure, saltuaria perché era perlopiù specializzato in roba goth/punk/new wave, sonorità alternative, sebbene avesse anche un po’ di metal e solitamente a prezzi non troppo esosi. Amara considerazione a margine, ovviamente anche Dischi Ghost, come il 90% dei negozi che ho frequentato in età adolescenziale, non esiste più in città. Insomma, fu lì che mi imbattei in questo album stralunato, la copertina era veramente qualcosa. Concettualmente nulla di nuovo, la band stava in posa in primo piano a farsi osservare dal potenziale acquirente, ma c’era un certo non so che che la rendeva magnetica, ipnotica, mesmerizzante. Il cromatismo innanzitutto, artefatto, posticcio, quasi alieno. I quattro zombie avevano l’aria sfatta, quattro brutti ceffi non esattamente raccomandabili se incontrati nel famoso vicolo buio ad orari improbabili. Che poi, a ben guardare, uno di loro sembrava una ragazza, e lo era (Sean Yseult aka Shauna Reynolds), ma sulle prime si confondeva perfettamente col resto della sua gang tossica. Dubito che in quella cricca fossero mai circolati shampoo e bagnoschiuma. L’unica maglietta riconoscibile era quella dei Misfits, indossata da quello che poi scoprirò essere Ivan De Prume, il batterista. Il titolo dell’album era sufficientemente truce ed in linea con l’immagine del gruppo: “fateli morire lentamente”, pareva la battura di un cannibal movie di Ruggero Deodato… e invece è di Umberto Lenzi, visto che il suo Cannibal Ferox è circolato a livello internazionale con il titolo alternativo di Make The Die Slowly. Passando al retro copertina, tutto si faceva ancora più cupo ed aggressivo, una morte secca ma con la testa simile ad un critter (gli “extra roditori” di Joe Dante) digrignava i denti minacciando l’osservatore, con sotto una fila di teschietti e ai lati i titoli delle canzoni. Una botta di acido notevolissima, un’immagine piuttosto hardcore punk. Ora, siccome io non avevo la più pallida idea di chi fossero questi White Zombie, ma ciò che vedevo mi stava piacendo da morire anche se non avrei saputo dire il perché, mi convinsi che di quello si trattasse, hardcore punk. Senza che neanche me ne rendessi conto, ero alla cassa a sborsare le mie 25 mila lire dell’epoca per un disco che sarebbe potuto essere tanto orrendo quanto splendido. Cinquana e cinquanta.

II – L’America di Russ Meyer e di Tobe Hooper

All’altezza del 1989 la band aveva già prodotto materiale, un Ep nel 1985 (“Gods On Voodoo Moon”) e il debutto “Soul-Crusher” nel 1987, entrambi su Silent Explosions Records. Ma io non lo sapevo, e come il calabrone che è anatomicamente inadatto a volare eppure vola lo stesso, io stavo per mettere sul piatto il secondo full-lenght dei White Zombie che per me stavano debuttano in quel preciso istante. L’impatto fu altrettanto efficace, coerente con quanto tutto l’aspetto grafico ed il mistero che (per me) gravitata su “Make The Die Slowly” avevano apparecchiato. Venivo dal metal e dall’hard rock, ed ero anche relativamente giovane come ascoltatore di quei generi poiché avevo cominciato con gli Iron Maiden nel 1988; i White Zombie andavano da tutt’altra parte rispetto a ciò a cui erano abituate le mie orecchie al tempo. Quello non era metal, non lo era nella misura in cui i White Zombie non erano una band strettamente metal, anche se in rapporto agli esordi avrei poi scoperto che un certo processo di metallizzazione era in corso.

La produzione di “Make Them Die Slowly” è molto low profile, la chitarra di John Ricci suona slabbrata, di cartavetro, aspra, bisbetica, esprime livore e voglia di attaccar briga. Il tutto è amplificato ed elevato a potenza dal cantato di Rob Zombie, una specie di predicatore ossessivo ed ossessionante, marcio, visionario e apocalittico. In questo Zombie rispecchia a pieno il suo background culturale, la provincia americana chiusa, ottusa e retriva dei b-movies di Russ Meyer, pietra angolare ancora più importante dell’horror e della fantascienza degli anni ’50 e ’60 per giudicare la musica dei White Zombie a mio parere, e calarsi con cognizione di causa nel loro immaginario narrativo e rappresentativo. Pare di vedere all’opera quei piccoli uomini bigotti, retrogradi e creduloni, ora sedotti da procaci virago fiammeggianti, ora annichiliti da alieni ipnotici e psichedelici dalle improbabili forme polipoidi atterrati su dischi e sigari volanti. Dentro “Make Them Die Slowly” c’è l’America di Russ Meyer e quella di Tobe Hooper, dei pastori delle chiese di legno sperdute nel nulla, mentre balle di fieno rotolano al vento senza incontrare ostacoli per miglia e miglia, cullate dal suono di insegne di metallo arrugginite penzolanti alle gas station. Nel songwriting di Zombie e soci si affacciano le fisionomie di Leatherface, dell’uomo lupo, dei motociclisti pazzi della bikexploitation di Motorpsycho!, dei protagonisti dei film di Tarantino e di John Carpenter. Un frullato di estremismi comportamentali e cognitivi trapiantati nella contea di Hazzard di Bo e Luke, tra una distilleria illegale e l’altra. La cosa interessante è il totale menefreghismo dei White Zombie per il compiacimento dello spettatore, la forma canzone è tutto fuorché conciliante e accomodante, la band fa un po’ quel che vuole, come e quando vuole; ripete, cambia, stravolge, si avvita ossessivamente su pattern che hanno in evidente ispregio l’airplay. Tutto è portato all’eccesso, costi quel che costi. I White Zombie sembrano suonare per loro stessi e per il proprio esclusivo appagamento, incuranti del pubblico. In questo indubbiamente c’è un purissimo atteggiamento hardcore punk che sta alla base dell’indole di un album adorabilmente squinternato come “Make Them Die Slowly”. Non sarà sempre così, purtroppo.

III – Lightning zombies

Per tutti i motivi detti, il secondo capitolo discografico dei White Zombie non è un lavoro che ti arriva subito, che ti entra dentro al primo ascolto e prende possesso delle tue vene. Io rimasi colpito, schiaffeggiato, bruciato ma ci vollero ripetute sessioni perché ne afferrassi il senso, mi orientassi, venissi pervaso dal suo feeling fino a farlo mio. A parte forse quello di “Disaster Blaster”, non ci sono grandi ritornelli cantabili, né ami ai quali farsi appendere per la bocca, “Make The Die Slowly” va preso nella sua interezza, nel suo complesso, un blocco di granito rancido e fetido che ti rovina addosso e di cui sperimenti tutta la consistenza ed il peso specifico mentre sostanza acide e insalubri ti colano addosso da qualche parte, creando ulcere e ferite sulla pelle. Pare poco invitante raccontato così, vero? Invece alla fine i White Zombie sanno il fatto loro e ti conquistano, uno squinternato squadrone suicida che non fa prigionieri, ti afferra per il collo e ti addomestica.

“Make Them Die Slowly” è il prodotto della scrematura di ben 16 pezzi che erano stati approntati per l’album, la scelta della scaletta pare sia avvenuta sulla base dei brani che più si discostavano dal precedente materiale, ovvero dalle sonorità maggiormente noise e psichedeliche di “Soul-Crusher”. Lo slittamento verso il nuovo avvenne anche grazie all’avvicendamento alla chitarra tra l’ex Tom Guay e il subentrante Ricci. Il produttore del disco, Bill Laswell, fu consigliato ai White Zombie direttamente da Iggy Pop, estimatore del gruppo, ma il matrimonio artistico non fu privo di spine. Al termine del lavoro gli zombie non si dissero soddisfatti. La Yseult in particolare dichiarò che pareva fosse stato registrato in un barattolo di latto, con un basso – il suo strumento – sostanzialmente inesistente ed ovattato. Il che è un po’ vero, così come anche il suono della batteria risulta troppo debole e fiacco. Ma una cosa che spesso i musicisti tendono a sottovalutare è che il sound particolare di un album, anche laddove particolare sta per deficitario e difettoso, contribuisce all’atmosfera generale. E con il passare degli ascolti e del tempo viene comunque metabolizzato dall’ascoltatore che lo impasta in modo inscindibile con il songwriting, concorrendo così – assieme a tutto il resto – a creare l’imprinting di quella band, fino al punto in cui quel disco non sarebbe potuto suonare in nessun’altra maniera che quella. Ne diventa una caratteristica saliente e da limite si trasforma persino in un elemento di forza. Tuttavia la Yseult non ha mai fatto pace con il processo di registrazione di “Make Them Die Slowly”. Laswell glielo fece ripetere tre volte per poi scegliere l’ultima sessione, la peggiore a detta della Yseult, la quale secondo il produttore doveva registrare seduta e con la dovuta leggerezza sulle corde per non inficiare la resa di ogni singola nota. “Un mucchio di stronzate!” per la Yseult, col senno di poi. Ricci fece in tempo a partecipare a questo unico album dei White Zombie per poi abbandonarli dovendosi dedicare al suo fastidiosissimo tunnel carpale. Rob Zombie dal canto suo faceva fatica a vedersi come un metallaro o uno interessato alla musica metal, anche se “Ride The Lightning” era un disco che lo aveva particolarmente impressionato e lo aveva parzialmente convinto a rivedere le sue posizioni, giungendo così alle sonorità di “Make Them Die Slowly”.

IV – Glamour Zombies

Nello stesso anno la band dà alle stampe l’Ep “God Of Thunder”, la cui title-track è la cover dell’omonimo pezzo dei Kiss, cosa che fece saltare sulla sedia Gene Simmons (osservate la copertina). Alla chitarre c’è Jay Yuenger. Appena tre tracce in totale che fungono da ponte tra “Make The Die Slowly” e il successivo “La Sexorcisto: Devil Music Volume One”, titolo che porterà i primi riscontri commerciali e mediatici di un certo livello per i White Zombie, l’album che di fatto li fece arrivare al grande pubblico e ne cambiò la storia, o perlomeno quella di Rob Zombie, ma anche l’album che al contempo pose il primo mattone della fine. “La Sexorcisto” è un disco con la smania di auto confinarsi dentro tutti gli steccati e i recinti che servono per farsi notare. Robert Bartleh Cummings (il vero nome di Zombie) ha frecce al suo arco da giocare e sa sceglierle con cura, il songwriting del 1992 è elettrizzante, ammiccante, ruffiano, maledettamente studiato a tavolino ma indubbiamente adesivo come carta moschicida. I White Zombie hanno già preso un’altra strada, l’attitudine “sfanculata” dei primi due album viene soppiantata da un approccio più professionale, commerciale, industriale; la band si perde per strada un po’ della sua anima più verace e irriverente, geometrizza le forme, smussa gli angoli, dà logica e sensatezza alle canzoni, le inquadra e le normalizza, pur cercando di mantenere inalterato tutto l’humus visionario e narrativo derivante dalla cultura cinefila, letteraria e fumettistica di serie b di Rob. I White Zombie diventano qualcosa di più simile ad un circo (ambiente dal quale Rob proviene poiché quello era il lavoro dei suoi genitori). Da essere l’incarnazione di un certo universo semantico passano ad esserne la rappresentazione, pare una sfumatura ma ci passa un mondo nel mezzo. Se prima era come stare dentro La Notte Dei Morti Viventi di Romero, insieme ai suoi protagonisti, vivendolo in prima persona, ora era più come stare al drive in o in qualche grindhouse con la propria ragazza ed il barattolo dei pop corn in mano, a ridacchiare di improbabili rutilanti pellicole a basso costo, sapendo che ad un certo punto le luci sarebbero arrivate a porre fine alla messa in scena.

Ribadisco, a scanso di equivoci, “La Sexorcisto” è un buon album ma cambia piano di lettura (della band), si mette più ninnoli addosso, addobba la vetrina e spera di riuscire a vendere più merce di prima. Gli White Zombie non stanno più suonando per loro stessi o per un pubblico immaginario di zombie sciancati come loro. Se possibile dopo andrà peggio. Con “Astro-Creep: 2000 – Songs of Love, Destruction And Other Synthetic Delusions Of The Electric Head” (1995), logorroico e pretenzioso sin dal titolo, questa propensione della band esploderà incontrollata, su Geffen. Nel frattempo alla batteria sarà arrivato John Tempesta (già con D.R.I., Exodus, Testament, e poi anche con Helmet, Prong e The Cult). A Rob Zombie piace piacersi e infatti fa il piacione, si lava sempre meno, è sempre più incatramato e bardato di stracci, oggetti e capelli, ma al contempo adora fama e successo, cerca spasmodicamente visibilità e la musica dei White Zombie sembra andare di conseguenza, ballabile, sempre più groovy e “industrializzata” come un robottino Transformer per bambini. Provate a ballare un pezzo di “Make The Die Slowly”, se vi riesce! A distanza di un anno viene pubblicato “Supersexy Swingin’ Sounds”, che altro non è che un remix di “Astro-Creep 2000”, la Geffen censura la copertina (ragazza in bikini al posto di ragazza nuda), poiché altrimenti non avrebbe potuto piazzare il disco nei mega centri commerciali come Wal-Mart. E da che mondo è mondo la censura aumenta tiratura e interesse non il contrario.

Inevitabilmente a forza di tirare la corda, si spezza. La band si disintegra e Rob scopre di essere un novello Leonardo da Vinci, cantante, art director, disegnatore, regista, sceneggiatore, produttore, probabilmente anche wedding planner e sommelier. Dal 1998 avvia la sua carriera solista, battezzata dal disco col solito titolo wertmulleriano (“Hellbilly Deluxe: 13 Tales Of Cadaverous Cavorting Inside The Spookshow International”). Al momento siamo arrivati a 7 titoli in studio, più vari live, remix album e raccolte, compreso anche un sequel di “Hellbilly Deluxe”. Dal 2003 Zombie si inventa regista, rigorosamente horror, esordendo con La Casa Dei Mille Corpi, e da quel punto di vista siamo a 9 titoli diretti sino ad oggi di cui uno rimasto inedito in Italia (il cartone animato The Haunted World Of El Superbeasto), oltre al divertissement Werewolf Women Of The SS, che fa parte del film Grindhouse di Tarantino e Rodriguez, e ad un episodio della serie CSI: Miami. Ma Rob Zombie fa pure il doppiatore, recita in tv, sceneggia e produce i suoi film, dirige i suoi videoclip, fa incetta di riconoscimenti e candidature, e trova pure il tempo di sposare Sheri Moon, divenuta per questo Sheri Moon Zombie, a sua volta attrice, modella, ballerina, stilista. Delle sonorità di “Make The Die Slowly” non c’è più traccia, come probabilmente è giusto e normale che sia trattandosi di qualcosa che risale a ben 36 anni fa. Io non sono lo stesso di 36 anni fa, voi non siete gli stessi di 36 anni fa. Questo significa che tutto ciò che Zombie ha prodotto dopo io debba accettarlo e sia esente da critiche solo perché “è l’evoluzione, baby“? Non credo, a ciascuno il suo, Rob ha una fantastica carriera multitasking da genio del Rinascimento da portare avanti, mentre io vi devo lasciare perché devo andare a mettere sul piatto uno dei dischi più marci della mia collezione, pubblicato nel lontano 1989.

Discografia Relativa

1987 – Soul-Crusher
1989 – Let Them Die Slowly
1989 – God Of Thunder (EP)
1992 – La Sexorcisto: Devil Music Vol. 1

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Genitorturers: la band che quasi distrusse i Morbid Angel

Marco Tripodi — Sat, 24 Aug 2024 13:23:45 +0000

Quando un circo di freak erotomani riuscì quasi a sconfiggere la più potente legione di demoni dell’inferno addestrati da sua Maestà Cthulhu in persona, anzi in polpo. Correva l’anno 2011 ma il carrozzone di Gen la furia, la erinni, la iena, solcava le lande della Florida già dal lontano 1986, mietendo vittime a colpi di frusta, punteruoli incandescenti e macchine di tortura. Nell’arco di un paio di decadi il loro Rocky Horror Picture Show si è progressivamente trasformato in uno spettacolo desadiano per borghesi glamour e depravati. L’America ha potuto finalmente guardarsi allo specchio.

Contenuti:

1. Destructos vs. Morbid Angel (2011)
2. Il Fantasma di Sodoma (1986 – 1998)
3. Sangue nero (2002 – 2009)

1 – Destructos vs. Morbid Angel

Quando il 6 giugno 2011 i Morbid Angel pubblicarono “Illud Divinum Insanus”, l’ottavo studio album della loro storia, tutte le colpe ricaddero su David Vincent, reo di aver portato i Genitorturers dentro i Morbid Angel, di aver snaturato la band di Trey Azagthoth, di aver mortificato una delle colonne portanti del death metal (perché tali da sempre sono stati considerati i Morbid Angel, grazie ad album come “Altars Of Madness” e “Blessed Are The Sick”). Poco importava se Azagthoth era sufficientemente spostato di suo e la strada l’aveva già smarrita anche senza Vincent; il punto è che puoi anche fare dischi brutti o di riciclo ma non puoi insozzare la violenza con la malizia. E se la colpa era di Vincent, chi lo aveva traviato era stata sua moglie Gen, al secolo Jennifer Zimmerman, leader dei Genitorturers, autori di un alternative-groove-industrial metal che assomigliava sin troppo a quello che Vincent aveva cercato di fare con i Morbid Angel del 2011, una metamorfosi, una trasfigurazione, una vergogna che non poteva essere tollerata, tantomeno perdonata. Vincent era visto totalmente in balia delle ovaie della perfidissima Gen, donne forte, dominatrice, a letto e fuori, di cui evidentemente il super maschio Vincent era succube. I rapporti sadomaso e la sudditanza psicologica erano affari loro purché non uscissero dal talamo nunziale e arrivassero a compromettere la purezza e l’onore del vecchio Angelo caduto dal Paradiso. Il tenore di alcune critiche a “Illud” fu proprio questo, bacchettone e moralista, neppure Famiglia Cristiana ai tempi delle commedie sexy con Banfi e Vitali.

Da subito l’attacco di “Too Extreme!” con quell’ossessionante pattern ritmico tutto uguale, quella batteria sintetica, più simile al trapano di un cantiere edile che a delle pelli di un drumkit “analogico”, si erano rivelati decisamente troppo estremi, mai titolo fu più adeguato e sincero. Si d’accordo, altre tracce lungo la scaletta riportavano i Morbid Angel sulla retta via (“Existo Vulgoré”, “Blades For Baal”, “Nevermore”), ma come riuscire a far finta di nulla con vere e proprie provocazioni come “Destructos vs. The Earth-Attack”, “Mea Culpa” o la parossistica “Radikult”? I padri del death si erano mondanizzati, erano diventati glamour, forse si stavano addirittura divertendo con delle canzoni così grottesche ed eccentriche… come osavano? Sarebbe stato come se improvvisamente Lenny Kravitz, la quintessenza del maschio alfa, si fosse presentato sul palco in négligé rosa, ciabattine puffose e cavigliera borchiata, ed avesse iniziato a suonare un set di cover di Kate Perry e Cristina D’Avena.

La rivolta del nerboruto, corrucciato e machissimo mondo metal fu abbastanza esilarante e scomposta. In alcun modo poteva essere messa in conto dell’ironia, una qualche forma di alleggerimento o di bizzarra estremizzazione, si trattava di lesa maestà, né più né meno. Il death metal come uno Stato etico, una teocrazia. Detto tra di noi, a me “Illud” piaciucchia abbastanza, non è certo il miglior album dei Morbid Angel ma lo preferisco sena dubbio alla stasi paludata in cui si era andata ad infilare la band nel decennio precedente. Personalmente poi ho il limite che a quel monicker senza Vincent manca qualcosa, non sono i Morbid Angel fino in fondo, un po’ come i Forbidden senza Russ Anderson o i Great White senza Jack Russell. Vincent se ne va all’indomani di “Domination”, nel 1995, proprio per far coppia con la delicatissima Jennifer. Discograficamente i coniugi collaborano giusto un lustro, il tempo di dare alle stampe il full-lenght “Sin City” e l’Ep “Flesh Is The Law”. Il ritorno nei Morbid Angel durerà all’incirca una decade ma produrrà di fatto un solo album, il vituperato “Illud Divinum Insanus”, che quasi distrugge la carriera dei floridiani e che molti vorrebbero non avesse mai visto la luce, non dico come “Load” e “St. Anger” ma quasi.

II – Il fantasma di Sodoma

Che virus erano questi Genitorturers capaci di avvelenare una delle band più amate e rispettate della storia (del metal) e portarla ad un passo dall’estinzione? Che ferocia dovevano avere per combattere ad armi pari con i Morbid Angel e rischiare financo di abbatterli? Nel 2004 il magazine per adulti Hustler gli appiccica addosso l’etichetta di “band più sexy del mondo”, carica onorifica che piace molto ai Genitorturers, i quali se ne appropriano e corrono a farlo scrivere a lettere cubitali sul proprio biglietto da visita. Ma i Genitorturers esistono dal 1986, anche se il primo lavoro discografico arriva parecchi anni dopo, nel 1993. All’inizio la Zimmerman è solo una bassista e al microfono c’è una certa Marisa, molto poco “extreme” e parecchio parrucchiera di Portico di Romagna. Punk e hardcore sono l’alfa e l’omega del gruppo mentre calcano i palchi della Florida mietendo vittime sotto il segno della ribellione, dell’anarchia e della distruzione.

Immediatamente i Genitorturers si caratterizzano per una notevole sguaiatezza, per una carica elettrostatica massiccia e per l’attenzione ad un alto tasso di spettacolarità; il loro è uno show sonoro ma anche visivo, di quelli che rimangono impressi alla prima volta. Tanta gavetta porta l’interesse di un emissario della IRS Records (di proprietà del batterista dei The Lords Of The New Church, Nick Turner), label di Gary Numan, Nuclear Assault, Mekong Delta, The Damned, Dead Kennedys, The Cramps. E con la IRS Records arriva il contratto che licenzia il debutto discografico, “120 Days Of Genitorture”, chiaro omaggio al romanzo incompiuto quasi omonimo del marchese De Sade, eccetto che per Sodoma sostituita con il nome della band. Il riscontro è ottimo, musicalmente la proposta è furiosa e destabilizzante al punto giusto; metal, groove, elettronica, industrial e hardcore mescolati in un concentrato dinamitardo che lascia il segno. Gen ha un vocione ingrossato, cattivo e minaccioso, e più che sedurti con le tette che sfoggia in copertina sembra volerti prendere a calci nel sedere. Con puntualità scientifica Vincent lascia i Morbid Angel e si unisce ai Genitorturers, i quali vanno in tour tra Stati Uniti, Europa e Giappone, un circo che mette assieme musica, violenza, sesso e BDSM. Quando i Genitorturers sono in città nessuno vuole perdersi il loro spettacolo. L’artwork di “120 Days Of Genitorture” non lascia adito a dubbi, Gen è vestita (e tatuata) come una mistress, quel frustino farà male e le sue curve burrose avranno facile gioco a lenire il dolore. Cosa potrà mai contenere un album del genere? Non cover di Kate Perry e Cristina D’Avena. Del resto titoli come “Velvet Dreams”, “Pleasure In Restraint”, “Strip The Flesh” o “Force Fed” lo lasciano intuire. Il monicker scelto dalla band non è esattamente all’insegna della poesia provenzale e dell’eleganza garbata. Il codice di comportamento comprende cazzotti in faccia, volgarità gratuite e parecchia adrenalina.

Se è vero che il BDSM, l’insistenza sul sesso e sulla provocazione, scandalizzano e relegano da subito la band nel novero dei fenomeni da baraccone piuttosto che in quello dei bravi musicisti, d’altra parte si rivelano anche un trampolino di lancio verso hype e glamour, tant’è che la tv gira subito il collo verso i Genitorturers. VH1, Fox News, Hard Copy, HBO, Playboy TV, ospitano la combriccola di Gen ben volentieri, sperando proprio che mettano in atto tutti i trucchi del mestiere e che tengano fede a quanto si racconta accada nei loro live show. Non c’è da pregarli troppo, if you want blood…you’ve got it. Tempo di consolidare il proprio status di minaccia al perbenismo dei costumi e del pentagramma, che i Genitorturers danno alle stampe un nuovo lavoro, si tratta di “Sin City”, anno 1998. Il titolo ci rassicura subito sullo stato di forma (morale) dei nostri, tuttavia le sonorità dell’album, sebbene coerenti con quelle degli esordi, si sono leggermente assestate, c’è meno furia belluina, meno aggressività, semmai si rende la miscela ancora più acida e slabbrata, ma nel complesso i 42 minuti di “Sin City” si fanno più ricevibili e intellegibili anche da parte di chi non è abituatissimo al genere. Vincent al basso si qualifica come Evil D, un nome d’arte molto Misfits. In scaletta anche una cover degli AC/DC era Bon Scott (“Squealer”). Tra White Zombie, Marilyn Manson, Ministry e Garbage, i Genitorturers catturano lo zeitgeist e cercano di stare all’avanguardia di un certo rock capace di fondere fabbrica e degenerata provincia americana.

III – Sangue nero

Altri quattro anni ed esce l’EP “Flesh Is The Law”, che mescola alcuni inediti con delle tracce live. Il sound è sempre più asfittico e sintetico ma sta traghettando i Genitorturers verso una sorta di pop rock perverso, alternativo ed edulcorato, o perlomeno sdoganato nel mainstream anche dal successo di nomi altisonanti come quello innanzitutto di Marilyn Manson, andato ben oltre il suo recinto di partenza e divenuto quasi un fenomeno culturale. Il processo di canonizzazione era iniziato a partire da “Sin City” e si compie definitivamente con “Blackheart Revolution” nel 2009. Più che di un album dei Genitorturers si dovrebbe parlare di un lavoro solista di Gen, poiché scrive tutta la musica ed i testi pur avvalendosi di alcune collaborazioni, tra le quali quella con il marito. “Blackheart Revolution” è un disco per la classifica, per le masse, per le radio e le tv, è un album di rock duro ma dal cuore oscuro, che tuttavia può piacere anche a chi non vive stabilmente sul lato buio della Luna. Jennifer è una femme fatale, una dark lady oramai più sexy che pericolosa e alcune tracce sono dei veri e propri anthem a cui di alternativo rimane ben poco (penso in particolare a “Kabangin’ All Night”, nemmeno troppo distante da “Beautiful People” del reverendo Manson, o “Cum Junkie”, che scalderebbe parecchi dancefloor). Sotto questo aspetto i Genitorturers hanno cambiato pelle, un album come “120 Days Of Genitorture” non faceva leva su delle hit ma piuttosto stabiliva un ambiente complessivo, un clima, una cornice omogenea e costante, all’interno della quale veniva calato l’ascoltatore, come un acquario popolato di pesci esotici che osservati nel loro insieme trasmettevano la congerie di suggestioni, colori e sensazioni immaginata da Gen e dai suoi soldati del sesso degenere.

“Blackheart Revolution” sceglie la via più facile, è piacevole, divertente, ruffiano, opportunista, gode forse della miglior produzione sin qui dei Genitorturers e non ha sostanziali critiche in pancia se non quella di aver consapevolmente gettato un ponte verso il mainstream. Se prima Gen poteva essere assegnata alla schiera delle ragazzacce cattive, riottose e fuori dagli schemi come Tairrie B e Wendy O. Williams, ora è più vicina a delle sensuali sirene arrabbiate per contratto come Courtney Love e Maria Brink. “Blackheart Revolution” comunque è un bel disco che compie la definitiva istituzionalizzazione dei Genitorturers. In copertina Gen sembra dirci: “ho sacrificato il mio cuore per il successo, rendetemene merito“. In tanti hanno provato a vendere l’anima al diavolo in cambio di fama e gloria, ma anche saper scrivere un bel disco acchiapperello per il pubblico è un talento che bisogna possedere, non si fa con la bacchetta magica. Di solito si fa semmai grazie a songwriter e produttori scafati ma in questo caso molto del merito va all’autarchica Gen. Negli anni sono quasi una ventina i musicisti che si sono alternati all’interno della discografia della band, segno evidente che la Zimmerman è stata il centro di gravità permanente del progetto, al punto tale che le prime tre lettere del monicker lo hanno sempre chiaramente fatto intendere.

Tra il 1997 ed il 2004 la musica dei Genitorturers è comparsa in colonne sonore e videogiochi, né si possono dimenticare i dvd della band (oggetto oramai desueto), che completavano visivamente il sound di un ensemble che anche da un punto di vista estetico e formale aveva bisogno di spendere le proprie cartucce, di essere attenzionato, per non sprecare parte del proprio potenziale. I loro rituali, le loro messe fetish, i loro capricci in latex e acciaio sono puntualmente riportati in quei fotogrammi autocelebrativi, un po’ vanagloriosi e molto americani, capaci di mettere assieme un palo da strip bar di quart’ordine, tanta chincaglieria goth, elementi steampunk, esoterici, post apocalittici, pornografia, sguaiatezza, piercing e blasfemia; ma, alla fine della fiera, come nei tunnel dell’orrore dei luna park, quando il giro è finito la cartapesta si vede ad occhio nudo ed è ora di tornare a casa, ché domattina c’è la sveglia, ci si alza presto per andare a lavorare. L’avventura dei Genitorturers in studio di registrazione è in stand-by da circa tre lustri, tuttavia la band esiste, continua ad esibirsi dal vivo e forse non ha neppure un gran bisogno di pubblicare ulteriore materiale inedito, sopravvivendo grazie ai propri spettacoli e al chiacchiericcio maldicente che ancora continua a generare.

Discografia Relativa

1993 – 120 Days Of Genitorture
1998 – Sin City
2002 – Flesh Is The Law (EP)
2009 – Blackheart Revolution

Link e Social

L'articolo Genitorturers: la band che quasi distrusse i Morbid Angel proviene da The Elder's Orient.

Saigon Kick: La Musica Intelligente

Marco Tripodi — Thu, 24 Aug 2023 08:17:58 +0000

Lo dico un po’ provocatoriamente ma in fondo lo penso, i Saigon Kick sono stati la miglior cosa partorita dal fermento, dall’irrequietezza, dal disincanto e dalla disillusione degli anni ’90. Hanno assommato nella loro musica tutti i tratti distintivi di quella decade ed al contempo hanno fatto un salto quantico nel futuro, dando alle stampe una serie di album che perlopiù i contemporanei non hanno compreso appieno, storditi dalla compresenza di rock, hard rock, financo metal, ma pure Beatles, David Bowie, intenzioni funky, aperture jazz ed armonie vocali astronomiche. Sotto l’ombrello dei Saigon Kick gusto, eleganza, estro ed intelligenza compositiva erano riuniti nelle mani di musicisti dall’eclettismo pazzesco, dotati di un’alchimia dimostratasi decisamente rara, se non unica.

Contenuti:

1. Nuovo mondo (1988 – 1991)
2. Lucertole imprendibili (1992)
3. Il colore dell’acqua (1993 – 1995)
4. Astenia compositiva (1998 – 2000)

1 – Nuovo Mondo

Quella del cosiddetto “grunge” è un’etichetta ampia e larga che ha raccolto in tante cose anche disparate e differenti, a tratti persino difficilmente conciliabili tra loro, come accaduto ad esempio pure nella NWOBHM e più in generale in tutti quei movimenti musicali raggruppati prevalentemente per esigenze di calendario, anche se è innegabile che un certo sentire e dei tratti comuni via siano stati. Come far convivere il sound ma soprattutto le intenzioni dei Pearl Jam, degli Skin Yard, dei Nirvana, degli Helmet, degli Screaming Trees, delle L7, dei Soundgarden? Intanto diverse delle band classificate come grunge (qualunque cosa si intenda con tale termine) lo sono state parzialmente o affatto. Qualche esempio, i Mind Funk, rientrati nel calderone con “Dropped” (1993) dopo un debut omonimo che però era tutto fuorché grunge; le L7, assai più interessate al punk e all’hardcore che al grunge; i Soundgarden, che un’anima grunge la possedevano innegabilmente, insieme però alle tante altre sfumature che emerse nei loro album; gli Helmet, a tratti persino più affini ai Pantera che a Eddie Vedder, e certamente pervasi da una prepotente attitudine hardcore. Idem gli Skin Yard, estimatori del grunge li hanno apprezzati, alternando sul piatto un loro vinile magari con uno dei Temple Of The Dog, difficilmente un fan dell’hardcore avrebbe invece potuto fare altrettanto. E gli Alice In Chains? Ancora altre sfumature, con armonizzazioni vocali da brividi che più che la malinconia e la rugiada evocavano stati d’animo prossimi all’angoscia e alla paranoia. Insomma, il grunge è stato tutto e niente, come spesso accade ai fenomeni musicali che i Media cercano di ingabbiare in un recinto fatto di aggettivi che vanno stretti alla musica in sé, a meno che non si tratti di Ramones o AC/DC.

A 5000 km da Seattle, considerata la patria putativa del grunge, in una città che tutto evoca fuorché nostalgia, depressione e nichilismo, ed in un momento storico nel quale il grunge è ancora lontano dall’emanciparsi come fenomeno dapprima americano e poi mondiale, Matt Kramer e Jason Bieler uniscono i propri talenti, rispettivamente al microfono ed alle sei corde elettrificate, si mettono assieme ad un bassista – Tom DeFile – e ad un batterista – Phil Varone – dopodiché scrivono musica, suonano ovunque il più possibile riuscendo a crearsi in breve tempo un discreto seguito locale, e si mettono a caccia di un contratto discografico che arriva nel 1990 con Third Stone Records (divisione MCA) e con distribuzione Atlantic Records. Un anno di gran lavorio e finalmente il disco di debutto è pronto. Rispetto all’anno di nascita della band, battezzatasi Saigon Kick, il 1991 è completamente un’altra era geologica, tutto sta cambiando in ambito rock e metal, e molto è già cambiato, ma il bello è che i Saigon Kick nascono già avanti, proiettati in una dimensione tutta loro che è già di per sé sfidante verso il pubblico, a qualunque pubblico intendano rivolgersi. Pur provenendo dai tardi anni ’80 sono tutt’altro che ancorati a quella decade, semmai vanno ancora più a ritroso, verso ’60 e i ’70, spalmando però sul proprio songwriting una patina di presente e di avanguardia che li allontana da un inquadramento statico e stagnante, di musicisti legati sterilmente alla tradizione.

L’omonimo “Saigon Kick”, prodotto da Michael Wagener, esplode come una bomba… non è vero, a livello di vendite e di attenzione degli organi di stampa e anche di pubblico non è poi questa gran deflagrazione, forse va persino un po’ meglio in Europa che in America, perlomeno di qua dall’Atlantico la percezione è quella. Tuttavia col senno di poi si rivelerà uno di quegli album enormi e un po’ incompresi, che essendo troppo decontestualizzati rispetto al proprio tempo storico non possono essere apprezzati a pieno dai contemporanei. Nella musica 12 mesi sono un lasso di tempo enorme e “Saigon Kick” è catapultato in avanti (e altrove) di qualche anno luce. Packaging in bianco e nero, copertina tanto semplice quanto potente, un collage di quattro foto, una per ogni membro, con Matt Kramer in particolare evidenza poiché il suo urlo catartico infonde dinamismo e grinta al collettivo. Molto carino il logo, il cui font militare non può non rimandare all’area geografica che la band suggerisce col proprio nome (un po’ scomodo), il Vietnam, ferita sempre aperta nel corpo degli americani. Sul retro una foto della formazione di tutt’altro tenore, assai poco metal bensì molto beatlesiana ed elegante, con vaghi elementi psichedelici che mi hanno ricordato i Katmandu di Dave King (ex Fastway) e Mandy Meyer (ex Asia e poi nel gotha dell’hard rock elvetico con Gotthard e Krokus); anche loro nel 1991 pubblicheranno un bellissimo album d’esordio autointitolato, destinato purtroppo a rimanere il loro unico capitolo discografico. La copertina semplice e carica di tensione, il bianco e nero, il primo singolo della band, un’innegabile irrequietezza di fondo dell’album ed indubbiamente gli anni di contesto nei quali “Saigon Kick” viene pubblicato, fanno associare sommariamente la band all’ambito del grunge, influenza che insieme ad altre 112 avrà certamente fatto parte del loro bagaglio di ascolti, e però, se lo sbrigativo recensore avesse ascoltato meno distrattamente….

II – Lucertole imprendibili

Che ai Saigon Kick interessi poco essere identificati come metal è evidente da ogni loro passo. Non solo l’immagine è lontana da quello stereotipo (al netto dei capelli lunghi e di giubbotti di pelle che si alternano però a sciccosissime giacche molto anni ’90 portate alla Miami Vice), ma anche la musica mette da subito in chiaro che l’elemento borchiato è solo uno dei tanti che concorrono a definire i tratti della band. Il fuoco pulsante del disco è la completa eterogeneità della track list, praticamente con ogni brano si entra in un diverso territorio musicale e questo ai Saigon Kick non pare affatto un rischio bensì un punto di forza, una ricchezza che nelle loro intenzioni dovrebbe finire con l’incuriosire ed ammaliare l’ascoltatore. Ci vogliono parecchi ascolti prima che ci si possa stancare di “Saigon Kick” e la verità è che, di fatto, quel punto di caduta non arriva mai, grazie ad un flusso sonoro in continuo divenire, esattamente come i Saigon Kick si proponevano.

Il mio primo impatto con la loro musica avvenne grazie al videoclip di “What You Say”, nel quale Kramer si presenta con un turbante in testa, degli occhialini da sole tondi e dei vistosi orecchini a cerchio, uno strano incrocio tra John Lennon, Renato Zero e Cristiano Malgioglio che non poteva non turbare i metallari del 1991. Se possibile il brano era ancora più scioccante, smaccatamente beatlesiano, poi però intorno ai 2 minuti arrivava un assolo notevolissimo che rendeva di colpo più robusta l’intelaiatura della canzone; poi a quello seguiva di nuovo il dolcissimo ritornello che creava un potente effetto di straniamento. La cosa più prossima ai Saigon Kick che si poteva sentire nel 1991 erano forse i Galactic Cowboys, anche loro debuttanti con un disco omonimo su Geffen, trainato dallo strambo e coraggiosissimo videoclip di “I’m Not Amused”, idealmente affine alla follia autolesionista dei Saigon Kick. In pochi ascolti “What You Say” crebbe dentro di me in maniera smisurata, a tal punto che era impensabile non precipitarmi ad acquistare l’album, assolutamente fuori discussione. Così feci e così iniziò una delle più belle avventure musicali della mia vita.

Le 14 tracce di “Saigon Kick” sono l’incipit di qualcosa di meraviglioso, potrei e dovrei citarle una per una, omaggiandole delle lodi che meritano, nessuna esclusa. A cominciare dall’inquietudine di “New World”, il suo substrato tribale capace di mescolare al contempo il continente africano e il profondo Oriente, appena 5 minuti e 43 secondi nei quali la band dispiega il proprio potenziale, ma abbiamo appena iniziato ad addentrarci nel nocciolo del reattore nucleare. Chitarre feroci, persino acide, i vocalismi di Kramer ineguagliabili per morbidezza e consistenza, ed una sezione ritmica che ti pulsa nelle arterie fino a impossessarsi con prepotenza del miocardio e a dirigerlo a proprio piacimento come fa un direttore carismatico con la propria orchestra. Una dolcissima schiavitù. “What Do You Do” è punk belligerante, come direbbero i Warrior Soul, altra band americana che negli stessi anni sta per sventrare il metal dall’interno con la sua coraggiosa miscela eterogenea di anarchia ed irriverenza. Sono i riff portanti disseminati lungo tutto l’album che ti lasciano esanime a terra, sbranato da una qualità e da una ferinità senza termini di paragone, come in “Acid Rain”, in “Down By The Ocean”, in “I.C.U.”, in “Month Of Sundays” (qui siamo ai limiti del thrash), eppure in “Suzy” il riff spaccaossa si alterna ad armonizzazioni vocali di stampo opposto, affatto aggressive e ostili, bensì mesmeriche, voluttuose e intrise di una melodia inquieta ed enigmatica. Come se non bastasse poi arrivano gli assoli, aggrovigliati, pulsanti e grondanti fiumi di note. Il track by track è la cosa più noiosa che si possa fare per descrivere un album e tuttavia nel caso dei Saigon Kick ogni traccia cela un mondo, un intero spettro sonoro che soverchia e seduce. Una tavolozza di colori esorbitante. Già, i colori… “Colors” è forse una delle più belle canzoni partorite in tutti gli anni ’90 insieme a “What You Say”; oscura, ammantata di un senso di sconfitta e speranza, un ossimoro nel quale le due polarità dello yin e dello yang non finiscono mai di sopraffarsi vicendevolmente. “Coming Home” è probabilmente uno dei momenti più nettamente grunge anche se “sporcato” da una chitarra che credo piacerebbe parecchio a Zakk Wylde. Con “Love Of God” si torna ai Beatles, seme vitale per i Saigon Kick (assieme a David Bowie). “My Life” è quasi una joke song nella quale ad un certo punto salta fuori persino un richiamo per anatre, eppure sentite che razza di meraviglioso ritornello “motivazionale” degno di una pubblicità di purissima e cristallina acqua che sgorga da incontaminate sorgenti di montagna! Anche “Ugly” si caratterizza per un’ironia decisamente tagliente ma subito dopo “Come Take Me Now” arriva ad abbracciarci come una struggente preghiera di commiato.

16 mesi è “Saigon Kick” ha già un successore, si chiama “The Lizard”, come quella bestiolina tanto celebrata da molti eroi del rock, dai Doors ai Thin Lizzy. Grazie anche ad un tour che ha visto la band mettersi in mostra di spalla agli Extreme di Nuno Bettencourt e Gary Cherone, l’album raccoglie molto più consensi ed attenzione da subito rispetto al suo predecessore e viene letto dai Media come un notevole passo in avanti a livello compositivo e di maturità. Io ad essere sincero non ho mai avvertito questo iato così profondo tra i due dischi, non mi pare che “The Lizard” sia un marchiano passo in avanti rispetto a “Saigon Kick”, i lavori si tengono in modo coerente. E’ vero che la track list di “The Lizard” è più omogenea ed in qualche maniera stabilizza maggiormente i cambi umorali dei Saigon Kick, ma fino ad un certo punto, stiamo sempre parlando di una band che fa dell’iconoclastia, dell’imprevedibilità e della variabilità la propria cifra. Basti prendere “Chanel”, la traccia che chiude le danze, due minuti e quarantasei secondi di pura follia. L’artwork dell’album è meno stupefacente ma riguardo al contenuto la voglia di stupire non cessa nemmeno per un istante; una lunga scaletta di 16 episodi che rendono i 53 minuti del disco una parentesi esistenziale di puro appagamento e beatitudine.

“Feel The Same Way”, “Freedom”, “Peppermint Tribe”, “Body Bags” (compresa nella soundtrack del tv movie L’Infiltrato del 1993 con Charlie Sheen e Linda Fiorentino), “Miss Jones” e la meravigliosa title track sono i pezzi che personalmente preferisco, ma come non citare la dinoccolata e saltellante “My Dog”, il riffing urticante di “Hostile Youth”, il senso di sconfitta e l’umor nero di “God Of 42nd Street”, un pezzo che evoca le atmosfere e gli scenari urbani di un Martin Scorsese, e le due ballad (furbescamente trasformate in altrettanti videoclip promozionali) come “All I Want” e “Love Is On The Way”, quest’ultima in particolare guadagna la dodicesima posizione nella Billboard Hot 100 americana, il più alto consenso certificato mai ottenuto dai Saigon Kick in carriera, ma anche “The Lizard” comunque riceve lo status di disco d’oro per le sue 500.000 copie vendute. Nonostante il riscontro molto positivo dell’album il bassista Tom DeFile lascia la band, come sempre con l’arrivo dell’attenzione mediatica e di qualche dollaro in banca le alchimie all’interno delle formazioni subiscono i primi colpi, talvolta sono assestamenti fisiologici talaltra si registrano dei necessari rimpasti. Arriva infatti in sostituzione Chris McLernon, ex Cold Sweat ma anche Cold Gin, ovvero una tribute band losangelina dei Kiss nella quale militano Jaime St. James e Tommy Thayer dei Black ‘N Blue (da sempre un satellite dei Kiss, arrivati al contratto discografico proprio grazie a Gene Simmons).

III – Il colore dell’acqua

Il ferro va battuto finché è caldo e i Saigon Kick tornano in studio per attuare la nota massima secondo la quale “non c’è 2 senza 3”. Eccolo il tre, si chiama “Water” ed è l’album dalla gestazione più difficile per i floridiani. Quello di DeFile evidentemente non era un fuoco di paglia poiché ora addirittura Kramer scalpita, ci sono questioni finanziarie all’interno della band che vengono dibattute e financo la direzione musicale che i Saigon Kick stanno maturando non convince il vocalist appieno, a tal punto che Kramer abbandona durante le registrazioni. La formazione si chiude a riccio e anziché cercare un sostituto è Jason Bieler che decide di farsi carico tanto della chitarra quanto del microfono. Dal vivo infatti la band deciderà poi di avvalersi di Pete Dembrowski come ulteriore chitarrista per supportare il doppio impegno on stage di Bieler. “Water” esce sempre per Third Stone con distribuzione Atlantic, all’incirca sempre 16 mesi dopo “The Lizard”. Bieler scommette vistosamente su se stesso poiché oltre a rappresentare i 2/4 della band ha sostanzialmente scritto tutto il materiale ad eccezione della cover di Bowie “Space Oddity”, per altro restituita in una versione magnifica, una di quelle occasioni nelle quali la cover non solo rende giustizia all’originale ma rivaleggia. “Water” è sin lì l’album meno aggressivo della band, l’elemento metal è assai stemperato e i Saigon Kick mostrano di voler ulteriormente evolvere raffinando il proprio stile e portando avanti sino all’esasperazione la propria ricerca sonora. E però al contempo “Water” è un album di una bellezza cosmica, dotato di tratti di pura genialità misti alle oramai rodatissime doti di qualità ed eleganza di casa Saigon Kick.

“One Step Closer” apre la scaletta al meglio con un giro di chitarra ipnotica e delle melodie di Bieler che sono la quintessenza dell’armonizzazione vocale made in Saigon. Dopo il tributo a Bowie di cui ho già detto, la title track spariglia tutto, un pezzo minimal ed elettronico che punta moltissimo sull’atmosfera e sulla dolcezza delle corde vocali di Bieler. Magnifica. Di contro, “Torture” sfodera un riff di chitarra killer che reinsedia il rock sul trono, ma non senza corredarlo di venature derivanti dai Fab Four. “Fields Of Rape” è un brano il cui languore taglia le carni, lancinante e a tratti doloroso. “I Love You” recupera il mood della title track ed è, come è lecito immaginare, una sbarazzina dichiarazione d’amore. “Sgt. Steve” potrebbe essere una continuazione apocrifa di “Space Oddity”, Bowie regna incontrastato; così come “My Heart” potrebbe essere la seconda parte di “Peppermint Tribe”. “On And On” lascia sedimentare ogni crudeltà e asprezza sul fondo, si prende una pausa dal livore robusto e roboante per indirizzarsi verso una leggerezza ammiccante che sa più di pop che di rock, eppure il basso tesse sornione una tela che pulsa ad ogni giro di boa. “The Way” è un’alba fragile e rarefatta che poi esplode di vigore (e blues) quando il sole giunge allo zenit. “Sentimental Girl” è un tuffo negli anni ’20, ennesima dimostrazione della versatilità e della policromia di una band più unica che rara come i Saigon Kick, capace anche di afflati jazz, per gioco. “Close To You” è un autentico capolavoro, chiudete gli occhi e sarete nel bel mezzo di un safari, chiamati a scegliere se finire nelle fauci di un leone o nel pentolone rituale di un arcigno stregone indigeno. “When You Were Mine” è un film di Truffaut, un addio struggente sotto un ponte della Senna, mentre la Torre Eiffel tenta invano di confortare un cuore spezzato.

“Water” è un album clamoroso affatto compreso appieno anche dagli estimatori della band, forse il passo più eterogeneo, caleidoscopico e complesso della discografia dei Saigon Kick, frutto certamente anche delle battaglie intestine che si combattevano in formazione, esattamente come accaduto dentro le sale prove di band come Faith No More o Rammstein, capaci di trasformare i propri conflitti artistici e financo personali in propellente per la musica. Bieler dà indubbiamente prova di grande talento e stavolta, nel bene e nel male, può lasciar correre il proprio estro a briglia sciolta senza il contraltare di Kramer. Ovviamente per tutti questi motivi “Water” diventa anche l’album che vende meno dei Saigon Kick, motivo per il quale nel 1994 la Atlantic perde interesse verso la band. Fuori dai radar delle major, i Saigon Kick si accasano con CMC International che si occupa di licenziare nel 1995 “Devil In The Details” ad opera di un ensemble che vede riuniti Bieler, McLernon, Varone e Dembrowski, di fatto per il 50% la band è stravolta ed anche il logo classico sparisce dalla copertina per far posto ad un laconico “SK”. Per quanto mi riguarda questo quarto titolo segna una flessione rispetto alla precedente discografia, l’ispirazione è un po’ calata (nella seconda metà della scaletta si avverte in modo piuttosto netto); qua e là i Saigon Kick ripercorrono quanto già detto e fatto non facendo sostanziali passi in avanti, il che forse era anche normale considerando i livelli paradisiaci sui quali si erano attestati sino a quel momento, impossibili da sostenere in eterno. “Devil In The Details” è un album normale di una band straordinaria, e nel frattempo a metà anni ’90 tutto il mondo è completamente cambiato intorno a Bieler e soci, non necessariamente in meglio. “Spanish Rain” fa baluginare certi momenti alla Sting, mentre in “Everybody” tra le righe si avvertono persino aleatorie eco degli Aerosmith. “Eden” è un pezzo molto elegante e gradevole, “Russian Girl” e “Flash And Bone” incarnano fedelmente l’essenza del sound di Saigon che abbiamo imparato a conoscere, “Victoria” pare proseguire il corso delle varie “Chanel” e “Sentimental Girl”, la conclusiva “All Around” si gioca solidamente la carta del punk. Commercialmente la stella dei Saigon Kick è già tramontata, sempre che mai ne sia brillata in cielo una a loro nome. L’album raccoglie ancora meno attenzione di quanto accaduto nel lustro precedente, sembra mettere inesorabilmente la band davanti alla consapevolezza che ogni sforzo è vano, la bottega può chiudere, ed è un dispiacere enorme poiché al netto del fatto che “Devil In The Details” non sia il loro album migliore, lo sarebbe per moltissime band in circolazione.

IV – Astenia compositiva

Nel 1998 esce una compilation di tracce demo assemblate da Bieler, “Moments From The Fringe”. Ad aprire la raccolta “Dizzy’s Vine”, registrata dalla line-up originale temporaneamente riunitasi nel 1997, non esattamente un brano indimenticabile. Un anno dopo Bieler ha oramai trasformato i Saigon Kick in un progetto praticamente personale, si occupa di cantare, suonare la chitarra, del programming e della produzione, consuetudine che risale ai tempi di “The Lizard” (praticamente tutti gli album dei Saigon Kick portano la sua firma in fase di produzione eccezion fatta per il debutto). Con lui il fidato nuovo sodale Dembrowski alla chitarra. McLernon è relegato ad appena un paio di tracce di basso, la cover di Billy Joel “Big Shot” e “Nearer” (unica traccia sulla quale compare anche Varone alla batteria), per il resto le pelli sono affidate a tale Rick Sanders. Di cosa sto parlando? Dell’album “Bastards”, pubblicato nel 2000 solo per il mercato asiatico su Pony Canyon Inc. Si tratta senza dubbio del disco più debole della carriera della band, anche se in effetti si dovrebbe parlare di un capitolo solista di Bieler. Non graffia, non inventa, a tratti non ha proprio del buon materiale da offrire tra i propri solchi (come “We Never Met” e le sue irritanti venature Oasis). Anche considerando che l’uscita è stata destinata al solo Oriente sarebbe bene lasciarlo lì e non curarsi troppo di questo quinto sforzo discografico che affonda decisamente le quotazioni dei Saigon Kick. Al confronto “Devil In The Details” è il “White Album” dei Beatles. Sempre nel 2000 Bieler partecipa anche al progetto Super TransAtlantic che riunisce 3/4 di Saigon Kick (Bieler, Dembrowski, Sanders) e Pat Badger degli Extreme al basso nell’unico album “Shuttlecock”, stampato da Universal e trainato dal singolo “Superdown”, finito nientemeno che nella colonna sonora del noto film d’essai American Pie.

Riposizionando le lancette dell’orologio di un paio d’anni indietro occorre mettere a verbale che Bieler già dal ’98 ha iniziato una vera e propria carriera solista a proprio nome, pubblicando in modo indipendente il lavoro “Houston, We Have a Problem”. Dopo una criogenia di un ventennio torna alla carica nel 2018 con “Where Dreams Go To Die”, quindi nel 2021 con “Songs For The Apocalypse” ed infine (ad oggi) con “Postcards From The Asylum”. Oggi questo sembra essere il suo percorso e per fortuna nessuno è tornato a scomodare dal loro sonno ventennale i Saigon Kick, nemmeno Bieler che sembra soddisfatto del suo giocattolo solitario, nel quale comunque fotografie di Saigon di tanto in tanto affiorano eccome. Mi auguro che tutto rimanga così e che la bellezza e la magia dei Saigon Kick non vengano sfigurate da improbabili reunion geriatriche. Qui lo dico e qui lo riaffermo: i Saigon Kick sono a mio gusto e parere la miglior cosa partorita dai travagliati, problematici, cangianti e complicati anni ’90, un decennio che ha distrutto e ricostruito la musica rock e che ci ha anche consegnato la sua gemma più preziosa, i ragazzi venuti da Miami…. pardon, da Saigon.

Discografia Relativa

1991 – Saigon Kick
1992 – The Lizard
1993 – Water
1995 – Devil In Details
1998 – Moments From The Fringe (compilation)
1999 – Bastards (solo mercato asiatico)

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Tairrie B: La Ragazza Terribile

Marco Tripodi — Fri, 04 Nov 2022 11:11:12 +0000

Tairrie B ha la nomea di essere stata la prima rapper bianca donna (1990), poi è stata tra le prime a fronteggiare una band alternative metal (i Manhole, trasformatisi in Tura Satana), quindi ha speso 15 anni dentro un progetto cucitole addosso come un vestito (My Ruin), diventando un punto di riferimento della scena nu metal e -core, sebbene quelle etichette le vadano sin troppo strette per quanto mostrato in carriera, a cominciare dal pantagruelico album d’esordio dei My Ruin “Speak And Destroy” (1999). Quasi una ventina di dischi all’attivo, un’urgenza di rivolta mai domata, una ruspa col motore perennemente acceso.

Contenuti:

1. Blonde ambition nella West Coast (1990 – 1996)
2. Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1997 – 1998)
3. Una rovina gloriosa (1999)
4. La stagione dell’ultraviolenza (2000 – 2013)
5. Il richiamo della West Coast (2014 – 2020)

1 – Blonde ambition nella west coast

Il battesimo musicale di Theresa Beth, classe 1965, non appartiene né al rock duro né tanto meno all’hip hop, i due generi che la vedranno prevalentemente coinvolta in carriera, bensì alla dance, purissima dance anni ’80 alla maniera dei tanti act che all’epoca imperversavano tra synth iper pompati, coloratissimi abiti fluo ed un coiffer sempre a portata di mano per impalcature vaporose ed antigravitazionali. Il singolo di debutto delle duo femminile Bardeux è “Three-Time Lover”, il riscontro è ottimo, decimo posto nella Billboard’s Hot Dance Singles Sales chart e Theresa B si immagina già una luccicante carriera solista. Abbandona la compare Stacy “Acacia” Smith e si affida a Eazy-E, agit prop della West Coast e del famigerato “gangsta rap”, del quale è ritenuto il padrino, nonché leader dei N.W.A. (influentissimi e veneratissimi monumenti del genere, tra le cui fila militano Ice Cube e Dr. Dre) e della label Ruthless Records. Sotto l’ala di quell’etichetta va a riposizionarsi Theresa B (o meglio, con la sottoetichetta Comptown Records).

Il 1° gennaio 1990 esce il suo album solista “Power Of A Woman”, affidato in distribuzione nientemeno che alla MCA. Theresa B dirige le registrazioni, pur coadiuvata dall’apporto di terzi. La copertina è molto aggressiva, la cantante – ora rapper conclamata sotto il nome di Tairrie B, dove B a suo dire sta per “bitch”- si mostra nei panni di una famelica business woman leopardata, sguardo intimidatorio e chioma biondissima (che non rivedremo mai più in testa a Theresa). Dieci tracce tostissime che vengono accolte abbastanza positivamente dalla critica di settore ma che non fanno fare il salto commerciale all’album, a parte un tiepido riscontri ai due singoli promozionali, “Murder She Wrote” e “Swingin’ Wit’ T”. Tairrie racconta che era usanza dei N.W.A. di partecipare fattivamente alle tracce dei loro figliocci artistici, tant’è che Ice Cube scrive il testo per una canzone intitolata “I Ain’t Your Bitch”, lei però lo rifiuta e lo riscrive di sana pianta, denunciando apertamente l’ingerenza in “Ruthless Bitch”. A quanto racconta la diretta protagonista, l’affronto viene punbito a colpi di cazzottoni in faccia alla cerimonia dei Grammy Awards del 1990, in segno di grande cavalleria. Theresa B si rivela una grande incassatrice e rimane in piedi.

Strano a dirsi ma “Power Of A Woman” rimane l’unico album con il team Ruthless. Theresa B va avanti e lavora ad un successore del disco; rimette a fuoco lo stile musicale cercando di distanziarsi dall’influenza dello stile West Coast dettato dai N.W.A.. Le registrazioni procedono lungo il 1993 ma l’album non va in pubblicazione e viene temporaneamente accantonato. Due anni dopo l’orizzonte degli eventi di Theresa B è completamente mutato. Eazy-E passa a miglior vita e la volitiva californiana di Anaheim sceglie di far parte di una band, formando una band chiamata Manhole con dei musicisti di Venice Beach. Il rap degli esordi non è completamente archiviato ma certamente viene travolto e rivoltato come un calzino da una carica rock che investe tanto il decennio quanto anche le corde vocali di Tairrie B. Assieme al sodale Scott Ueda (chitarrista della band), la neo rocker scrive tutti i pezzi dell’album esordio “All Is Not Well” (1996), al basso c’è Rico Villasenor mentre la batteria è percossa da Marcelo Palomino. Come producer viene scomodato addirittura Ross Robinson, già scopritore di Korn, Slipknot e Limp Bizkit, nonché produttore di costruttore del suono di “Roots” dei Sepultura. Il disco è una fucilata e viene immediatamente inserito nel calderone degli epigoni dei Rage Against The Machine, i quali stavano mettendo a ferro e fuoco l’America già dal 1992. Anche il successivo “Relief Through Release” (1997) viene marchiato allo stesso modo. Nel passaggio dall’uno all’altro la band è costretta a cambiar nome per motivi legali e si rinomina Tura Satana, con evidente riferimento al personaggio russmeyeriano di Tura Luna Pascual Yamaguchi, attrice statunitense di origini giapponesi, eternata dal ruolo della cattivissima virago Varla nel cult movie Faster, Pussycat! Kill! Kill! del 1966. Non è poi così difficile immaginare Tairrie come un suo perfetto alter ego.

II – Faster, Pussycat! Kill! Kill!

“Relief Through Release” vede il licenziamento di Ueda in favore del nuovo Scott Mitsuo, un avvicendamento che giova enormemente alla band poiché il secondo capitolo discografico è nettamente superiore per qualità e songrwriting (che tuttavia reca ancora generosa la firma di Ueda). Tairrie B ha sempre rifiutato l’accostamento ai R.A.T.M., ritenendolo troppo riduttivo e non si può darle torto. Se è indubbio che la scaturigine del sound dei Manhole/Tura Satana possa essere probabilmente quella, va anche sottolineato come al pressante funky dei losangelini vengano preferite nuance diverse ed alternative, che si attestano prevalentemente sull’hardcore nel caso di “All Is Not Well”, e che vedono il sovrapporsi di un ulteriore strato darkeggiante (dai tratti morbosi e nichilisti) con “Relief Through Release”. E’ un momento particolare per il rock, nello stereo di un ragazzo della seconda metà dei ’90 coesistono tranquillamente System of A Down, Cypress Hill, Metallica, Deftones, Tool, Nirvana, Prodigy, Red Hot Chili Peppers, Nine Inch Nails, Marilyn Manson, Limp Bizkit, un calderone eterogeneo e composito di stili, sonorità ed attitudini all’interno del quale trovano posto anche i Tura Satana.

Il mio incontro con Tairrie B avviene proprio nel ’97 su Videomusic (probabilmente con il programma Sgrang), emittente sulla quale girava spesso il videoclip di “Luna”, singolo estratto da “Relief Through Release”. Mi bastano quei 3 minuti e 58 secondi per capire che c’è parecchia sostanza sotto. Il video è ipnotico, vagamente riferibile al film L’Esorcista, con Tairrie B nei panni di una specie di Regan, naturalmente il rituale religioso non va a finire benissimo perché Tairrie è combattiva e volitiva, e vomita addosso allo spettatore le lyrics della canzone, atmosfere tese e “gloomy” alla Tool, ma con una sottostante tensione strisciante che strappa via le vene dalla pelle, ma più in generale tutto l’album si rivela davvero eccellente. “Relief Through Release” ha un substrato religioso piuttosto malato e su tutta la tracklist aleggia un sentimento angosciante, apocalittico, (auto)distruttivo. In tal senso la scelta di coverizzare i Nirvana di “Negative Creep” si rivela decisamente coerente e vincente (a mio gusto e parere la cover è persino migliore dell’originale), come guest vocals sul pezzo c’è John Davos dei Korn. Ritmiche sincopate, oscurità, sangue, una spiritualità più folcorica che platonica, eros vs thanatos, il retaggio dei Sixties, sono diversi i topoi che convivono in questi solchi e che guidano gli strumenti della band, unitamente ad una sottotraccia vagamente latina, da provincia americana zotica, rozza e cafona, proprio alla maniera dei film di Russ Meyer evocati sin dal monicker della band. Piuttosto curioso il fatto che i due album escano per la tedesca Noise, dedita a ben altre sonorità nei gloriosi anni ’80 del metal.

I Tura Satana non esplodono a livello mediatico come le altre band del circuito alternative/nu metal coeve, tuttavia si costruiscono una loro fetta di credibilità, sospinti anche dal carisma della frontwoman. Tairrie B assume in tutto e per tutto l’immagine di una vixen dell’immaginario cinematografico provocatorio ed irriverente di Russ Meyer, accentua la sua carica sexy, il trucco è pesantissimo, i capelli neri come la pelle che indossa, il suo sguardo è sempre truce ed il modo di cantare si è progressivamente ingrossato ed arrabbiato. Tairrie è quanto di più distante dall’immagine della modella belloccia ed ammiccante, è semmai una dark lady sempre scompigliata e sul punto di farti un furioso cazziatone. La sua presenza diventa ingombrante, molto più larga della band che guida ed anche stavolta Tairrie decide di intraprendere una (nuova) carriera solista. Non intende proseguire come “progetto Tairrie B“, l’idea di fondo è comunque quella di assemblare qualcosa di collettivo ma dovrà essere uno schema cucito su misura addosso a lei, senza interferenze decisionali esterne. Nascono così i My Ruin, il cui monicker tradisce in modo evidente quanto la chiave di lettura sia strettamente autoreferenziale. La “rovina” in questione è quella di Theresa Beth, esattamente come i testi scritti per “All Is Not Well” descrivevano con impeto cronachistico la sua travagliata biografia all’insegna della violenza, di una famiglia disfunzionale, della misoginia e del maschilismo imperante. L’impostazione dei My Ruin è all’insegna del do it yourself, vita, opere e attitudine di Tairrie B messe in musica, ne ha il completo controllo dalla A alla Z, nel bene e nel male. L’unico sopravvissuto della line-up dei Tura Satana è Palomino (anche se Tairrie poi dichiarerà che proprio il batterista era stato uno dei motivi per i quali aveva sentito l’esigenza di interrompere quell’esperienza).

III – una rovina gloriosa

Il primo atto di questo nuovo stadio esistenziale di Theresa Beth è “Speak And Destroy”, uscito nei negozi europei per Snapper Music il 23 agosto 1999 (seguirà poi la versione per il mercato americano, leggermente diversa a livello di scaletta). Per chi si immagina una naturale e coerente prosecuzione dei Tura Satana la sportellata è fortissima, “Speak And Destroy” è qualcosa di completamente diverso, nuovo, spiazzante, enorme. Sperimentazione è la parola d’ordine, il comandamento, il dogma inderogabile, la nutritissima scaletta del disco (ben 18 tracce) svaria dal metal all’industrial, dall’elettronica al rap, Tairrie recita tutte le parti in commedia, è sexy, è furiosa, è blasfema, è depressa, recita, urla, canta, strepita, uccide. Il primo ascolto è difficile, l’album può apparire dispersivo e poco focalizzato; è questione di aver pazienza e capire quale sia l’obbiettivo di Tairrie B, tuttavia risulta chiaro da subito che non si tratta di un lavoro qualsiasi, vuoto o privo di qualità; è semplicemente tanta roba da poter digerire tutta insieme, il parto di una personalità multipla, sfaccettata e variegata che finalmente trova compimento, la sua dimensione dopo i precedenti episodi discografici sempre troppo ingabbiati a livello di stili musicali. Il fatto che le registrazioni avvengano in luoghi e tempi diversi certamente contribuisce alla frammentarietà del risultato ma, per quanto mi riguarda, tale caratteristica aggiunge e non toglie. Tairrie attribuisce parte del merito dell’album alla chitarrista e co-songwriter Melanie Makaiwi, con la quale divide quei giorni in termini di ispirazione, musica, fatica, alcol e droghe. Accanto a loro e a Palomino, dal vivo si aggiungeranno pure la bassista Meghan Mattox ed il tastierista Todd Osenbaugh.

Il primo singolo che nel giugno ’99 si incarica di far conoscere “Speak And Destroy” al mondo è una cover, “Tainted Love” esplosa nella versione dei Soft Cell ma in realtà incisa originariamente da Gloria Jones nel 1965 e scritta da Ed Cobb dei Four Preps; Tairrie B preferisce giocare sul velluto prima di aggredire il pubblico con un album monstre dalle mille teste. La resa del pezzo è fenomenale e comunque non si tratta esattamente di una canzone indolore visto l’inevitabile rimando a Marc Almond e David Ball, e a tutto il chiacchiericcio originato dal loro ricorso a tematiche scottanti come il sesso estremo, il travestitismo, l’uso di droghe e l’omicidio. La “back song” che accompagna “Tainted Love” è “Blasphemous Girl”, forse la parentesi più violenta (vocalmente parlando) di tutto l’album, il perfetto contraltare della morbidezza elegante e sinuosa di “Tainted Love”. Davvero incredibile come Tairrie B abbia potuto cantare un pezzo simile (e magari ripeterlo sera dopo sera dal vivo) senza lasciarci ogni volta la trachea. Un chorus talmente nucleare e sanguonante che rimane impresso immediatamente, senza possibilità di scampo. Prima dei My Ruin gli Atrocity di Alexander Krull avevano già recuperato “Tainted Love”, proponendola debitamente metallizzata sul loro “Werk 80”, e nel 2001 sarà invece la volta del reverendo Marilyn Manson.

Ad ottobre ’99 arriva il secondo singolo, si tratta di “Terror”, che apre l’album (e del quale esiste anche il videoclip), accompagnato da “June 10th”, due pezzi meravigliosi ma sideralmente distanti tra loro, oltre che completamente diversi anche dalla precedente coppia “Tainted Love” / “Blasphemous Girl”. “Terror” è la quintessenza della natura sperimentale e alternativa dell’album, gioca con il ritmo e con i samples, prepara il terreno a “qualcosa di completamente diverso” (come avrebbero detto i Monty Python). In realtà, a ben vedere, si tratta di una rielaborazione delle spoken words che concludevano “Relief Through Realease” e va intesa come un piccola rivincita di Tairrie B verso tutti quei detrattori che stigmatizzavano la fine dei Tura Satana, ritenendo quella scelta da parte della cantante miope, suicida e rovinosa. Proprio da lì riparte Tairrie, mettendo orgogliosamente in scena la propria rovina. “June 10th” è una litania dolcissima ed amara al contempo, una goccia di rugiada malinconica, la cartolina ingiallita di un amore cancellato dal tempo, che si perde tra ricordi reali e destrutturati, al confine con il mondo dei sogni. Tutta la rivoltosa violenza di “Blasphemous Girl” qui si asciuga e diventa essenza e minimalismo. Da brividi! Sono molte altre le tracce meritevoli di “Speak And Destroy”, da “Close Your Eyes” a “Bright Red Scream”, “da Absolution” a “Diavolina”, da “Cosmetic” a “My Beautiful Flower”. “Sick With It” entra a far parte del thriller 8mm – Delitto A Luci Rosse di Joel Schumacher. Un viaggio lungo circa 60 minuti, complesso e multiforme, che non può lasciare indifferente l’ascoltatore, costretto a condividere le stesse cicatrici della sua narratrice.

IV – la stagione dell’ultraviolenza

All’indomani di “Speak And Destroy” Tairrie B ha parlato e ha distrutto. Tutto ciò che ha costruito è stato funzionale ad un disco gargantuesco e irriducibile, ed è crollato un istante dopo averlo eretto. “Speak And Destroy” è un unicum, un atto solo ed irripetibile che nasce e muore nello stesso momento. Per andare avanti Tairrie deve giocoforza voltar pagina. Il primo passo nel nuovo mondo è rappresentato dall’ingresso in formazione del chitarrista Mick Murphy, nativo di Knoxville, Tennessee, con qualche band heavy metal alle spalle tra l’86 ed il ’99. Mick e Theresa si incontrano ad un party a Hollywood Hills. Si piacciono prima ancora come persone che come musicisti ed avviano una relazione su entrambi i piani. Mentre Meghan Mattox rimane dentro la band, Melanie Makaiwi lascia, l’impronta marcatamente metalcore che sta prendendo il songwriting poco si addice al suo stile chitarristico. Idem Palomino e tutti i restanti musicisti, sostanzialmente assunti solo per il proprio contributo live. La band si compatta, si autoalimenta e dà alle stampa “A Prayer Under Pressure Of Violent Anguish”. Ci pensa Snapper a farlo nel settembre 2000 nuovamente in Europa, mentre contemporaneamente “Speak And Destroy” viene finalmente distribuito in America da Spitfire Records (che un anno dopo si occuperà pure del secondo album). Le parti di batterie vengono curate da Chris Hamilton dei Downset. Il titolo del disco deriva tanto da alcuni libri di preghiera che Tairrie leggeva durante quel periodo, quanto dalla condizione esistenziale nella quale le sembrava di vivere costantemente confinata.

“A Prayer Under Pressure” è probabilmente ciò che Tairrie sentiva di dover fare in quel momento e per questo va rispettata, tuttavia agli occhi di un semplice fruitore della musica dei My Ruin, al netto delle specifiche implicazioni con la parabola esistenziale di Theresa B e con la sua vita sentimentale, il disco si rivela un netto ridimensionamento del sound offerto dall’album d’esordio. Ora i My Ruin si concentrano pressoché esclusivamente su sonorità nu metal e -core, il cantato di Tairrie perde versatilità adeguandosi quasi esclusivamente all’aggressione belluina della musica. La “pressione di una violenta angoscia” si manifesta lungo tutti i 46 minuti di durata del platter senza soluzione di continuità, impoverendo notevolmente di ogni altro contenuto il profilo dei My Ruin. L’originalità dettata dalla voglia di indagare, sperimentare e spingersi oltre di “Speak And Destroy” viene irregimentata in un genere preciso, in uno stato d’animo preciso, relegando di fatto la band ad “una tra le tante”. Tairrie B continua a rappresentare un valore aggiunto, la sua personalità, la sua rabbia, la sua voglia di scardinare lo status quo, abbattere schemi ed abitudini tossiche tanto nel music business quanto nello stile di vita americano, rimangono un motivo di interesse per attenzionare la band, ma a mio parere la gratificazione derivante dalla musica che accompagna i testi di Tairrie diventa assai meno stimolante. Questo non significa che i My Ruin producano musica necessariamente opaca qualitativamente, ma certamente assai più prevedibile e monotona.

Nel 2001 il live “To Britain With Love And Bruises” certifica l’attaccamento alla band da parte della fanbase del Regno Unito (una vera fucina privilegiata di fan per i My Ruin), ma anche lo stato di forma della band, qui al suo massimo splendore se parliamo di entusiasmo ed ambizione dei membri che ne fanno parte, decisamente meno se il punto di ricaduta è il songwriting. Mick Murphy entra come chitarrista, prosegue come songwriter e compagno di Tairrie, e progressivamente si insedia come mente pensante e cuore pulsante della band; ora, poiché è proprio con il suo arrivo che coincide il downgrading dei My Ruin a soldati semplici del metalcore, verrebbe facile fare l’associazione di idee. Da qui in poi e per altri sei album (compresi tra il 2003 ed il 2013), i My Ruin insisteranno lungo questo solco, concedendosi unicamente di intorbidire via via il sound con elementi southern e pseudo stoner, derivanti dal background di Murphy, senza mai smettere del tutto di traumatizzare i confini degli stati del Sud a colpi di metalcore acido, slabbrato, groovy e grumoso, ulteriormente abbrutito dalla ruvidissima e inesauribile gola di Tairrie (oramai settata unicamente in modalità “belva”), e da stravolgimenti di line-up che passeranno dall’essere tutte al femminile a tutte al maschile, con Tairrie (e Murphy) sempre al centro. “The Horror Of Beauty” (2003), che succede immediatamente a “A Prayer Under Pressure”, viene pubblicato da Century Media, presagendo lì per lì magari un salto di qualità distributiva e mediatica, che invece si ridimensiona già a partire da “Brutal Language” nel 2005. Gli ultimi due album, “A Southern Revelation” (2011) e “The Sacred Mood” (2013), più gradevoli della fase di metà anni 2000 che vede anche la release di “Throat Full Of Heart” (2008) e “Ghosts And Good Stories” (2010), sono pubblicati in modo completamente autonomo ed indipendente dalla band, liberi da etichette ed in formato esclusivamente digitale.

V – il richiamo della west coast

Parallelamente il duo si sposa nel 2008, l’anno di “Throat Full Of Heart” e di un brutto incidente automobilistico che richiede cinque interventi chirurgici e quasi fa perdere un braccio a Tairrie. I coniugi si imbarcano anche in altre attività collaterali come i LVRS (acronimo di Love, Violence, Romance, Sex), un progetto di “spoken word” musicate che arriva a quota tre realese (due digitali mediante il sito web di Tairrie e Mick, ed un Cd fisico) e che viene descritto come un insieme di materiale autobiografico della cantante unito a pura narrativa; i Neanderthal, avventura solista di Murphy in chiave metal strumentale; la Blasphemous Girl Designs, ovvero il merchandise dei My Ruin poi espanso a vero e proprio brand di abbigliamento con relativo store online. A sorpresa nel 2015 Tairrie riscopre le sue antiche radici rap e West Coast incidendo l’album “Vintage Curses”. In occasione di questa release, il regista John Waters (noto per pellicole culto, bizzarre e weirdo come Mondo Trasho, Pink Flamingos, Grasso È Bello e La Signora Ammazza Tutti) definisce Tairrie come la “prima rapper femmina bianca della storia”, marchio che le rimane attaccato addosso come una medaglia.

Nel 2020 Tairrie pubblica “Feminenergy” (coadiuvata agli strumenti da Murphy che si occupa praticamente di tutto tranne che del microfono), un lavoro intriso di istanze sociali come razzismo, sessismo, politica e ingiustizia (che poi sono da sempre gli argomenti dei testi di Tairrie), con una presa di posizione netta ed in derogabile contro il trumpismo, per altro spesso riproposta anche attraverso i suoi social da Tairrie (che fa sfoggio di mascherine anti covid con sopra la bandiera americana e l’imperativo categorico “Fuck Trump!”), e con sonorità che tornano ad unire punk, metal e rap. L’album è messo a disposizione gratuitamente sul web, quasi come una medicina per contrastare le imminenti elezioni presidenziali, nonché in omaggio al trentennale di “Power Of A Woman”. Oggi i My Ruin sembrano oramai appartenere al passato di Tairrie e Mick, lei sta scrivendo la sua autobiografia e pare non avere nessuna voglia di tornare a dedicarsi alla musica, perlomeno nella forma dei My Ruin, semmai concedendosi saltuarie ed estemporanee incursioni musicali tra il rap ed il rock come per “Vintage Curses” e “Feminenergy” e curando la redazione di greatest hits come “The Catharctic Collection” (2020). Murphy da parte sua continua ad assemblare progetti su progetti, Teenage Time Killer, Chevy Metal, The Birds Of Satan, etc., anche collaborando con nomi di pregio come Reed Mullin (Corrosion Of Conformity), Jello Biafra, Corey Taylor (Slipknot), Tommy Victor (Prong), Dave Grohl, Nick Oliveri (Kyuss, Queen Of The Stone Age), Brian Baker (Minor Threat, Bad Religion) ma senza approdare a nulla di veramente concreto e stabile.

Discografia Relativa:

1990 – Power Of A Woman (Tairrie B)
1996 – All Is Not Well (Manhole)
1997 – Relief Through Release (Tura Satana)
1999 – Speak And Destroy (My Ruin)
2000 – A Prayer Under Pressure Of Violent Anguish (My Ruin)
2001 – To Britain With Love & Bruises (live) (My Ruin)
2003 – The Horror Of Beauty (My Ruin)
2005 – The Brutal Language (My Ruin)
2008 – Throat Full Of Heart (My Ruin)
2010 – Ghosts And Good Stories (My Ruin)
2011 – A Southern Revelation (My Ruin)
2013 – The Sacred Mood (My Ruin)

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